Chapitre 1.
La musique, à la fois intime et sociale, privée et publique.

Chapitre 2.
Sentiment et prospérité

2.1.
musique, émotions, sentiments
2.2.
Émotions, jeu narratif et musique
2.3.
L'épanouissement humain, l'expérience esthétique et la musique
2.4.
Valeur musicale au-delà de la haute culture, du développement personnel et de la contemplation
2.5.
Esthétique musicale et expérience corporelle : la danse
2.6.
Approches de la musique et des émotions dans la vie quotidienne : apports et limites
2.7.
Le problème de la réalisation de soi dans la vie moderne et son rapport à la musique
2.8.
L'individualisme compétitif et la compétition pour le statut social à travers la musique
2.9.
Critique : La musique enrichit-elle la vie ?

Chapitre 3.
Amour et sexe

3.1.
Succès, amour et rock and roll
3.2.
Deux approches de la musique, du sexe et de la sexualité
3.3.
La dichotomie pop-rock et la politique sexuelle du rock
3.4.
Les ressources émotionnelles de la pop d'après-guerre
3.5.
Performance et amour sur la piste de danse
3.6.
Critique de la liberté sexuelle contre-culturelle
3.7.
Le succès et l'amour du punk, du rock alternatif et du métal
3.8.
La sexualité dans la pop du XXIe siècle
3.9.
Musique noire et sexualité racialisée

Chapitre 4.
Sociabilité et lieu

4.1.
Façons d'être ensemble : Formes de public
4.2.
Éloges et limites de l'engagement musical
4.3.
sentiment d'unité
4.4.
Compétences sociales du quotidien I : Chanter ensemble
4.5.
Compétences sociales au quotidien II : Danser ensemble
4.6.
Jouer ensemble : Musiciens amateurs
4.7.
Théorisation de la socialité musicale positive
4.8.
Revisiter les spectres de la modernité capitaliste : classe et inégalité
4.9.
Développement musical inégal
4.10.
Éléments constitutifs d'une salle de concert prospère
4.11.
Qualité de vie professionnelle des musiciens professionnels

Chapitre 5.
Points communs et cosmopolitisme

5.1.
Communauté médiatisée de la société moderne
5.2.
L'expérience esthétique et le désir de partage
5.3.
Réaffirmer l'expérience esthétique ?
5.4.
Une histoire sur la musique, ce qu'elle nous dit et ce qu'elle ne nous dit pas.
5.5.
Musique, politique et public
5.6.
Une communauté de partage des goûts ? Sous-cultures, dieux et fans
5.7.
nation, peuple, cosmopolitisme
5.8.
Le rock comme cosmopolitisme ?
5.9.
La complexité de la musique et du pays
5.10.
Un étrange parcours : comment la musique ouvrière et tribale est devenue musique nationale
5.11.
conscience civique sentimentale
5.12.
Musique, pays et popularité
5.13.
La musique de la diaspora africaine : une affirmation collective de la vie en déclin ?
5.14.
Une défense critique de la musique

Remerciements
Note du traducteur
Amériques
Références
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L'un des ouvrages les plus remarquables dans le domaine des études musicales
Comment la musique enrichit-elle nos vies ?
Quel rôle la musique peut-elle jouer dans les rapports de pouvoir et les inégalités sociales ?
Pouvons-nous vraiment prospérer ensemble ?

Pourquoi la liberté, la solidarité et l'amour sont-ils importants ?

« Un livre qui explique pourquoi la liberté, la solidarité et l’amour sont importants pour nous. »
« Un chef-d’œuvre qui allie la pensée critique unique de l’auteur sur la culture quotidienne à une compréhension aiguë de la réalité. »

L'ouvrage « Pourquoi la musique est-elle importante ? », considéré comme l'un des meilleurs livres dans le domaine des études musicales, a été publié.
L'auteur de ce livre, David Hesmond-Halsey, est l'une des plus grandes autorités dans les domaines des études musicales et médiatiques et de la sociologie de la musique, explorant sans cesse les relations complexes et contradictoires de la production culturelle dans la société capitaliste.
Écrit par un éminent musicologue, « Pourquoi la musique est-elle importante ? » est un ouvrage novateur qui explore la valeur sociale de la musique avec une clarté et une logique remarquables, et constitue une lecture incontournable pour la recherche interdisciplinaire.

Ce qui est le plus remarquable dans cet ouvrage, c'est qu'il explore la nature publique de la musique, en s'appuyant sur les recherches d'universitaires issus de domaines très variés, un exploit incroyable pour un livre consacré à la musique.
Bien qu'elle repose fondamentalement sur une approche sociologique, elle aborde les réalisations et les théories de divers domaines tels que les études médiatiques et culturelles, l'anthropologie, les sciences politiques, la philosophie et l'esthétique, et la psychologie, en les reliant au discours sur la musique.
Non seulement ceux qui souhaitent explorer les phénomènes musicaux sous divers angles, mais aussi ceux qui s'intéressent à la théorie sociale en général, pourront acquérir, grâce à la musique, des perspectives éclairantes sur la vie quotidienne et la culture, ainsi que sur diverses théories et concepts intéressants.
En outre, cet ouvrage aborde la valeur de la musique en se concentrant sur sa vaste dimension émotionnelle dans le contexte d'un changement de paradigme qui touche les sciences humaines et sociales, appelé le « tournant affectif ».
L'auteur se concentre sur la musique profane, en particulier la musique populaire, et aborde l'importance de la musique dans la vie quotidienne et la sphère publique.

Défense critique du pouvoir de la musique

La musique est-elle simplement un stimulant qui suscite des émotions intenses chez les individus ? C’est peut-être pour cette raison que l’importance de la musique est souvent minimisée.
Mais l'auteur affirme que la musique est plus importante que tout le reste.
Parce que la musique est profondément personnelle, mais aussi sociale et publique dans sa fonction.
En d'autres termes, la musique enrichit nos vies et notre société, et permet à tous de prospérer ensemble.
Toutefois, l'auteur constate que ce potentiel de la musique est aujourd'hui sérieusement entravé.
Ce que l'auteur met en avant, c'est une « défense critique » de la musique.
La musique a le potentiel d'enrichir les individus et la société, mais à un certain moment, ce pouvoir peut s'affaiblir.
Défendre la musique « de manière critique » signifie reconnaître et soutenir la manière dont la musique enrichit nos vies et la société, tout en observant et en soulignant les facteurs qui limitent ou entravent ce pouvoir, voire la possibilité que ce pouvoir puisse avoir un effet négatif.
En d'autres termes, la musique exerce une force puissante qui fait prospérer les vies individuelles et la société, mais parfois, comme le disait Bourdieu, elle est étroitement liée à l'acquisition de « capital culturel » ou de « lutte symbolique », et elle conduit également à « l'individualisme compétitif » et à la « compétition de statut » ostentatoire de la société moderne.

Une société marquée par les inégalités, l'exploitation et la souffrance, les politiques culturelles gouvernementales et le capitalisme sont autant de facteurs qui contribuent à dévaloriser la musique.
À mesure que la pensée néolibérale se répand, l'importance des expériences esthétiques de beauté et de plaisir est reléguée au second plan.
Alors que la « croissance économique » est mise en avant dans tous les domaines, y compris la politique et la société, les propriétés de l'art et de la culture censées améliorer la vie sont dévalorisées.
Cela se manifeste clairement par les coupes drastiques dans les financements alloués à l'éducation, aux bibliothèques et aux arts.
Il en va de même pour la reconnaissance de la culture comme une industrie.
Si certains musiciens connaissent un succès retentissant, la grande majorité demeure dans une situation de salaires extrêmement bas et de chômage.

Ainsi, la musique présente des aspects à la fois positifs et négatifs qui s'entrecroisent dans ses relations avec les individus et les communautés.
L'auteur commence son ouvrage en affirmant qu'une défense critique de la musique contribuera à lutter contre les façons dont la valeur de l'art est ignorée, banalisée ou mal comprise.

Pourquoi la musique est-elle importante ?

Quelle est l'importance de la musique dont parle l'auteur dans ce livre ? En voici un bref aperçu.
(1) La musique peut enrichir nos vies en évoquant des sentiments et des émotions.
(2) La musique est étroitement liée au domaine de l’émotion, du sentiment, de l’humeur et, en bref, de l’affect.
En d'autres termes, la musique possède un pouvoir exceptionnel pour se connecter aux émotions et aux sentiments d'une manière particulière, et ainsi unir les expériences privées (identité personnelle) et les expériences publiques (identité collective).
(3) La musique est étroitement liée à l’amour et à l’intimité sexuelle et peut améliorer cette expérience.
La musique a joué un rôle majeur dans une plus grande acceptation des diverses sexualités, y compris l'homosexualité et la liberté sexuelle, dans la vie moderne.
Ce faisant, elle nous offre une variété d'expériences esthétiques dans notre vie quotidienne.
(4) La musique construit et renforce les expériences sociales et communautaires.
Cela peut favoriser un sentiment de solidarité et de communauté parmi ceux qui partagent le même espace.
(5) Les expériences musicales rassemblent les gens à travers différentes communautés, groupes et lieux.
Autrement dit, elle peut transcender ou intégrer les différences sociales pour permettre à la vie humaine et communautaire de prospérer ensemble.
La culture musicale peut développer des valeurs et des identités qui soutiennent l'idéal du bien-vivre ensemble et, de ce fait, elle peut contribuer de manière importante à la vie politique.

Critique du discours de résistance rock : « Un lieu de pseudo-rébellion »

La critique du discours de résistance rock, qui a exercé une influence significative sur le discours de la musique populaire coréenne depuis les années 1990, est particulièrement intéressante.
L'auteur affirme que la « dichotomie rock/pop » est importante pour comprendre la culture musicale populaire de la fin du XXe siècle.
Dans la musique populaire, la pop et le rock ont ​​chacun exprimé, reflété et façonné à leur manière les deux éthiques contradictoires du sexe et de l'amour.
Cela a également eu pour effet d'améliorer l'expérience de l'amour sexuel et d'affirmer diverses sexualités, y compris l'homosexualité.
Mais la pop était dénigrée, et le rock glorifié.
La raison en était que la pop était conformiste, tandis que le rock contenait une résistance (contre-culture) qui contestait la culture dominante de la société.
En particulier, la dimension politique et sexuelle du rock a été perçue comme ayant le pouvoir de démanteler le discours sexuel existant et de libérer le désir.
L'auteur critique toutefois la musique rock pour sa production musicale extrêmement masculine et misogyne, citant divers exemples musicaux.
Les Rolling Stones ont écrit des paroles ouvertement dégradantes pour les femmes, et « l’idéologie punk, avec sa sensibilité hippie et son rejet de la critique féministe, frôlait souvent la misogynie » (p. 151).
Autrement dit, il souligne que le rock a souvent été un « lieu de pseudo-rébellion », souvent arrogant et auto-glorificateur.
« L’idée selon laquelle le rock and roll s’est rebellé contre les conventions de l’époque dans les années 1950 et que le rock a rallié une génération de jeunes pour défier ceux qui étaient au pouvoir dans les années 1960 » (p. 285) n’est rien d’autre qu’un mythe.
Cela s'applique également au hip-hop, considéré comme plus subversif que le rock.
L'auteur souligne que le hip-hop a tendance à être plus misogyne et homophobe que le rock.

Comment pouvons-nous prospérer ensemble grâce à la musique ?

Dans les chapitres 4 et 5, l'auteur aborde sérieusement la « nature publique de la musique ».
Cela rejoint la compréhension qu'a l'auteur du problème de la maximisation de la valeur de la musique et de la possibilité pour un plus grand nombre de personnes de prospérer grâce à elle.
Cela soulève également la question de savoir comment nous pouvons prospérer ensemble dans la société moderne.
Ce que l'auteur met en avant, c'est la « dimension publique sociale » axée sur la communication émotionnelle.
C’est l’importance de la solidarité empathique que les gens ressentent lorsqu’ils chantent, dansent et jouent ensemble.
« L’influence musicale la plus importante sur le monde a pour but de maintenir la sociabilité publique, qui entretient le sentiment de solidarité et de communauté » (p. 29).
« Il n’est pas nécessaire que tout le monde soit votre ami, mais hocher la tête, bavarder et échanger des plaisanteries sarcastiques sont des façons de vivre ensemble avec succès. » (p. 224) L’auteur soutient que les expériences qui éveillent un sentiment de « publicité sociale » peuvent promouvoir et renforcer les aspects positifs d’une communauté.
« C’est manifestement une erreur de penser que l’espoir n’existe que dans le passé. »
« Dans les clubs, les salles de danse et les chambres à coucher du monde entier, les expériences de sociabilité et d’intimité musicales pourraient jeter les bases de nouvelles façons d’inculquer un sentiment de ce que nous partageons avec les autres — pour une politique significative et une forme de vie qui vaille la peine d’être vécue. » (p. 333) Et l’auteur soutient ce qu’on appelle le « cosmopolitisme éthique », selon lequel le véritable « cosmopolitisme » concerne l’échange interculturel et la communication égaux entre les nations ou les peuples dotés d’une souveraineté culturelle, plutôt que la disparition des frontières entre les « nations » ou les « États ».

L'auteur présente également les lieux et les systèmes essentiels à la vie quotidienne pour favoriser une culture musicale florissante.
Cela inclut une grande variété de salles de concert de différents types et tailles, où le public peut apprécier un large éventail de genres musicaux ; les lois et les environnements réglementaires nationaux et locaux ; les systèmes et les programmes d'enseignement ; les bibliothèques et les musées ; et bien plus encore.