Étonnamment, il semblerait qu'en réalité, Ophélie n'ait pas du tout été considérée comme une belle œuvre à l'époque.
Il s'agissait plutôt d'une œuvre née d'une « rébellion contre la beauté ».
Si vous ne me croyez pas, je peux le prouver en citant des critiques acerbes parues dans les journaux de l'époque.
« C'est dans un fossé envahi par les mauvaises herbes. » « Ça me fait penser à une laitière ! » Quel jugement humiliant ! Et comme c'est étrange ! « Pas beau ! » Pourquoi cette œuvre a-t-elle reçu des critiques aussi acerbes ?
À l’époque de la publication d’« Ophélie », les peintres ne considéraient comme « beauté » que la beauté stéréotypée héritée de la Renaissance.
Pour bien peindre durant cette période, il fallait suivre le style des maîtres de la Haute Renaissance, tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange et Raphaël.
Ils soutenaient que seule la composition idéalisée d'un corps aux proportions parfaites, d'une structure symétrique et de calculs rigoureux pouvait être considérée comme belle.
En un mot, c'était de la « beauté formalisée ».
C'était une époque où seules les expressions humaines conformes à cette formule étaient reconnues.
Ce style de peinture est appelé « néoclassicisme » car il recherche la beauté des classiques.
--- Extrait d'« Ophélie », qui exprime la plus belle mort du monde

En réalité, la nature est très avare lorsqu'il s'agit de produire du bleu.
« Le ciel et la mer ne sont-ils pas bleus ? » pourrait demander quelqu’un, mais à bien y réfléchir, ce n’est pas vrai.
Le ciel et la mer changent de couleur à chaque instant.
On ne peut pas expliquer cela par une couleur fixe.
En réalité, les anciens Grecs considéraient le bleu comme une simple variante du vert.
Homère, dans l'Odyssée, décrit la mer comme « de la couleur d'un vin profond ».
C'est une couleur très différente du bleu.
Même les couleurs des objets naturels que nous considérons comme bleues, telles que les myrtilles et les violettes, sont en réalité plus proches du violet que du bleu véritable.
Des recherches ont également montré que parmi les 64 000 espèces de vertébrés recensées sur Terre, seules deux présentent une pigmentation bleue.
Parce que le violet est une couleur difficile à trouver dans la nature, non seulement dans la Grèce antique mais aussi dans la plupart des cultures occidentales, il n'existait pas de mot spécifique pour désigner une couleur intermédiaire entre le vert et le violet.
Le concept de bleu est apparu très tardivement, non seulement en Occident, mais aussi en Asie orientale, dans le judaïsme et l'hindouisme.
Par conséquent, certains chercheurs avancent que certains peuples anciens étaient peut-être partiellement daltoniens, incapables de percevoir la couleur bleue.
--- Extrait de « Le secret de la couleur : le bleu »

En 1612, Gentileschi, une jeune fille de dix-neuf ans qui rêvait de devenir peintre, fut traduite en justice comme victime de viol.
L'auteur de ce crime était Agostino Tassi, le professeur d'art de Gentileschi.
Imaginons.
Il y a 400 ans, cet endroit était Rome, en Italie.
Une jeune fille qui a porté plainte contre son professeur, affirmant avoir été violée.
Le public de l'époque aurait-il pu accepter cela ? Était-il suffisamment éveillé ?
Ce n'est pas possible.
On raconte qu'à cette époque à Rome, les femmes victimes de crimes sexuels devaient être torturées pour pouvoir dénoncer les dommages subis.
Autrement dit, une véritable victime est quelqu'un qui peut clamer haut et fort, de tout son être, que ce qu'il dit est vrai, même en souffrant énormément.
Il est choquant que des victimes soient torturées pour prouver l'existence des dommages.
Gentileschi a enduré la torture.
Il a été contraint de témoigner en détail des sévices que Tashi lui avait infligés, alors qu'il portait un instrument de torture qui lui avait brisé les doigts.
Même quand j'ai mal, je crie comme ça.
« C’est vrai ! C’est vrai ! C’est vrai ! » Les paroles de Gentileschi sont retranscrites textuellement dans les archives du tribunal de l’époque.
Cependant, ces pouvoirs déjà corrompus piétinent la seule parole de la jeune fille.
Après un procès tumultueux de sept mois, Tashi est condamné à seulement deux ans de prison, mais il est rapidement gracié grâce aux relations du pape.
Il ne restait plus que douleur, frustration, colère et stigmatisation.
La justice que Gentileschi, âgé de dix-neuf ans, attendait du monde avait déjà disparu.
Gentileschi prend donc le pinceau à sa place.
Il s'agissait de peindre précisément cette scène, Judith décapitant Holopherne.
--- Extrait de « Les femmes devenues héroïnes par le meurtre : Judith décapitant Holopherne »

Les innovations, notamment celles de jeunes artistes qui contestent l'autorité établie, entraînent souvent des incompréhensions ou du ressentiment de la part du public.
Cependant, avec le temps, son talent artistique est progressivement reconnu, et il accède même parfois à une place de choix dans la culture populaire.
Bien sûr, le rythme de cette évolution est plus lent que celui de l'élargissement des horizons perceptifs des artistes, et des controverses et des disputes surgissent donc souvent, mais l'art a continué à évoluer de cette manière tout au long de l'histoire.

Graffiti.
Au milieu et à la fin des années 1990, lorsque des graffitis sont apparus sur les murs de tout Séoul, à commencer par Hongdae, quartier dominé par le hip-hop et le punk rock, la génération plus âgée était horrifiée.
De nos jours, il est rare que les gens expriment un tel dégoût ou un tel malaise envers les graffitis comme autrefois, mais en Corée, la plupart des graffitis sont encore soumis à la loi sur les infractions mineures.
Cependant, aux États-Unis, un peintre né en 1960 est devenu célèbre et a accédé à la célébrité grâce à des graffitis comme celui-ci.
Il est décédé en 1988 à l'âge précoce de vingt-sept ans, il était donc déjà reconnu comme un artiste respecté bien avant l'arrivée du graffiti dans notre pays.
Il a été un sujet de conversation tout au long de sa vie, non seulement reconnu, mais affublé de surnoms éblouissants comme « Picasso noir », « génie malchanceux » et « le garçon espiègle de l'art moderne ». Il s'agissait de Jean-Michel Basquiat (1960-1988).
--- Extrait de « Pourquoi y a-t-il autant de couronnes dans les œuvres de Basquiat ? »

Nombre des premières œuvres de Baladon capturaient des moments du quotidien dans son environnement, mettant l'accent sur des formes courbes aux contours marqués et utilisant les ombres pour créer de la profondeur.
Les mannequins ont maximisé l'effet visuel en mettant l'accent sur la souplesse de leurs corps, en levant les bras ou en pliant les jambes.
Cependant, dès le début des années 1900, Balladon se tourne vers un nouveau mode d'expression : la peinture à l'huile.
Et le style change aussi beaucoup.
Les couleurs sont devenues plus riches et plus éclatantes, les contours plus marqués et les coups de pinceau plus rugueux.
Il a progressivement créé son propre univers artistique.
On retrouve ce style dans toutes les œuvres ultérieures de Baladon.
Cependant, certaines mannequins posaient de manière à exprimer « la femme en tant que femme » grâce à la souplesse de leurs corps.
Bien que la série de peintures de nus de Baladon soit considérée comme l'expression la plus aboutie de son univers artistique, elle était tout à fait novatrice pour son époque.
Parce qu’aucune « artiste femme » n’avait jamais peint de « nu féminin ».
En 1909, elle devint la première artiste femme à représenter les nus d'un homme et d'une femme sur la même toile, provoquant un véritable tollé dans le monde de l'art.
L'œuvre qui la précède est le tableau de nu « Adam et Ève », représentant Valadon lui-même et son amant, André Uter, comme modèles.
Dans l'œuvre originale, Adam était également représenté en pied, mais en raison de la forte opposition des organisateurs de l'exposition, Baladon n'eut d'autre choix que d'ajouter des feuilles de vigne.
Néanmoins, les critiques étaient sévères.
Comment une artiste femme a-t-elle osé peindre un nu masculin ! Le Centre Pompidou, qui abrite aujourd’hui l’œuvre, a interprété cette anecdote comme suit :
« Cet acte de censure illustre clairement la situation de l’époque où les artistes femmes n’étaient pas autorisées à peindre des nus masculins. »
Cela démontre également à quel point Suzanne Valadon était une pionnière en matière de rupture avec les conventions existantes. »

--- Extrait de « Pourquoi Baladong est-elle devenue la première femme peintre à peindre des nus ? »