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Comment les peintres du passé parvenaient-ils à représenter les choses avec autant de précision et de vivacité ?
L'art de la Renaissance reste pour les peintres modernes l'art des maîtres, et c'est un domaine du génie qui ne peut être surpassé.
Même le célèbre historien d'art britannique Gombrich n'a pas pu expliquer clairement pourquoi tant de peintres de génie ont émergé pendant la Renaissance.

« Les secrets des chefs-d'œuvre » est né de la curiosité de Hockney de découvrir comment les grands artistes du passé parvenaient à représenter le monde qui les entourait avec une telle précision et une telle vivacité.

En 1999, alors qu'il observait le dessin d'Ingres représentant « Madame Louis-François Godineau » datant de 1829 à la National Gallery de Londres, Hockney fut frappé par une question.
Vous serez émerveillé et curieux de voir un travail réalisé avec une telle précision et un tel niveau de détail qu'il est difficile de croire qu'il a été fait « à l'œil nu », et vous vous intéresserez à la méthode.
Le « dessin à l'œil nu » est une méthode dans laquelle un artiste s'assoit devant un modèle et dessine en utilisant uniquement ses mains et ses yeux, c'est-à-dire en regardant le sujet et en reproduisant une ressemblance sur papier ou sur toile.
Le dessin, qui montrait au début de nombreuses traces de retouches, s'est transformé à un moment donné en un dessin réalisé d'une seule traite.

Il s'interroge également sur la façon dont les peintures d'Ingres ont tant changé d'atmosphère en l'espace d'un an, et commence à les analyser en examinant de nombreuses toiles qui sont soudainement devenues beaucoup plus réalistes.
Hockney pense au maître du pop art Andy Warhol, qui utilisait une technique consistant à transcrire des photographies puis à en tracer les contours.
Hockney se demande : « Ingres aurait-il pu utiliser une camera lucida (un appareil qui projette le sujet du tableau sur la toile à travers un prisme) ? »
Par conséquent, certains affirment qu'Ingres ne peignait pas uniquement grâce à son talent visuel et manuel, mais qu'il utilisait plutôt des outils pour gagner en précision et en temps.

Aux débuts de l'optique, les appareils n'étaient pas assez grands pour contenir l'image entière, les artistes dessinaient donc la partie centrale séparément puis l'assemblaient.
Autrement dit, le visage, le torse et la nature morte sur la table ont été dessinés séparément.
De ce fait, le tableau semble être vu de plusieurs points de vue plutôt que d'un seul.

Hockney soutient que les grands peintres utilisaient la camera lucida et la camera obscura (dispositifs qui découpent des trous ou fixent des lentilles sur une boîte et projettent ensuite l'image de l'extérieur à l'envers sur le mur opposé).
Il est très difficile de retranscrire sur une planche à dessin une composition complexe telle qu'on la voit à l'œil nu, mais il est possible de dessiner un contour simple à l'aide de miroirs et de lentilles. L'idée est donc d'utiliser des miroirs ou des lentilles pour projeter l'image d'un objet tridimensionnel sur un plan bidimensionnel, puis de dessiner le long de cette image.


Pourquoi les peintres de la Renaissance représentaient-ils si souvent des gauchers ?
Hockney estime que les artistes ont commencé à adopter sérieusement les instruments d'optique vers 1420-1430.
Vers 1500, Léonard de Vinci connaissait déjà bien la littérature optique, et ses carnets sont riches en informations sur la projection optique.
L'expérience qu'il a réalisée était similaire à celle d'Al Hazan, où il avait percé un petit trou, semblable à un trou de clou, dans une pièce sombre, appelée camera obscura.
Des artistes plus tardifs comme Giorgione, Raphaël et Rembrandt connaissaient également l'optique.
Rembrandt a transcendé l'imagerie naturaliste des illusions d'optique grâce à sa puissance émotionnelle.

L'amélioration significative des performances des lentilles à la fin du XVIe siècle a laissé de nombreuses traces de l'utilisation des outils optiques dans la peinture.
C’est à cette époque que les personnages gauchers et les personnes buvant du vin de la main gauche commencèrent à apparaître plus fréquemment dans les peintures.
Lorsque les artistes utilisent des outils optiques comme des miroirs pour dessiner, l'image est inversée car ils dessinent ce qui est réfléchi par la lentille ; ainsi, les modèles droitiers sont dessinés comme s'ils étaient gauchers.
Grâce à ces outils, les artistes ont pu représenter à la perfection des tapis complexes, des motifs ornementaux sur les tissus et des textures scintillantes sur les armures, comme on n'en avait jamais vu auparavant.

Avec les progrès technologiques et l'évolution des équipements, les artistes ont utilisé une variété d'objectifs pour créer des peintures réalistes.
La peinture consistait à représenter les objets tels qu'ils étaient réellement, mais avec l'invention de la photographie dans les années 1800, une nouvelle révolution s'opérait dans l'histoire de la peinture.
Par la suite, la peinture a pris une forme moderne, comme l'impressionnisme, le cubisme et l'expressionnisme.

Hockney soutient que les peintures cubistes ont expérimenté les différentes perspectives de l'objectif, tandis que les peintures du XXe siècle n'ont pas échappé à l'objectif, mais se sont plutôt lancées dans une expérimentation plus approfondie.
Hockney affirme que l'invention de la photographie chimique a engendré un changement significatif en peinture, une nouvelle révolution technologique dans la création d'images.
L'image peut paraître plus grossière, mais je pense qu'elle est plus proche de la réalité.
Autrement dit, les peintres en vinrent à croire que les peintures cubistes ou expressionnistes ressemblaient davantage au monde réel.
Pourquoi pensions-nous que les écrans déformés du cubisme étaient plus proches de l'apparence du monde ?

Hockney fait référence aux « limites de l'image optique ».
Le « Fruit » de Caravage (1596) ressemble à une photographie, tandis que le « Fruit » de Cézanne (1877-78) paraît maladroit.
Cependant, on dit que plus on regarde de loin, plus il est difficile de reconnaître les pommes de Caravage, tandis que celles de Cézanne deviennent plus nettes.
« Cézanne nous montre dans ses peintures que nous voyons les choses sous de multiples angles, parfois contradictoires », explique-t-il.


Reproduction des panneaux historiques de Brunelleschi
Dans cette édition révisée, Hockney confesse que lors de la publication de la première édition en 2001, il savait qu'il n'avait pas entièrement achevé son enquête visuelle et qu'il restait encore beaucoup à découvrir.
Pour poursuivre ses expériences, Hockney se rend à Florence afin de recréer l'expérience de Brunelleschi sur un panneau de bois représentant le baptistère florentin.
Filippo Brunelleschi est connu dans l'histoire de l'art comme le premier peintre à avoir inventé les principes de la pyramide optique et de la perspective linéaire.

Selon la « Vie de Brunelleschi » d'Antonio Manetti, biographe de Brunelleschi, écrite dans les années 1470, Brunelleschi a démontré que l'apparence réelle du baptistère, telle qu'on la voyait à travers un miroir à l'intérieur de la cathédrale Santa Maria del Fiore, correspondait exactement à l'image peinte sur le panneau de bois.
Hockney, qui a reproduit la même expérience au même endroit, a pu confirmer une image parfaite en perspective et en a conclu que la découverte de la pyramide visuelle et de la perspective linéaire était le résultat de l'utilisation d'un outil technique, à savoir une lentille concave.


L'œuvre controversée de Hockney qui a enflammé le monde de l'histoire de l'art occidental
Lorsque les recherches de Hockney furent publiées, les historiens de l'art le critiquèrent pour avoir réduit le travail des grands artistes à de simples questions techniques, à des livres de coloriage ou à de la copie, tout en affirmant que le génie artistique était inné.
Mais Hockney a déclaré : « Un chef-d'œuvre reste un chef-d'œuvre » et « Ce sont des génies incontestables ».
« J’ai simplement utilisé la science de manière active », dit-il calmement.
C’est là le plus grand mérite des secrets des tableaux célèbres que Hockney a mis au jour.
Le traducteur Nam Gyeong-tae défend également Hockney.

« Comme le dit Hockney, utiliser des instruments d’optique ne diminue pas la qualité d’une œuvre, et donner une lentille à quelqu’un ne signifie pas qu’il saura peindre de cette façon. »
La personnalité de l'artiste n'a rien de répréhensible.
Au sens large, il s'agissait également d'un processus incontournable dans l'histoire de l'art.
L'invention de la photographie a rendu caduques les techniques des miroirs et des lentilles, et Cézanne et Van Gogh, confrontés à une crise de la peinture, ont trouvé une solution grâce à un changement de perspective.
À cet égard, le point de vue de Hockney selon lequel les techniques optiques n'ont pas été héritées par la peinture, mais plutôt transmises à des médias tels que la télévision et le cinéma, est rafraîchissant.

Hockney soutient que si une peinture bidimensionnelle peut être copiée, une peinture tridimensionnelle ne peut pas être « reproduite » en deux dimensions.
Par exemple, comparez « L'Enterrement » de Caravage avec « L'Enterrement » de Rubens.
Rubens a peint une copie de « L'Enterrement » du Caravage, en modifiant la position des personnages dans le tableau afin de rendre l'espace cohérent et réaliste.
Comparées à l'original de Caravage, les figures des reproductions de Rubens ont plus de poids et de vie, explique-t-il, et tandis que Rubens laissait aux figures de ses peintures l'illusion de l'espace, Caravage les empilait verticalement sur la toile.

Hockney présente des centaines de preuves visuelles et de documents fascinants pour les étayer.
De plus, les lettres échangées avec des collègues tels que des historiens de l'art, des opticiens et des directeurs de musées d'art confirment qu'il n'a pas révélé les secrets des tableaux célèbres avec seulement deux mots-clés : lentilles et miroirs.
Hockney a déclaré : « Le pouvoir d'une peinture statique sera éternel. »
Il souligne la grandeur des tableaux célèbres en disant : « Les chefs-d'œuvre seront aimés et préservés pendant longtemps. »

« Le secret des chefs-d'œuvre » révèle une nouvelle découverte : les lentilles et les miroirs utilisés en peinture ont évolué vers la photographie, la photographie vers le cinéma, et la peinture vers le cinéma.
Des centaines de peintures et de dessins, dont certaines des œuvres les plus célèbres et les plus appréciées de l'histoire de l'art occidental, sont reproduits, accompagnés des commentaires passionnés de Hockney, faisant de ce livre un véritable plaisir à lire.