Note de l'auteur

Prologue_La peinture comme punctum

01 Celui qui a craché au visage du Seigneur
02 L'apôtre Jean avalant un livre
03 Doigt de Dieu
04 Pierre du fou
05 La pie sur l'échafaud
06 Si quelqu'un n'est pas comme moi
07 Sujet disparu
08 Image inversée
09 Allégorie de la Prudence
10 La tour de Babel de l'interprétation
11 La Vierge au long cou
12 Le chien de Goya

Interpréter les peintures de Jin Jung-kwon de la manière la plus « personnelle » et « originale »

Je suis quelque part dans les nuages, au-dessus du ciel.
Tu sais que tu es destiné à accomplir ton destin.

Je ne hais pas ceux qui me combattent.
Je n’aime pas ceux que je protège… … .
Ma mort ne leur causera aucune perte.
Cela ne les rendra pas plus heureux qu'avant.
Toute loi ou obligation,
Ou un haut fonctionnaire ou une foule en liesse
Tu ne m'as pas dit de me battre.

Un élan de joie solitaire
Ce tumulte dans les nuages ​​m'y a poussé.
Quand je compare cette vie à cette mort,
Les années à venir seront une perte de temps,
Les années qui passaient semblaient aussi être un souffle gaspillé.

Jin Jung-kwon, un intellectuel qui vit les changements de notre époque avec son corps et son esprit à l'avant-garde de notre temps.
Il a toujours été au cœur de vifs débats sociaux.
D’où proviennent ses pensées et ses écrits, qui s’expriment dans un style unique – tantôt froid, tantôt incisif – au cœur de conflits socioculturels aigus ? Ses écrits et ses réflexions mettent en lumière les maux de la société et influencent constamment les institutions socioculturelles.
Cependant, il ne défonce pas la porte de la réalité, mais procède plutôt en la contournant une à une.
Il est connu sous différents titres tels qu'esthéticien, intellectuel, critique culturel et orateur, et se définit lui-même comme un « étudiant » et déclare : « En tant qu'esthéticien, publier de bons livres est le but ultime de ma vie. »
Hier comme aujourd'hui, il ne se cantonne pas au monde de l'imagination artistique.
Elle a socialisé le monde de l'imagination esthétique individuelle et originale, et par ce processus, elle nous guide vers une pensée novatrice et originale.
Il est revenu au monde de l'esthétique en publiant « La Pie sur l'échafaud - L'interprétation unique des peintures par Jin Jung-kwon », qui renferme son univers artistique personnel et unique.
Il s'isolait avec bonheur et en toute solitude du tumulte qui l'entourait, s'immergeant dans l'univers de ses tableaux préférés.
Jin Jung-kwon, alias « Mio », ami de longue date de notre époque, a mis en lumière le monde de l'imagination artistique dans des œuvres telles que « Odyssée esthétique 1, 2, 3 », « Jeu, art et imagination » et « Histoire de l'art occidental 1 ». Il a inauguré une exposition présentant sa collection de peintures, celles qu'il chérit et celles qu'il souhaite partager avec ses lecteurs.
Les douze tableaux qu'il a exposés dans l'espace-temps du livre représentent des artistes et des œuvres reconnus comme « autres » dans l'histoire de l'art.
Il s'agit de sa propre « lecture des tableaux », individuelle et originale, qui englobe le surréalisme, la Renaissance, la maladie de la vache folle, l'introspection et le problème de l'interprétation.
Douze tableaux qui résonnaient en lui.
Elle renferme la mélancolie de l'époque où l'œuvre a vu le jour, la vie des artistes et les enjeux socioculturels de ce temps.
Ce livre attire également l'attention car il reprend le contenu de la dernière conférence donnée à l'université Chung-Ang il y a un mois.
Cette conférence, qui s'est tenue sur le thème « L'autoportrait du peintre et mon apparence », est entièrement contenue dans le chapitre 7, « Le sujet disparu ».


Elle renferme la mélancolie de l'époque où l'œuvre a vu le jour, la vie des artistes et les enjeux socioculturels de ce temps.
Ce livre attire également l'attention car il reprend le contenu de la dernière conférence donnée à l'université Chung-Ang il y a un mois.
Cette conférence, qui s'est tenue sur le thème « L'autoportrait du peintre et mon apparence », est entièrement contenue dans le chapitre 7, « Le sujet disparu ».


*Très rarement, je tombe sur une œuvre d'art qui résonne en moi.
Une telle image donne l'impression d'une moitié de soi-même qui formait à l'origine un seul corps, mais qui a dû être divisée en deux à sa naissance.
Pour moi, c'est « Angelus Novus » de Paul Klee et « La Pie sur l'échafaud » de Pieter Bruegel l'Ancien.
En fait, parmi les essais réunis dans ce livre, mes chapitres préférés sont probablement ceux qui traitent des autoportraits de Gump et des natures mortes de Giesbrecht.
Mais parmi les œuvres présentées ici, c'est cette dernière œuvre de Pieter Bruegel qui produit l'effet d'un punctum proche d'une résonance spirituelle.
J'ai donc choisi ce titre pour le livre.

Une époque où l'atmosphère de liberté des Pays-Bas fut étouffée par une vague de troupes espagnoles réactionnaires.
Cet homme jovial, amateur de satire et d'humour, leur ordonne de brûler toutes ses œuvres, ne laissant derrière lui que le tableau d'une pie perchée sur le gibet.
L'histoire est-elle, comme le pensait Borges, une variation d'une mélodie circulaire, répétée sous diverses formes ? J'ignore si cette répétition que je vis actuellement est une tragédie ou une comédie, mais j'espère ressentir à nouveau cette émotion dans un avenir lointain ; aussi en laisse-je ici une trace.
Le sentiment qui m'a saisi tout au long de l'écriture de ce livre, au milieu de toute l'agitation qui m'entourait, mérite d'être gardé en mémoire.
--- Note de l'auteur

Jin Jung-kwon ! Raconter son histoire intérieure à travers 12 peintures
— Première caractéristique de ce livre

Des ouvrages tels que « Aesthetic Odyssey 1, 2, 3 », « Play, Art, and Imagination », « Western Art History 1 », « Dancing Death », « Jin Jung-kwon's Modern Aesthetics Lectures », « Media Art - The Front Line of Art », etc., ont été bien accueillis par les lecteurs pour leur capacité à interpréter le monde de l'art et de l'esthétique, perçus comme difficiles et abscons, ainsi que les tendances changeantes du concept d'art, d'une manière qui correspond à la grammaire de notre époque.
Le nouveau livre, « La pie sur l’échafaud – L’interprétation unique des images par Jin Jung-kwon », est assez différent des livres mentionnés ci-dessus.
La caractéristique la plus importante de ce livre est qu'il révèle pour la première fois le monde intérieur de Jin Jung-kwon.
Au niveau le plus individuel et du point de vue le plus original, le tableau a stimulé la curiosité intellectuelle de l'esthéticien, et il contenait le climat intellectuel contemporain et l'angoisse ressentie par le peintre face à l'œuvre, ainsi que son propre moi intérieur confronté au tableau.
Une tête qui a perdu son corps et qui flotte seule dans les airs.
Un homme avalant un livre devant une figure grotesque.
Une main apparut dans les airs, irradiant de lumière, et écrivit sur le mur du palais.
Une intervention chirurgicale pour percer le crâne d'un fou.
Un gibet tordu en une forme impossible.
Un gribouillage de l'époque de la Renaissance.
Un miroir qui ignore le regard de celui qui le contemple.
Une toile qui est à la fois un recto et un verso.
Un humain à trois visages et une bête à trois têtes.
Photo d'une tour d'interprétation d'apparence ordinaire en construction.
Les colonnes d'un temple antique disparaissent progressivement à mesure qu'on monte.
Et un chien, désormais avec une seule tête, dans l'espace vide.
Il explore les grands thèmes de l'histoire de l'art, notamment le surréalisme, la Renaissance, le baroque et l'art moderne qui a perdu son interprétation, tout en sélectionnant douze tableaux qui résonnent avec son âme.
Dans « La pie sur l’échafaud – La lecture créative des images par Jin Jung-kwon », il nous parle avec le terme de « lecture créative ».
Il encourage les gens à lire eux-mêmes les œuvres d'art plutôt que de se les faire lire.
Lire une œuvre d'art seul, c'est se poser des questions et y répondre soi-même tout en la contemplant. « Une œuvre d'art n'est pas un "objet" inerte, achevé au moment de sa création. »
C'est une « créature » qui se façonne sans cesse à travers un jeu incessant de questions et de réponses.
Lorsque cette chaîne de questions et de réponses est rompue, l'œuvre cesse d'être vivante.
La lecture d'une œuvre ne doit pas se limiter à suivre le chemin déjà emprunté par d'autres.
Il est nécessaire de maintenir l'œuvre en vie en la posant sans cesse de nouvelles questions et en l'interprétant de nouvelles manières. L'œuvre est le fruit d'une création conjointe entre l'auteur et le lecteur.
Il n'y a pas que les écrivains qui ont besoin d'être créatifs.
Il estime que les lecteurs devraient également faire preuve de créativité.

*Retournons à l'échafaud.
La pie qui s'y trouve est une créature redoutable.
Combien de citoyens néerlandais ont été envoyés à la potence à cause de ses divagations ? N’est-il pas absurde qu’un seul faux pas puisse valoir d’être traité d’hérétique et exécuté ? Pourtant, les paysans dansent joyeusement au pied de cette potence macabre, y défèquent, participant ainsi à cette absurdité.
Ne sont-ce pas eux qui finissent par être pendus pour avoir prononcé des paroles malheureuses, et ne sont-ce pas eux qui dénoncent secrètement de tels collègues ?
Même Bruegel, qui l'a satirisé, n'échappait pas à cette absurdité.
Cette potence est un symbole terrifiant de l'absurdité et de l'irrationalité d'un monde sens dessus dessous où le bon sens n'a plus cours.
Enfin, examinons l'apparence du gibet.
N'est-ce pas étrange ? Bruegel a habilement utilisé la perspective pour représenter le gibet d'une manière qui serait impossible dans la réalité.
À ma connaissance, il s'agit du premier exemple d'une figure dite « impossible » apparaissant dans l'histoire de l'art.
Cela se passe des centaines d'années avant Escher.
Ce qui est étrange, c'est que malgré toutes mes recherches, je ne trouve absolument aucune explication à cette anomalie visuelle.
On aperçoit à l'arrière-plan de « Le Retour du bétail » une petite potence de forme identique, ce qui nous permet de constater qu'il s'agit d'une représentation intentionnelle.
Se pourrait-il que ce maître du Nord ait commis une erreur de perspective ?
S'il ne s'agit pas d'une erreur, il ne reste qu'une seule possibilité d'interprétation.
Le gibet prend une forme impossible dans l'espace tridimensionnel.
En un mot, c'est une forme absurde en soi.
Mais le monde n'est-il pas le même ? Ce monde n'est-il pas lui aussi rempli de toutes sortes d'absurdités et d'irrationalités ?
Si tel est le cas, alors cette potence absurde pourrait bien être l'image même du monde tel que Bruegel le voyait.
En bref, Bruegel n'essayait-il pas de capturer les émotions mondaines du maniérisme dans le mode d'expression unique du maniérisme ? --- pp.114-116, 「5.
Extrait de « La pie sur l'échafaud »

Mettre en lumière la figure de « l’autre » dans l’histoire de l’art, celle qui a vécu de manière singulière tout en pensant différemment.
— Deuxième caractéristique de ce livre

Les ouvrages de Jin Jung-kwon organisent de manière claire, concise et intéressante une multitude d'informations esthétiques et artistiques, servent de référence, cartographient l'histoire de l'art et offrent des aperçus de domaines spécifiques de cette histoire, familiarisant ainsi les lecteurs avec les points problématiques de ces domaines.
Comme nous l'avons déjà souligné, « La pie sur l'échafaud – L'interprétation unique de la peinture par Jin Jung-kwon » impressionne en ce qu'il révèle pleinement l'univers artistique personnel et unique de l'auteur.
Il pensait différemment et a trouvé de nouveaux modes d'expression dans l'histoire de l'art.
Autrement dit, il puisait son inspiration intellectuelle chez ceux qui s'étaient éloignés du centre, chez les « autres (artistes, œuvres) » de l'histoire de l'art, et il insufflait sa propre vie aux artistes et aux œuvres qui résonnaient en lui.
Il n'a pas inséré d'interprétations standard entre les tableaux, mais voulait voir ce qui se passerait en mettant de côté les interprétations standard et en établissant des relations individuelles.
Dans le cas de Jérôme Bosch, l'interprétation prédominante est moralisatrice, mais selon son intuition, il s'agissait d'une nouvelle forme de folie ; et dans le cas de Bruegel, au-delà de l'interprétation générale d'humour et de satire, il perçoit la conscience, le nihilisme et l'absurdité d'un monde à l'envers dans les nombreux conflits de l'époque qui existent entre l'artiste et son œuvre.
Ce livre contient 12 tableaux représentatifs et d'autres tableaux liés entre eux.
Comment les douze tableaux s'articulent-ils ? Quelle est la stratégie qui sous-tend leur agencement ? Dans cet ouvrage, il présente les techniques créatives de la poésie : le rythme externe et interne.
Le format externe révèle la trame narrative globale du livre, tandis que le format interne crée un nouveau format qui masque et ne révèle pas le déroulement principal du livre.
Les tableaux qui figurent au début de ce livre sont surréalistes.
Il existe de nombreuses images qui mettent l'accent sur certaines parties du corps.
Des phénomènes surréalistes sont représentés, notamment une main coupée, une scène avec des doigts flottants et un montage d'anges apparaissant en train de manger un livre.
Ensuite, nous étudierons des peintures de la période de la Renaissance.
Comment interpréter les peintures de Jérôme Bosch, Fichte Bruegel et autres artistes de la Renaissance ? La modernité entre ici en jeu, révélant les idées des post-structuralistes français, comme les thèmes foucaldiens et ariséens, et stimulant ma curiosité intellectuelle.
Et de nouvelles tendances apparaissent dans les autoportraits et les peintures de genre.
On trouve des autoportraits et des peintures de genre provenant des Pays-Bas, mais les Pays-Bas avaient une tradition différente de celle de l'Italie et de la France.
L'Italie et la France avaient de fortes traditions classiques, tandis que les Pays-Bas étaient très libéraux.
Dans le cas de la peinture de genre, elle était considérée comme un genre vulgaire selon les conceptions classiques, mais aux Pays-Bas, elle était très appréciée et il en existait de nombreuses œuvres.
Il y avait aussi de nombreux autoportraits qui n'étaient pas au sens classique du terme, mais qui étaient plutôt empreints de fantaisie.
Il voulait redécouvrir cette atmosphère néerlandaise.
Gump et Giesbrechts, qui n'ont pas reçu beaucoup d'attention dans l'histoire de l'art, étaient des « autres » négligés par cette discipline.
Les illustrations à la fin de ce livre soulèvent des questions d'interprétation.
À travers cette image, l'auteur montre clairement comment les interprétations peuvent diverger.
Cela démontre clairement le mécontentement à l'égard de l'interprétation standard incontournable appelée iconologie, établie par Panofsky.
Goya, qui apparaît à la fin, est son peintre préféré.
Ce flux est intégré au taux intrinsèque.
Jin Jung-kwon s'intéressait davantage à ceux qui s'écartaient des aspects orthodoxes de l'histoire de l'art qu'à ceux qui étaient orthodoxes.

*À ce stade, revenons à l'« Autoportrait » de Gump.
Ce peintre autrichien, comme Carracci, se tient devant une toile sur un chevalet.
Sa main droite tient un pinceau, tandis que sa main gauche est cachée par son corps et n'est pas visible.
Mais dans cette main invisible, il y aura une palette.
En se présentant comme une personnalité publique qui peint, Gump révèle clairement son identité artistique et sa fierté professionnelle.
Mais au milieu du XVIIe siècle, époque à laquelle cette œuvre a été peinte, l'autoportrait d'une personnalité publique n'était plus une idée nouvelle.
Si cet ouvrage apporte des innovations à l'histoire de l'autoportrait, il faut les chercher ailleurs.
La nouveauté de cette œuvre réside dans l'utilisation du genre de l'autoportrait non comme un moyen d'exprimer la « conscience de soi du peintre », mais comme un moyen d'explorer la « conscience de soi de la peinture ».
Gump tourne le dos au public et cache son visage, ne laissant apparaître que l’« image » reflétée dans le miroir sur la toile et l’« image » peinte sur la toile.
De ce fait, le « peintre » qui réalise le tableau est relégué au second plan, et naturellement, seul l’« acte » de dessiner (ou de se refléter dans un miroir) se retrouve au premier plan.
De cette manière, Gump a tenté de thématiser la « nature de la représentation » plutôt que la « nature du sujet » en utilisant des autoportraits.
Ici, Gump ne s'interroge pas sur « l'identité du peintre ».
Ce qu'il demande, c'est « l'identité de la peinture ».
--- pp.143~144, extrait de « 7 sujets disparus »

Peindre comme un punctum, avec la sensation d'être piqué par une aiguille
— Troisième caractéristique de ce livre

Selon l'auteur, il existe quatre principaux niveaux d'appréciation d'une œuvre d'art.
Le public perçoit une résonance émotionnelle, perceptive, intellectuelle ou, plus rarement, spirituelle à travers une œuvre d'art.
Chacun a une attitude différente face à l'appréciation d'une œuvre d'art.
Certains entretiennent un lien émotionnel avec l'œuvre, d'autres sont captivés par la délicatesse perceptive de sa texture, d'autres encore apprécient le jeu mental que représente le déchiffrage des codes intellectuels inscrits dans son contenu et sa forme, et certains espèrent atteindre une spiritualité profonde, presque une expérience religieuse, à travers elle.
L'auteur se concentre sur l'aspect intellectuel de l'œuvre.
Les œuvres présentées dans ce livre sont celles qui ont stimulé ma curiosité intellectuelle.
L'élément déclencheur peut provenir de l'œuvre entière ou de son motif principal, mais souvent, il provient d'un « détail » très petit, imperceptible, au sein du tableau.
L'auteur propose la peinture comme « punctum ».
Roland Barthes souligne que la signification de la photographie comporte deux niveaux.
L'une est « studium », qui est le sens lu selon le cadre d'une interprétation « générale » largement partagée dans la société, et l'autre est l'effet de poignarder le cœur et la tête du spectateur indépendamment de l'interprétation générale largement partagée dans la société, la renversant parfois.
Barthes appelle « punctum » cet effet absolument « individuel », que seul le spectateur perçoit.
« Punctum » et « study » sont des outils conceptuels appliqués à la photographie, mais l’auteur les applique à la peinture.
En peinture classique, il existe un « sujet ».
Alors, regardez l'image et comprenez ce qu'elle représente.
Si cela est difficile à comprendre au premier abord, vous pouvez vous référer à l'iconographie.
C’est l’« atelier » de photographie dont parlait Barthes.
Mais souvent, ce sont les détails subtils, les textures délicates d'une œuvre qui nous captivent et que des interprétations aussi générales ne peuvent saisir.
Cette sensation, comme une piqûre d'aiguille, peut être appelée le « punctum » de la peinture.

*Ceci indique la nécessité de combiner le moment du « punctum » avec l’interprétation centrée sur le « study ».
Pour que cela se produise, la relation entre l'œuvre et le public doit être solitaire et individuelle.
Bien sûr, l'atelier contribue également à la compréhension du travail.
Cependant, si seul le studio s'interpose entre l'œuvre et le public, ce filtre d'interprétation standard peut en réalité bloquer une lecture productive de l'œuvre.
Par conséquent, l'important est que le public conserve une relation solitaire et individuelle avec l'œuvre.
Parfois, lorsqu'un sentiment indescriptible procure une intuition qui transcende les interprétations habituelles d'une œuvre, le public ne se contente plus de réaffirmer les significations que d'autres y ont trouvées, mais crée de nouvelles significations pour lui-même.
--- Extrait de « L'image comme prologue punctum »

Le dernier cours constitue le premier pas vers une nouvelle « esthétique ».
— La signification de la publication

Le 11 septembre 2009, alors que je quittais l'université Chung-Ang, où j'avais travaillé pendant six ans, les étudiants ont organisé pour que je donne ma dernière conférence.
À la demande des étudiants qui regrettent de ne pas avoir été reconduits dans leurs fonctions de professeurs associés à l'université Chung-Ang, une conférence spéciale a été organisée sous la forme d'un « dernier cours » animé par les étudiants.
La conférence a eu lieu à 17h00 dans la salle de conférence 2306 du Seorabeol Hall de l'Université Chung-Ang sur le thème « La dernière classe : l'autoportrait du peintre ».
Il racontait les joies et les peines de la vie et la philosophie des grands écrivains à travers des autoportraits de différents peintres.
Le contenu de cette conférence, intitulée « Autoportrait d'un peintre », a été intégré à ce livre sous forme de chapitre, sous le nouveau titre « Le sujet disparu ».
Si j'avais continué à enseigner à l'université Chung-Ang, j'aurais également donné des cours sur d'autres chapitres de ce livre, liés à la critique ou à l'interprétation.
Cependant, comme la première conférence devait être une conférence d'adieu, elle ne pouvait être donnée qu'une seule fois, et ce livre est donc devenu les notes de cours de la classe qui n'a pas été dispensée en séance.
Après son dernier cours à l'université Chung-Ang, il a commencé à recevoir plus de conférences et de discours qu'auparavant.
Pour lui, la recherche et les conférences sur l'art, la culture et l'esthétique n'étaient pas une fin en soi, mais le premier pas vers un nouveau départ.