« La Nuit étoilée », « La Création d’Adam », « Un dimanche après-midi à l’île de la Grande Jatte », « Icare »…
Des dessins de vie qui me rendent meilleur

Dans les années 1990, l'artiste Bob Ross, connu sous le nom de « Happy Artist, Oncle Bob », a déclaré ceci.
« Ténèbres et lumière, lumière et ténèbres. »
Ces deux-là devraient toujours figurer sur une photo.
Si vous ajoutez de la lumière à de la lumière, vous n'obtenez rien.
Ajouter de l'obscurité à l'obscurité, c'est la même chose.
« La vie est ainsi faite. » Comme il l'a dit, nos vies aussi comportent des moments de lumière et d'ombre.
La vie ne peut pas toujours être belle, ni toujours difficile.
Comme le dit le proverbe, « Plus la nuit est sombre, plus les étoiles brillent », c’est seulement à travers les épreuves que nous pouvons réaliser combien le bonheur est précieux, et c’est seulement à travers le chagrin que nous pouvons réaliser la préciosité de la joie.
Il en va de même pour les tableaux nés des pinceaux de peintres d'il y a des centaines d'années.
Même les innombrables peintres de génie qui nous paraissent si célèbres aujourd'hui n'étaient que des personnes ayant connu des hauts et des bas et lutté pour surmonter le désespoir dans leur propre vie.
Leurs tableaux sont empreints des joies et des peines de la vie.
C’est pourquoi 『L’utilité de la peinture』 a été créé, pour susciter une interaction active de « rencontre » avec les tableaux, plutôt qu’un simple acte passif de « vision » avec les yeux.


Ce livre est divisé en quatre grandes parties et aborde la manière de trouver l'espoir dans la vie au milieu du désespoir, la solitude et le vide parfois nécessaires dans la vie, la question de ce qui est le plus précieux dans la vie et comment remplir sa vie de bonheur et de joie.
À travers des peintures qui incarnent pleinement les luttes de la vie et les réponses qu'elles offrent, laissées par divers artistes, vous découvrirez la souffrance et la joie humaines universelles, l'amour et la haine, ainsi que des réflexions sur la vie et la mort.
L'auteur explique qu'au cours de ses visites dans de nombreux musées européens et de la contemplation d'innombrables tableaux, il a eu le sentiment de découvrir non seulement un chef-d'œuvre unique, mais aussi une trajectoire commune dans la vie de l'artiste et dans la vie de tous les êtres humains.
Le fait que toutes les vies semblaient différentes, et pourtant en même temps semblables, et au moment où j'ai réalisé cela, j'ai compris la véritable « utilité de la peinture ».
C’est la prise de conscience que la peinture est la vie elle-même, et qu’elle nous procure une profonde inspiration et une occasion de réfléchir sur la vie.

Les 22 tableaux présentés dans ce livre n'ont pas été sélectionnés uniquement en fonction de leur valeur historique sur le plan artistique ou de leur attrait populaire.
J'ai donc choisi des tableaux qui étaient soit une condensation des valeurs de l'artiste vis-à-vis de la vie, soit qui contenaient sa propre vision profonde du monde intérieur et extérieur.
J'espère que le contemplation de ces tableaux vous offrira l'occasion de vous interroger sur les émotions qu'ils suscitent en vous et sur la signification qu'ils peuvent apporter à votre vie.
Ces images ne vous apporteront peut-être pas la réponse complète, mais elles vous aideront au moins à la trouver.

« 5,6 millions de dollars ! C’est le prix le plus élevé jamais payé pour une œuvre d’art d’Amérique centrale ou du Sud ! » En mai 2006, un événement choquant s’est produit chez Sotheby’s, la maison de vente aux enchères de New York.
L'œuvre de Frida Kahlo, « Racines », l'une des figures les plus importantes du Mexique du XXe siècle, a été vendue au prix le plus élevé parmi les œuvres d'art d'Amérique centrale et du Sud lors de la vente aux enchères de Sotheby's.
L'offre gagnante s'élevait à 5 616 000 dollars, soit l'équivalent d'environ 6,5 milliards de wons au taux de change de l'époque.
(syncope)

« Racines » est considérée comme une œuvre qui exprime avec maturité les conséquences de la douleur et de l'angoisse émotionnelle.
Cette œuvre exprime visuellement la douleur, la guérison et une réflexion sur l'essence de l'existence.
À travers Frida, nous pouvons comprendre comment l'art a sublimé la souffrance et est devenu un outil pour explorer sa propre existence et son identité.
Voici comment :
Commençons par exprimer notre douleur.
Trouvons des moyens de sublimer notre douleur par l'art ou d'autres activités créatives, comme Frida Kahlo.
La souffrance deviendra un aliment qui nous aidera à acquérir une compréhension plus profonde de notre existence et de notre essence.


Deuxièmement, explorons la question du but.
Concentrons-nous sur la recherche de notre propre raison d'être et sur le processus permettant d'atteindre cet objectif.
Car explorer le sens et le but de la vie est une tâche importante dans la vie.
Troisièmement, essayez d'accepter la situation.
Frida a accepté sa maladie et son handicap physiques comme une partie importante de son identité.
Acceptant ses limites physiques, il a trouvé un message de régénération et de guérison même dans sa douleur.
Ce sera l'occasion de réfléchir à ce que je dois reconnaître pour accepter mon état mental et physique.

« Pourquoi aurais-je besoin de jambes alors que j’ai des ailes ? » dit Frida, même après l’amputation d’une de ses jambes.
Même face à la souffrance, nous ne devons ni l'éviter aveuglément ni la craindre, mais plutôt l'utiliser comme une opportunité de grandir et de nous transcender.
--- Extrait de « Quand une porte se ferme, une autre s'ouvre »

Cette œuvre aurait été commandée par Jean de Dinteville, l'ambassadeur français qui s'est rendu en Angleterre en mission diplomatique pendant l'histoire tumultueuse de l'Europe et qui est également le modèle du tableau (à gauche).
Il était chargé de la difficile tâche de protéger les intérêts nationaux français et d'empêcher l'Angleterre de rompre avec le catholicisme romain, mais il a finalement échoué à atteindre son objectif.
Ceci s'explique par le fait qu'Henri VIII a rompu les liens avec le pape à Rome en promulguant les Actes de suprématie en 1534, sur la base du soutien du clergé, des nobles et de la petite noblesse réformateurs.
À cette époque, deux fonctionnaires refusèrent jusqu'au bout le décret d'incorporation : Thomas More, le plus proche confident d'Henri VIII et Lord Chancelier, et l'évêque John Fisher.
Les deux hommes furent exécutés.
C’est pourquoi Holbein a dissimulé le crucifix, symbole du catholicisme, dans le rideau en haut à gauche du tableau.
C'est un peu la même raison pour laquelle j'ai utilisé divers symboles dans mes peintures.
--- Extrait de « Il faut prendre conscience de la finitude de la vie pour pouvoir passer à l'étape suivante »

L'année 1850, date à laquelle Le Semeur a été peint, suivait immédiatement la Révolution de 1848.
Dans ce contexte, certains critiques ont interprété que Millet avait véhiculé un message révolutionnaire dans ce tableau.
Car les mouvements puissants et la posture digne du paysan semblaient semer les graines de la révolution.
Les critiques conservateurs ont reproché à l'œuvre sa représentation excessivement héroïque de la classe ouvrière.
Bien que Millet ait affirmé ne pas avoir voulu cette interprétation politique, la controverse illustre parfaitement le symbolisme et la portée contemporaine de l'œuvre.
Cet incident illustre comment une œuvre d'art peut être interprétée de diverses manières selon le contexte de son époque, et l'écart qui existe entre l'intention de l'artiste et l'interprétation du public.

Cependant, toutes les réactions n'ont pas été négatives.
Théodore Rousseau, peintre lui aussi de l'École de Barbizon, était un fervent défenseur de l'œuvre de Millet, qu'il louait pour sa représentation fidèle des relations entre la nature et l'humanité.
Charles Baudelaire, célèbre poète et critique d'art, a lui aussi décelé la « modernité » dans l'œuvre de Millet et l'a vivement félicité pour avoir su saisir avec justesse la vie contemporaine.
Malgré les réactions négatives initiales, Le Semeur a fini par être reconnu.
Cette œuvre s'est par la suite imposée comme une œuvre représentative de l'art réaliste et a exercé une grande influence sur des peintres ultérieurs, notamment Van Gogh.
Van Gogh, en particulier, était un admirateur si fervent qu'il écrivit dans une lettre que « l'œuvre de Millet est comme la Bible », et il fut particulièrement impressionné par « Le Semeur », qu'il copia et réinterpréta à plusieurs reprises.
--- Extrait de « Ce dont vous avez besoin pour semer et grandir dans la vie »

Tout au long de sa carrière, Michel-Ange a eu d'innombrables désaccords avec le pape, entre la liberté artistique et les exigences papales.
Le pape souhaitait un symbolisme plus ornementé et religieux, mais Michel-Ange est resté fidèle à sa vision philosophique et a voulu représenter la relation entre les hommes et Dieu d'un point de vue plus humaniste.
Plutôt que de simplement décorer le plafond, j'ai travaillé dans l'intention d'explorer la dignité et l'essence humaines à travers le corps humain.
Les travaux sur le plafond de la chapelle Sixtine se poursuivirent longtemps, pendant quatre ans.
Michel-Ange passait le plus clair de son temps sur l'étroite estrade, la tête renversée en arrière et le regard tourné vers le plafond.
Cela lui causa des douleurs atroces au cou et au dos, et ses yeux étaient irrités par des gouttelettes de peinture et de la poussière.
Malgré cela, Michel-Ange n'a pas abandonné son pinceau.
Même dans la douleur, il a exprimé sur la toile ses réflexions sur son propre destin et la nature humaine.
Il écrivit plus tard dans une lettre à son ami Giovanni da Pistoia :
« Ma barbe pointe vers le ciel, mon cou est courbé et ma poitrine est arquée comme un arc. »
« La brosse n’arrêtait pas de me tomber sur le visage, et j’avais l’air d’un monstre lombard. »

--- Extrait de « Qu'est-ce qui rend les humains humains à l'ère de l'intelligence artificielle ? »