Préface : Chimie, art et récits de vie dans les chefs-d'œuvre

Chapitre 1 : De Dieu et de l'homme
Le secret des peintures qui ont peint le royaume céleste – El Greco
Un grand peintre tombé dans le maniérisme ? _Conférence d'histoire de l'art au café du musée d'art
Lumière et ténèbres projetées dans l'art et la science _Masaccio
Dialectique de Vénus - Botticelli
· Nu habillé dans l'art _ Titien
Mise en garde chimique contre les désirs sexuels pervers _ Conférence scientifique au café du musée d'art
· Balayage lumineux de la masse du corps _Tintoretto
Le peintre de la lumière perdue dans les ténèbres – Caravage
· Peintre de la chair _ Rubens
Couleurs personnelles et science des couleurs _ Conférence scientifique au café du musée d'art

Chapitre 2 : Sur les lignes et les couleurs
• Rapport sur la couleur d'un sourire éclatant _ Hals
· Tirer les principes harmonieux de toutes choses dans le monde _Poussin
La métaphore de la lumière et de la couleur dans les plus grands chefs-d'œuvre de Velázquez
Dans [Las Meninas], Velázquez situe-t-il la position du roi à gauche ou à droite ?
Conférence scientifique au café du musée d'art
Dans le paysage inconnu d'un peintre solitaire, Lauisdal
· Un portrait rococo aussi vain qu'une peinture fanée _ Bateau
Une harmonie subtile et dense de vert et de rose _Fragonard
La bataille des lignes et des couleurs – Ingres
Est-ce la ligne des mathématiques ou la couleur de la chimie ? _Discussion scientifique au café du musée d'art.

Chapitre 3 : De la raison et de l'émotion
· Le peintre des ténèbres _ Goya
Histoires en noir et gris _ Conférence scientifique au café du musée d'art
Sur les peintures qui ont effacé les grands chefs-d'œuvre _Géricault
· La couleur de l'air _ Constable
· Puissance de dessin _Turner
La puissance de la vapeur _ Conférence scientifique au café du musée d'art
Enterrez l'ange ! _Courbet
Une jeune femme dans les bras d'un homme blessé ? _Conférence scientifique au café du musée d'art
• Malentendus et vérités concernant un tableau pastoral _ Millet
Le Gardien de l'Académisme _ Bouguereau
Histoire de l'Académie _ Conférences scientifiques au café du musée d'art

Chapitre 4 : De la lumière et des ténèbres
Plagiat ou recréation ? _Manet
La controverse du plagiat chez les géants : Conférence scientifique au café du musée d'art
Techniques chimiques pour dessiner des méchantes _Moro
Qu'est-il arrivé au tournesol brun et fané ? _Van Gogh
La collection [Tournesols] de Van Gogh
Une œuvre magistrale ? Un immense tableau ! _Gauguin
La couleur du ciel hurlant _ Munch
Diviser ou séparer ! _Klimt
Récits séparatistes _ Conférences d'histoire de l'art au café du musée d'art
La réaction chimique la plus triste de l'histoire de l'art – Modigliani
L'amour, c'est aussi de la chimie ? _Conférence scientifique au café du musée d'art

« Maintenant que nous passons de l’ère des experts à l’ère des personnes cultivées,
« Un livre de grande classe, écrit par un expert cultivé ! »

Lorsque [Le chimiste qui est allé au musée d'art : la première histoire] est paru pour la première fois vers 2008, beaucoup de gens ont incliné la tête en voyant le titre.
« Un chimiste dans un musée d'art ? » « Mais pourquoi diable un chimiste irait-il dans un musée d'art ? »

Cependant, « l’art est un art qui naît de la chimie et qui se nourrit de la chimie. »
Ceci s'explique par le fait que la peinture, principal matériau de l'art, est une substance chimique.
Tout le monde a applaudi en signe d'approbation face à la brève remarque de l'auteur selon laquelle « la décoloration de la peinture sur toile au fil du temps est entièrement due à des réactions chimiques ».
Ceci s'explique par le fait que même la plupart des experts en art ont ignoré un fait évident : la peinture est un produit chimique et la décoloration d'un tableau est une réaction chimique.

Dès que vous ouvrez le livre, l'histoire de la chimie cachée dans les œuvres des maîtres, de Léonard de Vinci à Michel-Ange, en passant par Rembrandt, Monet, et même Jang Seung-eop et Kim Hong-do, est révélée au monde.
C’est ainsi que [Le chimiste qui est allé au musée d’art] a fait sensation et a reçu des critiques dithyrambiques de tous les horizons, y compris des milieux scientifiques et artistiques.
Il figure également parmi les meilleures ventes dans le domaine scientifique depuis 12 ans et a été plébiscité par de nombreux lecteurs.
Selon l'auteur, professeur d'université, après la publication de son livre, il est devenu célèbre sous le nom de « chimiste qui a visité un musée d'art » et a été invité à donner des conférences sur l'art et la chimie dans de nombreux endroits. Il collabore également avec divers médias, ce qui lui a valu une certaine notoriété.
Le savoir spécialisé d'un scientifique qui s'était jusque-là concentré uniquement sur les conférences, la recherche et la rédaction d'articles au sein de sa tour d'ivoire s'est diffusé auprès du grand public grâce à son intégration à l'art.

Parmi les nombreuses critiques associées à [Le chimiste qui est allé au musée d'art], les impressions publiées par les lecteurs sur les librairies en ligne nous font acquiescer quant à la raison pour laquelle ce livre est devenu un best-seller et est resté un vendeur régulier pendant plus d'une décennie.


« Si l’on définit la connaissance et l’expérience universelles comme la culture, alors il semble que l’on passe progressivement de l’ère des experts à l’ère des personnes cultivées. »
« Un livre de grande classe, écrit par un expert cultivé ! »
« Si la matière que je détestais le plus à l'école était la chimie, celle que je préférais était l'art. »
Ce livre, qui associe deux sujets diamétralement opposés, est une curiosité en soi !

Au milieu des éloges et du soutien de tous les horizons, des communautés scientifiques et artistiques,
[Le chimiste qui est allé au musée d'art : Partie 2] publié !

Grâce aux éloges et au soutien de tous les horizons des communautés scientifiques et artistiques, j'ai eu la précieuse opportunité de publier [Le chimiste qui est allé au musée d'art : la deuxième histoire].
Nous sommes de retour avec une histoire passionnante sur la chimie dans l'art, qui surpasse le précédent épisode.


Des peintres capables de percevoir les réactions chimiques des peintures et d'autres qui ne l'étaient pas.

El Greco, maître du maniérisme actif au XVIe siècle, a utilisé la blancheur de plomb, principalement composée de plomb (Pb), pour créer une atmosphère onirique du monde céleste dans [L'Enterrement du comte d'Orgaz].
La peinture au plomb présente une couleur blanc pâle particulière plutôt qu'un blanc pur en raison de sa teneur en plomb.
Cependant, aucune trace écrite ne permet de savoir si El Greco connaissait précisément la composition chimique du plomb avant de l'utiliser.
Cependant, la perception des couleurs par l'artiste est souvent plus subtile et sophistiquée que n'importe quelle expérience chimique liée à la couleur.
C’est aussi la raison pour laquelle l’auteur, un chimiste, quitte le laboratoire et se dirige vers le musée d’art (pp. 20-21).


En revanche, il arrive fréquemment que l'œuvre se décolore parce que l'artiste n'a pas correctement compris les propriétés de la peinture.
Lorsque le maître romantique français Géricault a peint son chef-d'œuvre [Le Radeau de la Méduse], il a utilisé un pigment appelé « bitume » qui produisait une couleur brune. Avec le temps, cela a provoqué des craquelures et une teinte gris-brun sur la toile.
Le bitume, également appelé bitume en allemand, est un goudron brun foncé produit lors du chauffage de l'asphalte naturel ou d'autres matériaux à base d'hydrocarbures.
Les pigments bitumineux étaient populaires auprès des peintres britanniques au XVIIIe siècle, mais sont aujourd'hui rarement utilisés comme peintures en raison des défauts de craquelures et de décoloration qui surviennent avec le temps.
Bien que Géricault se soit préparé méticuleusement pour [Le Radeau de la Méduse] en réalisant de nombreux croquis, en menant des études de terrain et même en observant méticuleusement le processus de décomposition des cadavres, il n'a pas pu le faire lorsqu'il s'est agi de peindre (pp. 199-200).

Un peintre qui a dessiné le corps humain presque à la perfection avant Léonard de Vinci et Michel-Ange

Les premières œuvres qui incarnent parfaitement le corps humain sur le plan anatomique sont l'Homme de Vitruve de Léonard de Vinci et la Statue de David de Michel-Ange.
Cependant, des décennies avant ces deux maîtres, il y avait un homme qui dessinait le corps humain avec une quasi-perfection : le peintre italien Masaccio.
Masaccio est célèbre pour avoir été le premier peintre à introduire la perspective dans son œuvre [Sainte Trinité], mais peu de gens savent qu'il a été le premier peintre à représenter le corps humain en trois dimensions en utilisant le clair-obscur.
Certains historiens de l'art considèrent le clair-obscur comme la plus grande innovation de l'art de la Renaissance.
Avant que Masaccio ne peigne L'Expulsion du jardin d'Éden, personne n'avait jamais atteint une telle tridimensionnalité.
Masaccio fut le premier à tenter la technique consistant à exprimer la tridimensionnalité et la masse d'un objet cylindrique en donnant de la lumière et de l'ombre aux corps d'Adam et Ève.
La « lumière », qui fait la distinction entre clarté et obscurité, est également un domaine d'étude important en photochimie, et l'effet de la lumière et de l'obscurité apparaît selon la réaction chimique d'une substance qui absorbe la lumière.
Masaccio fut le premier peintre à exprimer de manière réaliste la tridimensionnalité et la masse du corps en projetant la réaction chimique de la lumière sur la peinture (p. 36).

Pourquoi les [Tournesols] de Van Gogh ont-ils bruni et fané ?

La partie qui explique chimiquement pourquoi les [tournesols] de Van Gogh changent de couleur du jaune au brun est également intéressante.
Des scientifiques néerlandais et belges observent depuis plusieurs années [Tournesols], qui est exposé au musée Van Gogh d'Amsterdam.
Nous avons donc confirmé que les pétales et les tiges jaunes sur la photo viraient au brun olive.

Les scientifiques ont émis l'hypothèse que la cause de cette décoloration est que Van Gogh a mélangé du jaune de chrome avec du blanc de sulfate pour obtenir une couleur jaune vif lorsqu'il a peint ce tableau.
On dit que Van Gogh utilisait une grande quantité de peinture jaune contenant du chrome.
Van Gogh aimait utiliser les peintures jaunes, et parmi elles, il utilisait beaucoup le jaune de chrome.
Le jaune de chrome est produit en dissolvant du plomb dans de l'acide nitrique ou de l'acide acétique et en ajoutant une solution de dichromate de sodium (ou de sodium) pour former un précipité.
Si l'on ajoute à cette réaction un additif tel que du sulfate de plomb ou si l'on modifie le pH, on obtient une couleur allant du jaune clair au brun rougeâtre.


Le jaune de chrome était bon marché et était prisé des artistes pauvres comme Van Gogh.
Cependant, comme il contient du plomb, lorsqu'il entre en contact avec le soufre contenu dans la pollution de l'air, il devient du sulfure de plomb (PbS), qui est noir.
Finalement, avec l’avènement de la société industrielle moderne, la préoccupation concernant la décoloration s’est inévitablement accrue (p. 298), et les [Tournesols] de Van Gogh n’ont pas fait exception.


Les lignes des mathématiques ou les couleurs de la chimie ? Le combat entre les lignes et les couleurs.

Allant plus loin que le débat classique de l'histoire de l'art sur la « bataille entre les lignes et les couleurs », le diagramme qui déduit les mathématiques des lignes et la chimie des couleurs est également assez rafraîchissant (p. 177).

Selon la théorie de la supériorité des première et deuxième couleurs, de Poussin à Ingres, la peinture ne peut créer aucune forme sans dessin.
En revanche, la couleur n'est rien de plus qu'un accident qui change avec la lumière.
L'équilibre et l'harmonie parfaits que les artistes de la Renaissance recherchaient étaient atteints grâce aux lignes.
Sans lignes, nous ne serions pas capables de concevoir la perspective, la symétrie ou les proportions humaines idéales, qui sont toutes basées sur la pensée et les principes mathématiques.
Les contre-arguments des suprématistes de couleur, centrés sur Rubens et Delacroix, ne sont pas non plus négligeables.
Il n'existe pas de ligne à proprement parler ; il s'agit simplement de la limite où se rencontrent les plans colorés.
Si les lignes représentent la raison, la couleur représente l'émotion, mais l'art ne peut se fonder uniquement sur la raison, qui est dépourvue d'émotion.
De plus, la nature et les changements de couleur peuvent être expliqués par la chimie, car le matériau principal de la peinture, la peinture, est une substance chimique (p. 176).

• Des anecdotes chimiques sur les couleurs et les peintures prisées par les artistes

Ce livre, en particulier, s'attarde davantage que le volume précédent sur les phénomènes chimiques liés aux couleurs et peintures uniques privilégiées par chaque artiste.
Goya, le peintre national espagnol, est célèbre pour ses tableaux noirs.
Aux alentours de 1820, Goya acheta une maison de deux étages dans la périphérie de Madrid, peignit tous les murs en noir et créa une série de 14 tableaux, que les gens appelèrent « Las Pinturas Negras » (Peintures noires) (p. 190).
Goya peignait des tableaux noirs pour exprimer un message de protestation méprisant contre un monde pollué par l'absurdité, mais le noir n'était pas une couleur particulièrement prisée des peintres.
En explorant la lumière, les peintres impressionnistes se sont rendu compte qu'il n'existait pas de lumière correspondant au noir, et ils ont donc retiré la peinture noire de leurs palettes.
Ainsi, le noir a la propriété d'absorber toute la lumière plutôt que de la réfléchir.
Cependant, une couleur totalement sombre qui absorbe toute la lumière n'existe pas en tant que substance.
Car absorber complètement la lumière signifie un espace infini ou un trou noir où aucune lumière n'est réfléchie (p. 192).

En outre, il existe de nombreuses anecdotes sur la chimie entre les peintres et leurs œuvres, comme celle du portraitiste néerlandais Frans Hals (page 100), qui utilisait l'orange pour mettre en valeur le sourire éclatant du modèle dans ses portraits ; celle du peintre rococo Fragonard (page 154), qui représentait des scènes d'adultère de manière secrète et érotique en utilisant les couleurs complémentaires du vert et du rose ; celle du paysagiste britannique John Constable (page 208), qui a consacré sa vie à peindre des couleurs plus naturelles que le paysage lui-même ; et celle de Watteau (page 144), qui a compromis la conservation de ses tableaux en ajoutant trop d'huile à ses peintures pour obtenir des coups de pinceau délicats et doux.