Musique de deuil
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Description
Introduction au livre
Musique du deuil – Histoire, perte et mémoire d’une époque entendues par les oreilles humaines.
Au cœur de Time's Echo, ouvrage écrit par l'historien et critique musical Jeremy Eichler, se trouvent quatre musiciens.
Chostakovitch, Schoenberg, Strauss et Britten sont ceux qui ont témoigné de l'histoire à travers la musique.
Bien qu'ils aient vécu à des époques différentes et parlaient des langues différentes, ils partageaient des questions communes.
« L’art peut-il parler de la tragédie humaine ? » Ce livre apporte quatre réponses à cette question.
Chostakovitch répondit par le silence, Schoenberg par la dissonance, Strauss par des réverbérations classiques et Britten par un chœur de réconciliation.
Et toutes ces réponses convergent finalement vers une seule conclusion.
« La musique est la forme ultime de la mémoire, le seul art qui permette aux êtres humains de rester humains. »
L'auteur parcourt des centaines d'années d'histoire musicale, du classique au contemporain, explorant comment la musique se souvient des blessures humaines.
Et je pense à l'attitude de mémoire face à cette tragédie.
Ce livre n'est pas simplement une critique musicale, mais plutôt un récit intellectuel stimulant qui aborde la question fondamentale « Qu'est-ce que la musique ? » et une « humanité de l'écoute ». Il explore les cicatrices historiques, les émotions humaines et l'éthique de l'art.
Au cœur de Time's Echo, ouvrage écrit par l'historien et critique musical Jeremy Eichler, se trouvent quatre musiciens.
Chostakovitch, Schoenberg, Strauss et Britten sont ceux qui ont témoigné de l'histoire à travers la musique.
Bien qu'ils aient vécu à des époques différentes et parlaient des langues différentes, ils partageaient des questions communes.
« L’art peut-il parler de la tragédie humaine ? » Ce livre apporte quatre réponses à cette question.
Chostakovitch répondit par le silence, Schoenberg par la dissonance, Strauss par des réverbérations classiques et Britten par un chœur de réconciliation.
Et toutes ces réponses convergent finalement vers une seule conclusion.
« La musique est la forme ultime de la mémoire, le seul art qui permette aux êtres humains de rester humains. »
L'auteur parcourt des centaines d'années d'histoire musicale, du classique au contemporain, explorant comment la musique se souvient des blessures humaines.
Et je pense à l'attitude de mémoire face à cette tragédie.
Ce livre n'est pas simplement une critique musicale, mais plutôt un récit intellectuel stimulant qui aborde la question fondamentale « Qu'est-ce que la musique ? » et une « humanité de l'écoute ». Il explore les cicatrices historiques, les émotions humaines et l'éthique de l'art.
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Aperçu
indice
Prologue : À l'ombre d'un chêne 011
Partie 1
Chapitre 1.
Musique Libérée 037
Chapitre 2.
Danser dans les épines 074
Chapitre 3.
Moitié déchirée 106
Chapitre 4.
Sous les vagues 141
Chapitre 5.
Libération de la mémoire 182
Chapitre 6.
Moïse d'Albuquerque 226
Partie 2
Chapitre 7.
263 sur l'autre côte
Chapitre 8.
Ange de l'Histoire 291
Chapitre 9.
Lumière du dernier instant 329
Chapitre 10.
Monument 384
Coda : Écoute de Lost Time 409
Remerciements 420
Semaine 426
Recherche 480
Note du traducteur 489
Partie 1
Chapitre 1.
Musique Libérée 037
Chapitre 2.
Danser dans les épines 074
Chapitre 3.
Moitié déchirée 106
Chapitre 4.
Sous les vagues 141
Chapitre 5.
Libération de la mémoire 182
Chapitre 6.
Moïse d'Albuquerque 226
Partie 2
Chapitre 7.
263 sur l'autre côte
Chapitre 8.
Ange de l'Histoire 291
Chapitre 9.
Lumière du dernier instant 329
Chapitre 10.
Monument 384
Coda : Écoute de Lost Time 409
Remerciements 420
Semaine 426
Recherche 480
Note du traducteur 489
Image détaillée
Dans le livre
Ce livre commence par deux questions.
Tout d’abord, bien après la rupture morale et existentielle incarnée par Auschwitz, maintenant que le monde est saturé d’appareils numériques en tous genres et que le savoir historique a été remplacé par des informations sur l’histoire, comment pouvons-nous encore reconnaître, honorer, nous souvenir et ressentir notre lien avec le passé ? Autrement dit, comment pouvons-nous accueillir la présence du passé ? La seconde question est étroitement liée à la première.
Dans un monde où l'art et la musique sont souvent marginalisés ou relégués au second plan, comment pouvons-nous réintégrer ces œuvres dans l'histoire ? --- p.20
En fin de compte, en rassemblant ces coquillages, ces sons et ces histoires qui subsistent aujourd'hui, nous espérons montrer une nouvelle façon de connaître le passé, une nouvelle façon d'écouter l'histoire.
Il ne s'agit pas d'un processus passif pour l'auditeur.
Comme l'a dit le compositeur Paul Hindemith : « La musique… n'est qu'un bruit insignifiant si elle ne touche pas l'esprit réceptif. » En ce sens, ce livre prône également ce que j'appelle l'écoute profonde.
L'idée est d'écouter la musique comme un écho du temps.
--- p.29
Une seule personne a su pénétrer les profondeurs de la musique de Britten : Chostakovitch.
Si Strauss et Schoenberg sont unis dans leur rôle de créateurs de la culture allemande moderne, Britten et Chostakovitch avaient également beaucoup en commun dans leur vie et leur art.
Ces deux hommes exerçaient une influence immense au cœur des cultures musicales de leurs pays respectifs, et pourtant ils se considéraient comme des étrangers.
--- p.32
« Les Métamorphoses » étaient-elles véritablement la pénitence choisie par Strauss ? Cette œuvre, ou toute autre œuvre musicale, l’a-t-elle purifié de ses péchés ? Peut-être que pour Strauss lui-même, ce fut le cas.
Mais les paroles cachées de la chanson ne disaient-elles pas ceci ?
« Nul ne se connaît lui-même / Loin de son être intérieur. » Vue de loin aujourd'hui, cette phrase semble déséquilibrée.
Les sympathies pro-nazies de Strauss étaient manifestes, et jusqu'à la fin, il a toléré l'utilisation de son image et de sa musique par le régime, contribuant ainsi à sa légitimation. Dire que les aveux contenus dans les Métamorphoses expriment beaucoup de choses de manière abstraite serait un euphémisme.
Et il était trop tard.
--- p.174
Dans un tel monde, le bel art était une sorte d'opium pour les masses, les captivant et les aveuglant sur la triste vérité concernant la corruption, le pouvoir, l'oppression et la décadence morale.
La révolution atonale de Schoenberg était donc une sorte de correctif, la musique tournant son attention vers les dissonances brutales des temps modernes.
Elle a transformé l'art de fabriquer une beauté trompeuse en un art de transmettre la vérité existentielle, nous permettant de voir la vérité sur la vie, sur la souffrance humaine, sur l'histoire et sur la possibilité d'un avenir plus sombre.
--- p.220
En effet, pour apprécier pleinement un monument musical comme « Survivor of Warsaw », il faut adopter un style d'écoute différent.
Nous n'écoutons pas pour nous divertir, mais pour être témoins du témoignage de la musique.
Dans ce cas précis, nous entendons le témoignage des survivants, le témoignage du compositeur et le témoignage du groupe qui devait être tué.
Cet art porte en lui un traumatisme historique.
Mais pour nous en souvenir, nous devons aligner notre écoute sur l'acte de témoigner.
--- p.248p
Écoutez ! C'est le commandement essentiel et l'obligation éthique de tous les monuments musicaux, y compris le « Survivant de Varsovie » de Schoenberg.
Cela renvoie également au pouvoir secret que la musique exerce en tant que vecteur de mémoire.
Étant donné la nature éphémère du son, son utilisation pour la mémoire peut sembler fragile comparée à la perpétuation des souvenirs dans un support plus solide et permanent comme la pierre.
Mais les monuments de pierre ne parviennent souvent pas à capter toute notre attention, notre témoignage attentif, comme le fait la musique.
--- p.250
Cent ans après sa naissance et vingt-trois ans après sa mort, les cendres du compositeur et de son épouse sont arrivées à Vienne depuis Los Angeles à la demande du conseil municipal de Vienne.
Ils furent enterrés non pas dans le quartier juif du cimetière, mais à côté de ceux que Schoenberg avait initialement considérés comme ses pères spirituels.
Les trois maillons de la grande tradition allemande, en lesquels il a manifesté une foi inébranlable, les dieux qui n'ont jamais perdu : Beethoven, Schubert et Brahms.
Le beau-frère de Schoenberg, le violoniste Rudolf Kolisch, a pris la parole sur la tombe.
« Sa place est ici. »
« Je suis enfin rentré chez moi. » --- p.258
Selon Britten lui-même, le War Requiem dans son intégralité n’était rien de moins qu’« une tentative de corriger ou de résoudre les injustices ou les souffrances du monde par le biais des rêves ».
C'est un rêve permanent, un rêve qui existe à chaque fois qu'une œuvre est interprétée avec sincérité et qu'un public l'écoute avec sincérité, et c'est aussi un rêve portable.
Si vous devrez vous rendre à Coventry pour voir l'Ange de Hutton, l'Ange de Grande-Bretagne vient à vous grâce à War Requiem.
Cela se déroule sur un long moment unique, accompagné de musique.
Le progrès nous pousse à aller de l'avant tandis que nous nous tournons vers le passé, réveillant le souvenir des morts et nous invitant (pour reprendre l'expression d'Owen) à « aimer un amour plus grand ».
Tout ce que nous avons à faire, c'est écouter.
--- p.326
Britten et Chostakovitch partageaient l'idée que l'art avait une mission plus importante dans la société.
Ils savaient intuitivement que les gens aspiraient à une musique qui reflète son époque mais qui touche aussi un public plus large, une musique capable de changer la façon dont les auditeurs perçoivent le monde et leur place en son sein, une musique dont la vision éthique était empreinte d'une profonde compassion.
--- p.386
Des années plus tard, une pierre tombale spéciale fut érigée sur la tombe de Chostakovitch.
Je ne connais aucun monument de pierre qui évoque plus clairement toute une époque.
Sous le nom de Chostakovitch, quatre notes sont inscrites entre son année de naissance (1906) et son année de décès (1975).
Ré, Mi bémol, Do, Si, ce sont les initiales du compositeur et sa devise.
Son lys s'élève au-delà du temps et de l'espace.
C'est comme si la forme finale de la transformation de Chostakovitch était contenue dans ces quatre notes.
Sa vie est désormais devenue son art, et l'histoire d'une nation, sa mémoire.
Et le souvenir s'est transformé en musique.
--- p.408
Tout d’abord, bien après la rupture morale et existentielle incarnée par Auschwitz, maintenant que le monde est saturé d’appareils numériques en tous genres et que le savoir historique a été remplacé par des informations sur l’histoire, comment pouvons-nous encore reconnaître, honorer, nous souvenir et ressentir notre lien avec le passé ? Autrement dit, comment pouvons-nous accueillir la présence du passé ? La seconde question est étroitement liée à la première.
Dans un monde où l'art et la musique sont souvent marginalisés ou relégués au second plan, comment pouvons-nous réintégrer ces œuvres dans l'histoire ? --- p.20
En fin de compte, en rassemblant ces coquillages, ces sons et ces histoires qui subsistent aujourd'hui, nous espérons montrer une nouvelle façon de connaître le passé, une nouvelle façon d'écouter l'histoire.
Il ne s'agit pas d'un processus passif pour l'auditeur.
Comme l'a dit le compositeur Paul Hindemith : « La musique… n'est qu'un bruit insignifiant si elle ne touche pas l'esprit réceptif. » En ce sens, ce livre prône également ce que j'appelle l'écoute profonde.
L'idée est d'écouter la musique comme un écho du temps.
--- p.29
Une seule personne a su pénétrer les profondeurs de la musique de Britten : Chostakovitch.
Si Strauss et Schoenberg sont unis dans leur rôle de créateurs de la culture allemande moderne, Britten et Chostakovitch avaient également beaucoup en commun dans leur vie et leur art.
Ces deux hommes exerçaient une influence immense au cœur des cultures musicales de leurs pays respectifs, et pourtant ils se considéraient comme des étrangers.
--- p.32
« Les Métamorphoses » étaient-elles véritablement la pénitence choisie par Strauss ? Cette œuvre, ou toute autre œuvre musicale, l’a-t-elle purifié de ses péchés ? Peut-être que pour Strauss lui-même, ce fut le cas.
Mais les paroles cachées de la chanson ne disaient-elles pas ceci ?
« Nul ne se connaît lui-même / Loin de son être intérieur. » Vue de loin aujourd'hui, cette phrase semble déséquilibrée.
Les sympathies pro-nazies de Strauss étaient manifestes, et jusqu'à la fin, il a toléré l'utilisation de son image et de sa musique par le régime, contribuant ainsi à sa légitimation. Dire que les aveux contenus dans les Métamorphoses expriment beaucoup de choses de manière abstraite serait un euphémisme.
Et il était trop tard.
--- p.174
Dans un tel monde, le bel art était une sorte d'opium pour les masses, les captivant et les aveuglant sur la triste vérité concernant la corruption, le pouvoir, l'oppression et la décadence morale.
La révolution atonale de Schoenberg était donc une sorte de correctif, la musique tournant son attention vers les dissonances brutales des temps modernes.
Elle a transformé l'art de fabriquer une beauté trompeuse en un art de transmettre la vérité existentielle, nous permettant de voir la vérité sur la vie, sur la souffrance humaine, sur l'histoire et sur la possibilité d'un avenir plus sombre.
--- p.220
En effet, pour apprécier pleinement un monument musical comme « Survivor of Warsaw », il faut adopter un style d'écoute différent.
Nous n'écoutons pas pour nous divertir, mais pour être témoins du témoignage de la musique.
Dans ce cas précis, nous entendons le témoignage des survivants, le témoignage du compositeur et le témoignage du groupe qui devait être tué.
Cet art porte en lui un traumatisme historique.
Mais pour nous en souvenir, nous devons aligner notre écoute sur l'acte de témoigner.
--- p.248p
Écoutez ! C'est le commandement essentiel et l'obligation éthique de tous les monuments musicaux, y compris le « Survivant de Varsovie » de Schoenberg.
Cela renvoie également au pouvoir secret que la musique exerce en tant que vecteur de mémoire.
Étant donné la nature éphémère du son, son utilisation pour la mémoire peut sembler fragile comparée à la perpétuation des souvenirs dans un support plus solide et permanent comme la pierre.
Mais les monuments de pierre ne parviennent souvent pas à capter toute notre attention, notre témoignage attentif, comme le fait la musique.
--- p.250
Cent ans après sa naissance et vingt-trois ans après sa mort, les cendres du compositeur et de son épouse sont arrivées à Vienne depuis Los Angeles à la demande du conseil municipal de Vienne.
Ils furent enterrés non pas dans le quartier juif du cimetière, mais à côté de ceux que Schoenberg avait initialement considérés comme ses pères spirituels.
Les trois maillons de la grande tradition allemande, en lesquels il a manifesté une foi inébranlable, les dieux qui n'ont jamais perdu : Beethoven, Schubert et Brahms.
Le beau-frère de Schoenberg, le violoniste Rudolf Kolisch, a pris la parole sur la tombe.
« Sa place est ici. »
« Je suis enfin rentré chez moi. » --- p.258
Selon Britten lui-même, le War Requiem dans son intégralité n’était rien de moins qu’« une tentative de corriger ou de résoudre les injustices ou les souffrances du monde par le biais des rêves ».
C'est un rêve permanent, un rêve qui existe à chaque fois qu'une œuvre est interprétée avec sincérité et qu'un public l'écoute avec sincérité, et c'est aussi un rêve portable.
Si vous devrez vous rendre à Coventry pour voir l'Ange de Hutton, l'Ange de Grande-Bretagne vient à vous grâce à War Requiem.
Cela se déroule sur un long moment unique, accompagné de musique.
Le progrès nous pousse à aller de l'avant tandis que nous nous tournons vers le passé, réveillant le souvenir des morts et nous invitant (pour reprendre l'expression d'Owen) à « aimer un amour plus grand ».
Tout ce que nous avons à faire, c'est écouter.
--- p.326
Britten et Chostakovitch partageaient l'idée que l'art avait une mission plus importante dans la société.
Ils savaient intuitivement que les gens aspiraient à une musique qui reflète son époque mais qui touche aussi un public plus large, une musique capable de changer la façon dont les auditeurs perçoivent le monde et leur place en son sein, une musique dont la vision éthique était empreinte d'une profonde compassion.
--- p.386
Des années plus tard, une pierre tombale spéciale fut érigée sur la tombe de Chostakovitch.
Je ne connais aucun monument de pierre qui évoque plus clairement toute une époque.
Sous le nom de Chostakovitch, quatre notes sont inscrites entre son année de naissance (1906) et son année de décès (1975).
Ré, Mi bémol, Do, Si, ce sont les initiales du compositeur et sa devise.
Son lys s'élève au-delà du temps et de l'espace.
C'est comme si la forme finale de la transformation de Chostakovitch était contenue dans ces quatre notes.
Sa vie est désormais devenue son art, et l'histoire d'une nation, sa mémoire.
Et le souvenir s'est transformé en musique.
--- p.408
--- p.408
Avis de l'éditeur
Chostakovitch, Schoenberg, Strauss et Britten. L'esthétique du deuil à travers l'œuvre de quatre compositeurs.
La musique est un art léger et abstrait, mais chaque note est enracinée dans l'histoire et la terre.
Jeremy Eichler, l'un des plus grands critiques musicaux, saisit brillamment cette dualité dans Music of Mourning.
Ce livre retrace la vie de quatre compositeurs qui se sont placés à l'avant-garde de la musique classique européenne, perçant les ténèbres du XXe siècle.
Les monuments marqués par la guerre qu'ils ont chacun créés sont remarquables en eux-mêmes, mais ils sont également dignes d'intérêt en ce qu'ils se tournent vers le passé tout en nous invitant à nous tourner vers notre époque, élargissant ainsi nos perspectives pour entrevoir le monde dans lequel la musique a été créée.
La Seconde Guerre mondiale fut un désastre mondial, de l'Asie à l'Europe.
Et cela a fissuré le tissu serré de l'humanité.
Au cœur de ces ténèbres se trouvait l'Holocauste.
De même que les expériences traumatiques hantent la mémoire d'un individu toute sa vie, cet incident continue de raviver la mémoire historique de la société occidentale.
Theodor Adorno, philosophe, critique et sage musical juif allemand, a déclaré : « L’idée que la culture renaîtra après Auschwitz est une illusion et n’a aucun sens. »
Mais puisque le monde a connu sa propre fin, l'art doit en devenir le chroniqueur inconscient.
Partant de ce raisonnement, l'auteur se concentre plus particulièrement sur la musique parmi les arts et examine son rôle en tant que « chronique inconsciente ».
La musique qui a été témoin de l'histoire et qui a transmis ce souvenir au monde post-génocide est le sujet de ce livre.
Les sons du temps perdu - Une lamentation historique de quatre compositeurs
Ce livre présente quatre œuvres musicales qui traversent certaines des pages les plus sombres de l'histoire occidentale du XXe siècle.
Il s'agit des « Métamorphosen » de Strauss, du « Survivant de Varsovie » de Schoenberg, du « Requiem de guerre » de Britten et de la symphonie « Babi Yar » de Chostakovitch.
Bien qu'il s'agisse de chefs-d'œuvre qui resteront à jamais dans l'histoire de la musique, ils ne sont pas faciles à accepter car ils abordent la mort de manière exhaustive.
À travers ces chansons, à travers la vie de ceux qui les ont créées et à travers des moments individuels de l'histoire socioculturelle de la musique, l'auteur offre une nouvelle perspective sur le passé de la guerre.
Au milieu de la guerre et de la folie, comment ces chants ont-ils pu représenter la mémoire humaine, le deuil, et tisser l'histoire et les émotions ? La musique de ces musiciens, qui ont témoigné de l'histoire par la musique, parle différentes langues, mais toutes rendent compte d'une même vérité.
La musique est la forme ultime de la mémoire, ce qui permet aux humains de rester humains.
Jetons un bref coup d'œil aux quatre musiciens qui sont les personnages principaux de ce livre.
Chostakovitch, qui a dû vivre sous le régime stalinien en Union soviétique, est une figure symbolique qui a montré comment l'art peut préserver la dignité humaine même sous surveillance et dans la peur.
Il composa une « musique du silence » au milieu de la violence de l'histoire.
Sa Symphonie n° 5 (1937) a été ostensiblement interprétée comme un « hymne à l'héroïsme socialiste », mais en réalité c'était une œuvre empreinte de l'ironie et de la tristesse d'une époque opprimée.
Le public a entendu « la joie dans la douleur », et le pouvoir a entendu « la musique de la loyauté ».
Sa musique, qui fonctionne avec un double sens, est comme un journal intime enregistrant le silence suffocant d'une ère totalitaire.
Schoenberg, Autrichien, est le fondateur de la dissolution de la tonalité, c'est-à-dire de la dissonance et de la technique dodécaphonique, et une figure qui a marqué un tournant révolutionnaire dans l'histoire de la musique.
Ses œuvres des années 1930, telles que Moïse et Aaron et le Quatuor à cordes n° 2, n'étaient pas de simples expérimentations formelles, mais des représentations musicales de la guerre, de l'exil et du silence de Dieu.
Au début des persécutions hitlériennes contre les Juifs, Schoenberg s'enfuit aux États-Unis, une expérience qu'il exprime dans sa musique par un sentiment d'effondrement d'une « tonalité (d'un ordre) ».
Dans cet ouvrage, l'auteur le qualifie de « philosophe de la dissonance ».
Dans sa musique, la dissonance n'était pas synonyme de chaos, mais d'éveil éthique.
Il était conscient, à l’époque, que « la beauté seule ne peut pas sauver l’humanité ».
Strauss est une figure qui a laissé derrière elle une analyse complexe, ayant vécu durant l'ère nazie.
Il a fait certains compromis avec le système, mais a en même temps essayé de ne pas perdre la dignité humaine et la pureté de l'art.
Son chef-d'œuvre ultérieur, Metamorphosen (1945), est interprété comme une musique de deuil et de repentir pour la culture allemande ruinée immédiatement après la chute des nazis.
La profonde tristesse qui sous-tendait la forme classique était une marche funèbre jouée par une époque pour elle-même.
* Le Britannique de Grande-Bretagne était un pacifiste représentant la génération de la guerre.
Son chef-d'œuvre, War Requiem (1962), était un chœur de réconciliation chanté par les morts et les vivants, les ennemis et les alliés.
Ce livre interprète la musique de Britten comme une « forme de deuil et de réconciliation ».
Sa musique n'était pas simplement l'expression de la douleur, mais une forme de souvenir éthique, un symbole de la conviction que les êtres humains ne peuvent se relever qu'en se souvenant les uns des autres.
À travers leur musique, l'auteur restitue la topographie du deuil cachée dans l'histoire de la musique, et à travers ses notes et ses mélodies, il revisite les rouages de l'histoire, à savoir la question : « Comment les humains se souviennent-ils de ce qu'ils ont perdu ? »
La musique dans l'histoire - Une chronique sonore témoignant d'une époque de souffrance
À une époque où les débats sur l'histoire à commémorer et celle à réinterpréter s'intensifient, l'auteur souligne que la musique préserve le passé sous la forme d'expériences émotionnelles intenses.
Historien attaché à la précision et sensible à la ferveur musicale, il présente, dans une chronique lucide et émouvante, quatre œuvres radicalement différentes, nées d'une même impulsion.
La musique a toujours existé dans le sillage des époques.
Ayant connu deux guerres mondiales au XXe siècle, l'humanité a laissé derrière elle la musique comme langage de la douleur.
Les « Métamorphoses » de Strauss sont une complainte dédiée à la culture allemande, et les symphonies de Chostakovitch ne sont pas de simples œuvres d'art, mais des témoignages de leur époque.
Cet ouvrage examine le contexte social et philosophique dans lequel ces chansons ont été créées, prouvant ainsi que la musique est la plus ancienne forme de mémoire humaine.
L'esthétique du deuil : les manières artistiques humaines de surmonter le chagrin
« Mourning Music » est une tentative humaniste de considérer la musique comme le « langage du chagrin ».
Cependant, cela ne se limite pas au seul sentiment de tragédie.
Le deuil dont traite ce livre est celui de l'art en tant que sensibilité éthique.
L'auteur estime que, parmi tous les arts, la musique fonctionne comme une « forme qui permet aux humains d'endurer » la tristesse sans la romantiser.
De ce point de vue, il démontre de manière convaincante, en naviguant entre les langages de la psychanalyse, de la théologie et de l’esthétique, que « le deuil n’est pas un état de tristesse statique, mais un mouvement vers l’art ».
Partageant la vision de Sebald, Benjamin et Adorno sur la disparition et la perte prématurée, il développe diverses expériences où musique et histoire se fascinent mutuellement.
L'auteur explique comment la musique, au carrefour de l'histoire et de l'art, ravive les souvenirs des blessures d'une époque, mais qu'en fin de compte, elle parle de l'humanité.
Car faire le deuil, c'est se souvenir, et écouter, c'est redevenir humain.
Comme le suggère le titre original de ce livre, « L'Écho du Temps », « la musique est la voix d'une époque disparue et le témoignage le plus complet du temps perdu par l'humanité ».
Comme l'auteur l'indique dans la préface, il a utilisé l'oreille d'un critique et les outils d'un historien pour écrire ce livre ; celui-ci est donc aussi riche en récit historique qu'en musique.
L'écriture, fruit d'une recherche méticuleuse et empreinte d'une profonde émotion, contribue au plaisir de la découverte.
Voici un livre inspirant, riche en observations critiques pertinentes et d'une profondeur philosophique qui explore les zones d'ombre qui ont hanté la vie humaine et l'art.
Je vous recommande de lire toutes les notes à la fin du texte.
La musique est un art léger et abstrait, mais chaque note est enracinée dans l'histoire et la terre.
Jeremy Eichler, l'un des plus grands critiques musicaux, saisit brillamment cette dualité dans Music of Mourning.
Ce livre retrace la vie de quatre compositeurs qui se sont placés à l'avant-garde de la musique classique européenne, perçant les ténèbres du XXe siècle.
Les monuments marqués par la guerre qu'ils ont chacun créés sont remarquables en eux-mêmes, mais ils sont également dignes d'intérêt en ce qu'ils se tournent vers le passé tout en nous invitant à nous tourner vers notre époque, élargissant ainsi nos perspectives pour entrevoir le monde dans lequel la musique a été créée.
La Seconde Guerre mondiale fut un désastre mondial, de l'Asie à l'Europe.
Et cela a fissuré le tissu serré de l'humanité.
Au cœur de ces ténèbres se trouvait l'Holocauste.
De même que les expériences traumatiques hantent la mémoire d'un individu toute sa vie, cet incident continue de raviver la mémoire historique de la société occidentale.
Theodor Adorno, philosophe, critique et sage musical juif allemand, a déclaré : « L’idée que la culture renaîtra après Auschwitz est une illusion et n’a aucun sens. »
Mais puisque le monde a connu sa propre fin, l'art doit en devenir le chroniqueur inconscient.
Partant de ce raisonnement, l'auteur se concentre plus particulièrement sur la musique parmi les arts et examine son rôle en tant que « chronique inconsciente ».
La musique qui a été témoin de l'histoire et qui a transmis ce souvenir au monde post-génocide est le sujet de ce livre.
Les sons du temps perdu - Une lamentation historique de quatre compositeurs
Ce livre présente quatre œuvres musicales qui traversent certaines des pages les plus sombres de l'histoire occidentale du XXe siècle.
Il s'agit des « Métamorphosen » de Strauss, du « Survivant de Varsovie » de Schoenberg, du « Requiem de guerre » de Britten et de la symphonie « Babi Yar » de Chostakovitch.
Bien qu'il s'agisse de chefs-d'œuvre qui resteront à jamais dans l'histoire de la musique, ils ne sont pas faciles à accepter car ils abordent la mort de manière exhaustive.
À travers ces chansons, à travers la vie de ceux qui les ont créées et à travers des moments individuels de l'histoire socioculturelle de la musique, l'auteur offre une nouvelle perspective sur le passé de la guerre.
Au milieu de la guerre et de la folie, comment ces chants ont-ils pu représenter la mémoire humaine, le deuil, et tisser l'histoire et les émotions ? La musique de ces musiciens, qui ont témoigné de l'histoire par la musique, parle différentes langues, mais toutes rendent compte d'une même vérité.
La musique est la forme ultime de la mémoire, ce qui permet aux humains de rester humains.
Jetons un bref coup d'œil aux quatre musiciens qui sont les personnages principaux de ce livre.
Chostakovitch, qui a dû vivre sous le régime stalinien en Union soviétique, est une figure symbolique qui a montré comment l'art peut préserver la dignité humaine même sous surveillance et dans la peur.
Il composa une « musique du silence » au milieu de la violence de l'histoire.
Sa Symphonie n° 5 (1937) a été ostensiblement interprétée comme un « hymne à l'héroïsme socialiste », mais en réalité c'était une œuvre empreinte de l'ironie et de la tristesse d'une époque opprimée.
Le public a entendu « la joie dans la douleur », et le pouvoir a entendu « la musique de la loyauté ».
Sa musique, qui fonctionne avec un double sens, est comme un journal intime enregistrant le silence suffocant d'une ère totalitaire.
Schoenberg, Autrichien, est le fondateur de la dissolution de la tonalité, c'est-à-dire de la dissonance et de la technique dodécaphonique, et une figure qui a marqué un tournant révolutionnaire dans l'histoire de la musique.
Ses œuvres des années 1930, telles que Moïse et Aaron et le Quatuor à cordes n° 2, n'étaient pas de simples expérimentations formelles, mais des représentations musicales de la guerre, de l'exil et du silence de Dieu.
Au début des persécutions hitlériennes contre les Juifs, Schoenberg s'enfuit aux États-Unis, une expérience qu'il exprime dans sa musique par un sentiment d'effondrement d'une « tonalité (d'un ordre) ».
Dans cet ouvrage, l'auteur le qualifie de « philosophe de la dissonance ».
Dans sa musique, la dissonance n'était pas synonyme de chaos, mais d'éveil éthique.
Il était conscient, à l’époque, que « la beauté seule ne peut pas sauver l’humanité ».
Strauss est une figure qui a laissé derrière elle une analyse complexe, ayant vécu durant l'ère nazie.
Il a fait certains compromis avec le système, mais a en même temps essayé de ne pas perdre la dignité humaine et la pureté de l'art.
Son chef-d'œuvre ultérieur, Metamorphosen (1945), est interprété comme une musique de deuil et de repentir pour la culture allemande ruinée immédiatement après la chute des nazis.
La profonde tristesse qui sous-tendait la forme classique était une marche funèbre jouée par une époque pour elle-même.
* Le Britannique de Grande-Bretagne était un pacifiste représentant la génération de la guerre.
Son chef-d'œuvre, War Requiem (1962), était un chœur de réconciliation chanté par les morts et les vivants, les ennemis et les alliés.
Ce livre interprète la musique de Britten comme une « forme de deuil et de réconciliation ».
Sa musique n'était pas simplement l'expression de la douleur, mais une forme de souvenir éthique, un symbole de la conviction que les êtres humains ne peuvent se relever qu'en se souvenant les uns des autres.
À travers leur musique, l'auteur restitue la topographie du deuil cachée dans l'histoire de la musique, et à travers ses notes et ses mélodies, il revisite les rouages de l'histoire, à savoir la question : « Comment les humains se souviennent-ils de ce qu'ils ont perdu ? »
La musique dans l'histoire - Une chronique sonore témoignant d'une époque de souffrance
À une époque où les débats sur l'histoire à commémorer et celle à réinterpréter s'intensifient, l'auteur souligne que la musique préserve le passé sous la forme d'expériences émotionnelles intenses.
Historien attaché à la précision et sensible à la ferveur musicale, il présente, dans une chronique lucide et émouvante, quatre œuvres radicalement différentes, nées d'une même impulsion.
La musique a toujours existé dans le sillage des époques.
Ayant connu deux guerres mondiales au XXe siècle, l'humanité a laissé derrière elle la musique comme langage de la douleur.
Les « Métamorphoses » de Strauss sont une complainte dédiée à la culture allemande, et les symphonies de Chostakovitch ne sont pas de simples œuvres d'art, mais des témoignages de leur époque.
Cet ouvrage examine le contexte social et philosophique dans lequel ces chansons ont été créées, prouvant ainsi que la musique est la plus ancienne forme de mémoire humaine.
L'esthétique du deuil : les manières artistiques humaines de surmonter le chagrin
« Mourning Music » est une tentative humaniste de considérer la musique comme le « langage du chagrin ».
Cependant, cela ne se limite pas au seul sentiment de tragédie.
Le deuil dont traite ce livre est celui de l'art en tant que sensibilité éthique.
L'auteur estime que, parmi tous les arts, la musique fonctionne comme une « forme qui permet aux humains d'endurer » la tristesse sans la romantiser.
De ce point de vue, il démontre de manière convaincante, en naviguant entre les langages de la psychanalyse, de la théologie et de l’esthétique, que « le deuil n’est pas un état de tristesse statique, mais un mouvement vers l’art ».
Partageant la vision de Sebald, Benjamin et Adorno sur la disparition et la perte prématurée, il développe diverses expériences où musique et histoire se fascinent mutuellement.
L'auteur explique comment la musique, au carrefour de l'histoire et de l'art, ravive les souvenirs des blessures d'une époque, mais qu'en fin de compte, elle parle de l'humanité.
Car faire le deuil, c'est se souvenir, et écouter, c'est redevenir humain.
Comme le suggère le titre original de ce livre, « L'Écho du Temps », « la musique est la voix d'une époque disparue et le témoignage le plus complet du temps perdu par l'humanité ».
Comme l'auteur l'indique dans la préface, il a utilisé l'oreille d'un critique et les outils d'un historien pour écrire ce livre ; celui-ci est donc aussi riche en récit historique qu'en musique.
L'écriture, fruit d'une recherche méticuleuse et empreinte d'une profonde émotion, contribue au plaisir de la découverte.
Voici un livre inspirant, riche en observations critiques pertinentes et d'une profondeur philosophique qui explore les zones d'ombre qui ont hanté la vie humaine et l'art.
Je vous recommande de lire toutes les notes à la fin du texte.
SPÉCIFICATIONS DES PRODUITS
- Date d'émission : 18 novembre 2025
Nombre de pages, poids, dimensions : 492 pages | 598 g | 140 × 210 × 25 mm
- ISBN13 : 9791161111544
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Langue coréenne
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