« L’histoire que je veux connaître lorsque je découvre un tableau »
De la Renaissance au Pop Art, 23 cours d'art avec une histoire !
Le premier livre de la populaire chronique du Herald Economy, « Musée d'art de Huam-dong » !

« La collection Lee Kun-hee », « Maurizio Cattelan : WE », « 600 ans de Habsbourg : chefs-d'œuvre d'enchantement »… Qu'ont en commun ces expositions ? Elles n'étaient accessibles qu'après des manifestations acharnées (une bataille sanglante, presque militaire, pour obtenir des billets).
L’intérêt pour l’art, que l’on croyait autrefois passager et éphémère, ne montre aucun signe de ralentissement.
« Musée d'art privé et intellectuel » est un livre pour ceux qui veulent surfer sur cette « folie artistique ».
Les mouvements artistiques tels que le réalisme, le romantisme, l'expressionnisme et le surréalisme, qui sont complexes et difficiles à comprendre même après étude, sont expliqués de manière simple et ludique, sous forme de récits, permettant ainsi aux lecteurs de se rapprocher des tableaux.

Ce livre a cumulé plus de 7 millions de vues et est le premier ouvrage de la série de chroniques la plus populaire du Herald Economy, « Musée d'art de Huam-dong ». Le journaliste Won-yool Lee a révisé et réécrit la section « Théorie », qui ouvrait la série, en réponse aux demandes constantes des lecteurs de compiler les chroniques en un livre.
Au fil du processus, les phrases se sont enrichies et les faits historiques sont devenus plus clairs après avoir été réexaminés.

L'auteur aborde un total de 23 mouvements, de la Renaissance au Pop Art, et présente les œuvres de 23 artistes pionniers que l'on peut qualifier de « pères » de chaque mouvement.
Cependant, elle ne se limite pas à une interprétation fragmentaire des œuvres représentatives de l'artiste, mais offre plutôt une vision d'ensemble de sa vie et des caractéristiques de ses mouvements.
En parcourant la table des matières, vous mémoriserez naturellement la progression des styles artistiques et vous ne vous demanderez plus qui est votre « aîné » entre Vincent van Gogh et Gustav Klimt.
Bien sûr, vous saurez faire la distinction entre les tableaux de Manet et ceux de Monet.
Si vous cherchez votre premier véritable cours d'histoire de l'art, ce livre est parfait pour vous.

L'objectif de ce livre est d'amener chaque lecteur au stade de la manie.
C’est pourquoi nous ne nous sommes pas contentés d’interprétations fragmentaires de tableaux célèbres ou d’introductions fragmentaires aux histoires des artistes populaires qui les ont créés.
Une interprétation organique des tableaux les plus novateurs qui ont changé l'histoire, une quête incessante des artistes les plus innovants qui ont bouleversé leur époque.
Ainsi, le cours de l'histoire de l'art et la beauté de chaque mouvement s'entremêlent de manière facile à comprendre.
Pour pouvoir appréhender une époque à travers une seule œuvre.
Pour ceux qui débutent dans l'étude de l'art, j'espère que ce livre constituera un « premier cours d'histoire de l'art idéal », et pour ceux qui souhaitent approfondir leurs connaissances artistiques au-delà d'un niveau intermédiaire, j'espère qu'il constituera un « véritable premier cours d'histoire de l'art ».

---Extrait du « Prologue | 10p. »

Quels étaient donc les thèmes de l'art médiéval ? On peut affirmer sans exagérer qu'il était presque entièrement centré sur les enseignements chrétiens.
"Expiation.
Combattez et résistez au mal.
Sinon, le seul endroit où tu iras, c'est l'enfer, et cet enfer ressemble à ça. Le patron a dû vouloir transmettre ce message à travers sa peinture.
Surtout à une époque où les Européens mouraient chaque jour en masse, victimes des guerres, des épidémies et des catastrophes naturelles.
Beaucoup de gens pensaient que la fin du monde, qui n'est pas survenue en l'an 1000, aurait lieu vers l'an 1500.
Le patron devait leur décrire les horreurs de l'enfer plus rapidement et plus efficacement.
Je n'avais pas d'autre choix que d'utiliser l'électroconvulsivothérapie.
Il devait avoir un profond désir de toucher et d'éduquer l'humanité, qui est pleine de péché originel.

---「4.
Extrait de « Pionnier du surréalisme : Jérôme Bosch | 80 p. »

Bateau est le fondateur de l'art rococo du XVIIIe siècle.
L'art rococo est un style caractérisé par l'élégance et la richesse des décorations.
Un genre représentatif est la « Fête Galante », dérivée du « Pèlerinage à Cythère ».
Les principaux sujets sont des hommes et des femmes élégamment vêtus, des poses empreintes d'amour, un arrière-plan paisible évoquant un paysage rural, et des accessoires délicats et luxueux.
Il s'agit encore aujourd'hui du style de peinture le plus courant dans les boutiques d'antiquités.
L'expression la plus intuitive de l'art rococo est sans doute le dicton : « Il ne pleut jamais dans le jardin de Bateau. »
Cela signifie que c'était tout simplement lumineux, léger et ludique.

---« 6.
Extrait de "Pionnier du Rococo : Jean-Antoine Watteau | 117p."

Courbet considérait le néoclassicisme et le romantisme, alors en vogue, comme hypocrites.
Courbet pensait que les peintres devaient saisir le « monde réel » plutôt que « leur propre monde ».
Le néoclassicisme vise à « réétudier les styles classiques de la culture grecque et romaine antique ! »
Le romantisme visait à être « plus rêveur, plus dramatique ! »
Ils peuvent paraître très différents, mais ils ont quelque chose en commun.
C'est comme attraper un nuage dans le ciel.
Les peintres qui pensaient que ces deux styles constituaient la solution ont également remis au goût du jour des peintures mythologiques et historiques de la Renaissance, du XIVe au XVIe siècle.
Ils rivalisent pour voir qui peut dessiner le plus tragiquement.
Le tableau fut reproduit pour redevenir sacré.

---« 9.
Extrait de « Pionnier du réalisme : Gustave Courbet | 179 p. »

C'est un peintre qui a ouvert la porte au néo-impressionnisme grâce à sa technique pointilliste unique.
Le pointillisme est une technique picturale qui consiste à appliquer d'innombrables points de peinture de couleur pure.
Il ne s'agit pas de « peindre » avec un pinceau, il s'agit de « tamponner ».
Il s'agit d'une méthode qui a émergé après mûre réflexion afin de surmonter les limites de l'impressionnisme.
À cette époque, les peintres impressionnistes s'efforçaient de saisir de manière sensuelle l'impression d'un instant qui changeait d'instant en instant au gré de la lumière.
L'essentiel était de capturer cette lumière, cet instant, cette scène.
Par exemple, lorsque j'ai dessiné une pomme, je ne l'ai pas peinte en rouge, comme d'habitude.
J'ai essayé de peindre la pomme avec des couleurs qui auraient un aspect différent selon la luminosité et l'angle de la lumière qui l'éclaire.
Les pommes peuvent être orange, bleues ou noires.
Mais ils se sont vite heurtés à un mur.
Plus la lumière est mélangée, plus elle devient brillante.
Les peintres mélangent différentes peintures pour suivre la lumière, mais le problème est que la lumière et la peinture ont des propriétés différentes.
Contrairement à la lumière, les peintures deviennent opaques lorsqu'elles sont mélangées.
C'est devenu tellement ennuyeux que je n'ai plus envie de le regarder.
« Comment pouvons-nous exprimer toute la lumière du monde telle qu'elle est avec de la peinture ? » était un sujet de discussion majeur parmi les peintres impressionnistes.

---« 13.
Extrait de « Pionnier du néo-impressionnisme : Georges Seurat | 253 p. »

Cézanne ne se contente pas de la libération de la couleur.
Selon lui, l'impressionnisme était un mouvement qui s'était arrêté à mi-chemin de son développement.
Cézanne pensait que les impressionnistes étaient obsédés par les couleurs des objets et négligeaient leurs formes.
Pour Cézanne, les formes des objets étaient aussi variées que leurs couleurs.
Si la lumière modifie la couleur d'un objet, la direction et l'angle de vue modifient la forme de l'objet.
Par exemple, les pommes n'ont pas toujours une apparence ronde.
Selon le point de vue, la pomme peut paraître plate ou large.

---« 15.
Extrait de « Pionnier de la peinture moderne : Paul Cézanne | 296 p. »

On raconte que Rousseau, alors au sommet de sa carrière artistique, fut un jour impliqué dans une affaire de fraude et traduit en justice.
La conversation que Rousseau a eue avec le juge à cette époque est intéressante.
« Votre Honneur ! Si je suis reconnu coupable, ce n'est pas moi qui vais le plus souffrir. » « Que voulez-vous dire ? Alors qui va le plus souffrir ? » « Art.
« L’art lui-même en souffrira ! » Il est également intéressant de constater que ses paroles se sont avérées par la suite en partie vraies.
Rousseau a contribué à élargir le champ de la peinture, du réel au fantastique, et plus loin encore, d'une scène du passé ou du présent à une autre dimension ou à un point du futur.
De plus, les compositions géométriques que l'on retrouve dans les peintures surréalistes de Rousseau ont influencé le cubisme et la peinture abstraite, et les formes simplifiées ont même influencé le pop art.

---« 18.
Extrait de « Pionnier du surréalisme moderne : Henri Rousseau | 374 p. »

Pop Art est l'abréviation de « art populaire ».
Hamilton a donné naissance au terme pop art.
Voyez-vous la sucette que tient l'homme musclé dans l'œuvre d'Hamilton ? Le mot « POP » y est clairement inscrit.
Le critique d'art Lawrence Alloway a vu cette œuvre et l'a qualifiée de pop art.
L'essence du pop art réside dans la «popularité», et ses matériaux sont issus de la culture populaire, comme les publicités, les photos de presse, les films et les bandes dessinées.
L'agonie de la création est également moindre.
Si le résultat vous convient, découpez-le simplement avec des ciseaux et utilisez-le.
Vous pouvez vous procurer le même matériau en grande quantité.
Les publicités, affiches, etc. continueront de paraître dès leur impression.
Si vous vous y mettez sérieusement, vous pouvez imprimer à l'infini.
C'était une tentative révolutionnaire pour l'époque.
Cela m'a montré que l'art peut être simplement amusant, et que le travail créatif ne doit pas nécessairement se passer enfermé dans une pièce à s'accrocher pendant des années.
Cela prouve aussi que l'art peut facilement naître de matériaux du quotidien à la fois merveilleux et vulgaires, voire parfois vulgaires en apparence.
À cet égard, Hamilton affirme également qu’« il n’y a pas de hiérarchie entre Elvis Presley et Picasso ».
En premier lieu, dans le domaine de l'art, cela signifie qu'il n'y a pas de distinction entre ceux qui sont bons et ceux qui sont mauvais.

---« 23.
Extrait de « Pionnier du Pop Art : Richard Hamilton | 458 p. »