Explorer dialectiquement la relation entre l'art et la société
La théorie esthétique la plus importante du XXe siècle

La traduction intégrale de la « Théorie esthétique (Asthetische Theorie) » de Theodor Adorno, considérée comme « le point de départ de toutes les discussions esthétiques modernes », « l'ouvrage de théorie esthétique le plus important du XXe siècle » et « le fruit ultime de la théorie critique », a été publiée.
Adorno a transposé les problématiques de la Dialectique de la raison et de la Dialectique négative dans le domaine de l'esthétique, explorant comment l'art, au milieu des contradictions de la raison moderne, peut devenir une forme qui révèle la vérité et préserve la possibilité de la libération.
C'est un classique contemporain qui continue d'inspirer des débats et d'exercer une influence dans divers domaines tels que la philosophie, l'esthétique et la théorie sociale, et qui continue de le faire encore aujourd'hui.
La Théorie esthétique a été publiée en 1970, un an après la mort d'Adorno, par Rolf Tiedemann, philologue et chercheur de la deuxième génération de l'École de Francfort, et Grete Adorno, l'épouse d'Adorno, en compilant son manuscrit inachevé et ses notes éditoriales.
En Corée, il figure régulièrement parmi les meilleures ventes depuis sa publication en 1984 par Munhak-kwa-Jiseongsa, avec une traduction de Hong Seung-yong, spécialiste d'Adorno.
Cette édition révisée, republiée 40 ans après sa première parution, corrige la traduction existante et inclut les traductions de l'« Annexe », du « Projet d'introduction » et de la « Note de l'éditeur de l'édition allemande » qui avaient été omises dans la première édition.

Adorno a donné plusieurs conférences sur l'esthétique de 1950 à 1968, et sur la base de ces conférences, il a commencé à travailler sérieusement sur le projet oral de « Théorie esthétique » en 1961, subissant de nombreuses révisions, corrections et compositions jusqu'en 1969.
Cependant, cette œuvre, qu'il considérait comme l'œuvre de sa vie, resta inachevée lorsqu'il décéda subitement d'une crise cardiaque en août 1969.
Bien qu'inachevée, la Théorie esthétique offre un exemple de pensée dialectique.
Afin de réaliser une forme narrative cohérente avec sa pensée philosophique, Adorno a rejeté un système hiérarchique et a tenté de structurer le livre de manière fragmentée et parallèle, de sorte que les discussions et les propositions sur chaque sujet aient une importance égale, et que le sens soit créé par une tension mutuelle.
Les éditeurs allemands ont déclaré qu'ils étaient intervenus de façon minimale dans la mise en forme ou le perfectionnement du texte, même lorsqu'il apparaissait que des répétitions ou des incohérences dans le texte nécessitaient une correction lors du processus d'édition du manuscrit.
L'édition coréenne révisée suit fidèlement les principes éditoriaux et la structure de l'édition allemande, mais en se référant aux notes laissées par Adorno dans son premier brouillon, le contenu qui était traité comme des titres en haut du texte dans l'édition allemande a été ajouté comme sous-titres de chaque section afin que les lecteurs puissent les vérifier.

Il est devenu évident que rien n'est évident en matière d'art.
Ni l'art en soi, ni sa relation à la société dans son ensemble, ni même son droit à la survie ne sont des évidences.
Les choses qui pouvaient être traitées sans réflexion ou comme si elles ne posaient aucun problème ont disparu, mais les possibilités infinies ouvertes grâce à la réflexion ne compensent pas cela.
Dans de nombreuses dimensions, l'expansion apparaît comme une contraction.
La mer d'imprévus audacieusement poursuivie par les mouvements artistiques révolutionnaires autour de 1910 n'a pas apporté la fortune aventureuse promise.
Au contraire, le processus qui s'est déclenché à ce moment-là a érodé les catégories mêmes qui avaient été la raison de son départ.
[…] partout, les artistes, au lieu de se réjouir de leur liberté retrouvée, sont immédiatement revenus à un ordre nominal devenu largement inefficace.
--- Extrait de « La perte de l'évidence de l'art »

Même l'œuvre d'art la plus sublime n'est pas définitivement affranchie des contraintes de la réalité empirique ; elle se confronte toujours, à un moment historique donné, à son état d'asservissement, de manière polémique et concrète, quoique inconsciemment, et prend ainsi une position définitive sur la réalité empirique.
Les œuvres d'art, telles des monades sans fenêtres, « représentent » autre chose qu'elles-mêmes. On ne peut le saisir qu'à travers le fait que leur historicité intrinsèque, que l'on pourrait appeler la dialectique de la nature et de sa maîtrise, n'est pas seulement identique en essence à l'historicité du monde extérieur, mais lui ressemble aussi sans l'imiter.
La productivité esthétique est identique à la productivité du travail utile et possède la même téléologie en elle-même.
De plus, ce que l'on peut appeler rapports esthétiques de production, c'est-à-dire tous les domaines dans lesquels des forces productives esthétiques s'établissent et opèrent, sont des sédiments ou des copies de rapports sociaux de production.
La double nature de l'art, à la fois fait autonome et social, se manifeste aussi constamment dans le domaine de l'autonomie.
--- Extrait de « La relation entre l'art et la société »

La cognition argumentative atteint elle aussi la réalité et, à sa manière, atteint diverses irrationalités découlant des lois du mouvement de la réalité, mais certains aspects de la réalité sont difficiles à appréhender par la cognition rationnelle.
La souffrance est étrangère à la perception rationnelle.
La cognition rationnelle peut définir la souffrance de manière exhaustive et fournir des moyens de la soulager, mais il est difficile d'exprimer la souffrance vécue.
Cette expression même serait irrationnelle pour la cognition rationnelle.
Si nous devions conceptualiser la souffrance, elle serait dénuée de sens et incohérente.
Cela se constate dans l'Allemagne post-hitlérienne.
Peut-être qu'à une époque marquée par une peur incompréhensible, la proposition de Hegel selon laquelle la vérité est concrète, que Brecht a choisie comme slogan, ne se réalisera-t-elle encore que par l'art.
Le motif hégélien de l'art comme prise de conscience d'un besoin s'est avéré vrai au-delà de tout ce qu'il aurait pu prédire.
De cette manière, elle devint un contre-argument au propre jugement de Hegel sur l'art, à savoir le pessimisme culturel.
--- Extrait de « Le langage de la souffrance »

Ces derniers temps, on a souvent reproché à Samuel Beckett de se répéter.
Il a réagi à ces accusations de manière plutôt provocatrice.
À ce stade, il était conscient, et à juste titre, de la nécessité de continuer à bouger, mais aussi de l'impossibilité de le faire.
Le geste de rester immobile à la fin d’« En attendant Godot » est une forme fondamentale de toutes ses œuvres, répondant précisément à ce genre de situation.
Sa réponse a un pouvoir inconditionnel.
Son œuvre est née de moments d'opportunités négatives.
La plénitude de cet instant se transforme en une répétition sans fin et ne touche au néant.
--- Extrait de « La dialectique de l'intégration et la "perspective subjective" »

L'art est un refuge pour les réactions mimétiques.
Dans l'art, le sujet confronte l'autre dans un état de séparation, même si le niveau d'autonomie change, sans pour autant en être complètement séparé.
Le rejet par l'art de ses ancêtres magiques implique que l'art s'est engagé dans la rationalité.
Le fait que l'art, être mimétique, puisse exister au sein de la rationalité et même utiliser des moyens rationnels est une réponse à la fausse irrationalité du monde rationnel, du monde géré.
Car les fins de toute rationalité, qui sont l'essence des moyens de dominer la nature, ne sont pas encore des moyens, et sont donc irrationnelles.
La société capitaliste dissimule et nie précisément cette irrationalité.
D'autre part, l'art représente la vérité dans un double sens.
C’est-à-dire, en ce qu’elle maintient l’image d’un but recouvert de rationalité, et en ce qu’elle prouve l’irrationalité ou la contradiction de la situation existante.
--- Extrait de « Mimésis et rationalité »

La musique révèle les secrets de tous les arts.
En musique comme en sciences sociales, les mouvements et les contradictions de la société n'apparaissent que comme des ombres, révélant quelque chose, mais seulement lorsqu'on s'efforce de les discerner, et cela est vrai dans tout art.
--- Extrait de « La double nature de l'art »

Il est également inapproprié de tenter d'imaginer à quoi ressemblera l'art dans une société en mutation.
Peut-être s'agira-t-il d'une troisième entité, ni l'art du passé ni l'art du présent.
Mais même à une époque meilleure, il vaudrait mieux espérer que l'art disparaisse complètement plutôt que de le voir oublier la douleur qui est à la fois son expression et sa forme.
Le manque de liberté n'est rien d'autre que la falsification du contenu de la pensée humaine en un état positif.
Si, comme on l'espère, l'art de demain redevient positif, la question de savoir si la négativité existe encore dans la réalité deviendra véritablement urgente.
Ces doutes sont toujours lancinants, et la menace de récidive demeure.
De plus, la liberté serait une liberté affranchie du principe de propriété, mais cette liberté n'est jamais quelque chose qui puisse être possédé.
Mais si nous nous débarrassons du souvenir des souffrances accumulées, qu'est-ce alors que l'art en tant que récit historique ?
--- Extrait de « Le problème de l'infantilisme et de la fausse réconciliation »

Dans le cas de Paul Celan, le plus important représentant de la poésie lyrique hermétique allemande moderne, l'expérience de l'hermétique fut tout à fait différente.
Sa poésie lyrique est empreinte de la honte de l'art, confrontant la douleur non seulement de la sublimation, mais aussi de la fuite de l'expérience.
Les poèmes de Celan cherchent à exprimer un étonnement extrême par le silence.
La vérité elle-même devient quelque chose de négatif.
Ses poèmes imitent le langage faible des êtres humains, voire le langage inférieur à celui de tous les êtres organiques.
Autrement dit, il imite le langage des choses mortes telles que les pierres et les étoiles.
Les derniers vestiges de l'organisme sont également éliminés.
Ce que Benjamin appelait lyrisme sans aura à propos de la poésie lyrique de Baudelaire prend sa véritable forme dans la poésie de Celan.
--- Extrait de l'« Annexe »

Adorno n'a pas achevé sa théorie esthétique.
C'était à cause de la mort survenue subitement.
Cependant, sa pensée est résumée dans « Théorie esthétique ».
Adorno présente ici ses propres réponses argumentées aux grands problèmes de l'art et de l'esthétique, tels que l'autonomie et la nature sociale de l'art, l'industrie culturelle servant les intérêts du capital monopolistique en trompant les masses, la signification résistante de l'art moderne authentique, l'historicité des grandes catégories esthétiques, notamment la beauté et la laideur, la relation entre la beauté naturelle et la beauté artistique, l'esprit ou le contenu idéologique de l'art et le contenu véridique, la technologie et les matériaux, la forme et le contenu, la mimésis et la composition, la nécessité de la critique immanente et de l'esthétique dialectique, etc.
Les réponses d'Adorno ne sont peut-être ni définitives ni uniques, mais ses analyses approfondies offrent une multitude d'idées et de pistes de réflexion qui méritent encore aujourd'hui une lecture et un débat sérieux.

--- Extrait de la « Note du traducteur »