Trésors de l'humanité découverts dans le paradis de l'art

L'Italie, berceau de l'art européen, est littéralement un paradis artistique.
Nombre d'artistes qui ont orné les premières pages de l'histoire de l'art occidental sont nés et ont exercé leur activité en Italie.
Rome, qui a soutenu des projets d'envergure en invitant des artistes représentatifs de chaque époque ; le Vatican, qui abrite le palais papal ; Florence, qui a vu naître des artistes tels que Michel-Ange, Raphaël et Botticelli ; et Milan et Venise ne peuvent être oubliées.
Les musées de cette ville abritent de l'art romain antique, à la racine de toute la culture occidentale, et sont incontournables pour quiconque souhaite comprendre non seulement l'art italien, mais aussi l'art occidental.
L'auteur, sculpteur de profession, partage des récits vivants de son expérience personnelle en Italie, s'étalant sur près d'une décennie, ainsi que des anecdotes sur les galeries d'art italiennes et leurs collections, qu'il a minutieusement visitées une à une.
Je vous recommande d'emporter ce livre légèrement dans votre sac à dos lors de votre voyage en Europe et de suivre son parcours tout au long du chemin.

Bien que cet ouvrage ne traite que des œuvres créées dans une région limitée, l'Italie, il a tenté d'inclure, même de manière insuffisante, l'histoire de l'art de la Grèce et de la Rome antiques jusqu'à l'époque moderne.
Dans les galeries d'art et les musées de Rome, l'exposition était consacrée à l'art grec et romain antique, ainsi qu'aux peintures et sculptures de la Renaissance et du Baroque. À Florence, elle présentait des peintures et sculptures de la Renaissance, ainsi que des édifices liés à la famille Médicis, qui a transformé Florence en une ville emblématique de la Renaissance.
À Milan, l'exposition présentait des œuvres de plusieurs maîtres de la Renaissance, des œuvres néoclassiques et romantiques italiennes, ainsi que des œuvres d'artistes italiens modernes et contemporains actifs au début du XXe siècle. À Venise, l'exposition était consacrée à la peinture de la Renaissance et au maniérisme, deux éléments nés de la culture unique de Venise.
--- À partir de « Entrée »

Les Romains, qui admiraient la splendide civilisation grecque, rapportèrent de Grèce de lourdes sculptures qu'ils copièrent pour décorer leurs demeures.
Les empereurs romains faisaient également transporter à Rome, leur capitale, des colonnes et des chapiteaux fabriqués par des maçons grecs pour décorer leurs édifices.
Le musée expose des œuvres d'artisans datant de plusieurs milliers d'années, depuis des sculptures grecques mises au jour des centaines d'années après la chute de Rome, jusqu'aux sculptures romaines adaptées et recréées à partir de sculptures grecques, en passant par les mosaïques et les fresques qui ornaient les demeures antiques.
C'est extraordinaire de pouvoir voir et toucher ces vestiges antiques juste devant soi, sans aucune obstruction.
--- Extrait de « Palazzo Massimo du Musée national de Rome : Les débuts de la culture italienne et l'art de la Rome antique »

Même dans « La Fortune », peinte en 1595, peu après l'arrivée à Rome de Caravage, peintre formé à Milan, on voit que le jeune Caravage n'était guère différent de l'époque où il brûlait d'une passion créatrice.
L'œuvre « Chance », que l'on peut aussi traduire par « Bonne chance ! », met en garde les voyageurs qui ont la chance de visiter Rome contre le malheur qui pourrait s'ensuivre.
Ce tableau a valu à Caravage un grand succès.
Non seulement il reçut une autre commande portant le même titre peu après avoir achevé l'œuvre, mais de nombreux artistes contemporains souhaitèrent également s'en inspirer en adaptant ce tableau évoquant la chance et la malchance. La toile de 115 × 150 centimètres suscite encore aujourd'hui chez le spectateur émotion, tension et empathie.
On aperçoit une jeune fille et un garçon quelque peu arrogant, vêtus de vêtements d'adultes qui ne correspondent pas à leurs jeunes visages et portant une longue épée.
Le doux sourire de la jeune gitane, qui semble tout savoir du garçon, présage une brève relation qui se terminera bientôt mal.
--- Extrait de « Musées du Capitole (Musei Capitolini) : Confirmer l’identité de l’Empire romain »

Le tableau le plus connu est probablement La Création d'Adam.
Cela pourrait s'expliquer par les caractéristiques des artistes de la Renaissance, dotés de connaissances anatomiques, ce qui a conduit à l'hypothèse que « Dieu a donné la connaissance aux humains ».
Car le manteau rouge du Créateur semble ressembler à une coupe transversale du cerveau humain.
Cela semble lié au fait que la sculpture de David par Michel-Ange présentait une tête quelque peu disproportionnée, des yeux exorbités et de grandes mains pour exprimer des caractéristiques humaines uniques, telles que « l'esprit » et la « sagesse ».
Le Créateur, vêtu d'un manteau rouge et soutenu par des anges, s'avance vers Adam.
Comme dans Le Jugement dernier de Michel-Ange, peint sur le mur ouest de la chapelle Sixtine, les ailes de l'ange ont été omises.
Adam, créé à l'image du Créateur et selon les critères de la beauté absolue, n'a pas encore senti le souffle de vie.
L'attention du public se concentre sur le petit espace entre les deux doigts, qui traduit la chaleur de la vie, et le fait retenir son souffle en attendant la suite de l'histoire de l'humanité.
--- Extrait de « Musées du Vatican (Musei Vaticani) : Le seul endroit au monde où l'on peut voir tout l'art de tous les temps »

Si vous visitez l'Italie, vous constaterez que les musées d'art représentatifs de chaque ville ont des liens historiques avec des familles ou des groupes.
Si on continue à en parler même des centaines d'années plus tard, ce n'est pas seulement grâce à sa puissance militaire ou à ses ressources financières de l'époque.
Cela peut s'expliquer par les artistes qu'ils ont soutenus et les œuvres d'art qu'ils ont collectionnées.
On peut citer comme exemples représentatifs la famille Médicis à Florence, l'ordre Ambrosien à Milan et plusieurs Scuola Grande à Venise.
L'une des familles représentatives dans ce contexte est la famille Borghese.
Cette galerie d'art, un incontournable lors d'une visite à Rome, présente des œuvres d'art collectionnées par la famille Borghese au fil des siècles.
Bien qu'originaire de Sienne, il s'est progressivement hissé au rang de noblesse romaine après avoir donné naissance à un pape.
Le cardinal Camillo Borghese fut élu pape en 1605 et prit le nom de Paul V.
La famille papale acquit naturellement une grande influence à Rome.
--- Extrait de « Galerie Borghèse : Le vrai visage de l'art baroque »

Parfois, une copie devient plus célèbre et populaire que l'original.
Un exemple représentatif en est la sculpture du sanglier dans le Corridoio di Ponente de la Galerie des Offices.
À l'entrée de la Loggia del Mercato Nuovo, où se rassemblent les vendeurs d'articles en cuir du centre de Florence, se trouve un monument célèbre appelé la « Fontaine du Petit Cochon ».
Des touristes du monde entier s'arrêtent pour toucher et prendre des photos de la réplique en bronze d'une statue de sanglier.
Le véritable protagoniste de la Fontaine du Petit Cochon, le Sanglier, est en réalité une copie en marbre réalisée au Ier ou IIe siècle avant J.-C., d'après une statue en bronze grecque antique aujourd'hui disparue, datant du IIIe siècle avant J.-C.
Elle représente de manière réaliste un sanglier terrifié à l'idée d'être une proie ; on suppose donc qu'elle a été installée avec d'autres sculptures liées à la chasse.
--- Extrait de « La Galerie des Offices (Galleria degli Uffizi) : Tout sur la peinture florentine de la Renaissance »

À mesure que l'on passe devant chacune des œuvres de Michel-Ange dans la Galleria dei Prigioni, le David visible au loin se rapproche de plus en plus.
Vous pouvez sentir la silhouette décrite comme un garçon dans la Bible grandir de plus en plus, et la tête que vous regardez se courber progressivement.
Devenu un point minuscule au milieu de la foule animée, vous arrivez devant le David, au centre de la Tribuna del David.
David est plus grand que vous ne le pensez.
Avant de visiter la Galerie de l'Académie à Florence, la plupart des gens auront déjà vu la réplique devant le Palazzo Vecchio.
Cependant, David, debout devant la Piazza della Signoria avec son immense horizontalité et le Palazzo Vecchio avec son imposante verticalité, ne peut s'empêcher de souffrir d'un nanisme relatif.
Cependant, David affiche une taille impressionnante de plus de 5 mètres, socle compris.
--- De la "Galleria dell'Accademia di Firenze : demeure du David original de Michel-Ange"

Michel-Ange a conçu ce lieu pour la première fois en 1520 à la demande du pape Léon X, qui appartenait à la famille Médicis.
Outre les sculptures existantes, la nouvelle chambre sacrificielle devait être décorée de figures plus colorées symbolisant les rivières, la terre et le ciel sur les murs.
Cependant, la construction fut interrompue et reprise à plusieurs reprises au cours d'une période de troubles qui ne s'est pas limitée à Florence, mais a également marqué l'histoire européenne.
Lorsque le pape Clément VII, membre de la famille Médicis qui l'avait soutenu, décéda en 1534, Michel-Ange partit pour Rome, laissant derrière lui toutes les œuvres sur lesquelles il avait travaillé à Florence, notamment la Nouvelle Sacristie, la Bibliothèque des Médicis Laurentiens et les Esclaves pour le tombeau du pape Jules II (1525-1530).
Michel-Ange partit pour Rome en 1534, et le vide laissé par l'œuvre fut comblé par des artistes tels que Giorgio Vasari jusqu'à la fin des années 1550, lui laissant sa forme actuelle.
--- Extrait de "Complesso Mediceo Laurenziano : La gloire de la famille Médicis dans l'art"

Le chef-d'œuvre de Francesco Ayetz, « Le Baiser (Il bacio) », apparaît à première vue comme l'expression du regret entre un homme et une femme qui doivent bientôt se séparer.
Dans un espace médiéval vide, une femme a les yeux clos, plissés comme si elle essayait d'observer partir, jusqu'à la toute fin, l'homme qui lui est fidèle un bref instant.
Bien qu'elle puisse paraître simple, sa structure offre une grande liberté d'imagination grâce à la possibilité de diverses interprétations.
De plus, l'ombre d'une personne aperçue derrière eux suggère l'apparition d'un autre être entre les deux, ajoutant ainsi une nouvelle dimension à l'imagination.
Les couleurs des vêtements servent également à interpréter des intentions cachées : l’homme porte un manteau brun rougeâtre à doublure verte et un pantalon rouge sous un chapeau brun à plumes, tandis que la femme porte une robe bleue avec de la dentelle blanche apparente.
Leur apparence rappelle la combinaison verte, blanche et rouge du drapeau italien, qui a commencé à être utilisé vers 1800, et la combinaison bleue, blanche et rouge utilisée dans le drapeau français.
--- Extrait de « La Pinacothèque de Brera : 1400-1900 sur un site où l'histoire respire »

Après avoir quitté Florence et être arrivé à Milan en 1482, Léonard de Vinci a peint plusieurs portraits.
Et je voulais exprimer « moti dell'anima », c'est-à-dire le mouvement de l'âme.
Convaincu que la nature de l'âme se révélerait à travers l'apparence, il étudia les caractéristiques physiques des criminels pour représenter Judas, qui trahit Jésus, dans son tableau La Cène.
Dans « Portrait d'un musicien », une personnalité calme et délicate semble se révéler.
Le protagoniste est connu sous le nom de Franchino Gaforio, musicien et chef de chœur du Duomo de Milan.
Mais ce n'est qu'une supposition, et je ne peux pas dire avec certitude de qui il s'agit.
Rien qu'en regardant la partition dans les mains d'un homme d'une trentaine d'années, on devine qu'il est musicien.
Tandis que je fixe le tableau d'un regard vide, frustrée et incapable de trouver la moindre réponse, je remarque des fissures et des défauts dans le bloc de bois sur lequel il a été peint.
Il semblerait qu'il s'agisse d'une blessure que les blocs de bois utilisés pour la peinture ont acquise au fil du temps, avant que la toile ne soit largement utilisée.
En ce sens, je pense que l'on peut comprendre pourquoi il est soigneusement emballé dans une vitrine.
--- Extrait de « La Pinacothèque Ambrosienne : le trésor de Milan qui conserve des traces de Léonard de Vinci »

Celui qui a placé « La Merde de l’artiste » parmi les œuvres créées avec des pensées raffinées et représentatives de l’époque, c’est Piero Manzoni.
En tant qu'artiste moderne représentatif actif à Milan dans les années 1950 et 1960, il a laissé des boîtes de conserve dans la salle d'exposition.
En scellant vos propres excréments.
Vous pourriez froncer les sourcils et passer votre chemin devant ces œuvres richement décorées, mais une fois leur signification comprise, vous pourrez percevoir un parfum unique d'art moderne, différent de celui des autres œuvres qui exhalent un parfum à travers de belles couleurs et formes.
Lors de la conception de « Artist’s Shit », qui a fait de lui un artiste de renommée mondiale, Manzoni s’est concentré sur le problème de la réduction du monde de l’art à un objet de consommation destiné à être exhibé.
À une époque où les gens étaient prêts à acheter n'importe quelle œuvre d'un artiste célèbre, il s'est demandé ce qu'il pouvait bien vendre, et sa conclusion fut que c'était de la « merde d'artiste ».
--- Extrait de « Museo del Novecento : L’Italie depuis 1900 vue à travers l’art »

Venise est l'une des villes où s'est développé le style maniériste.
Tintoret, peintre vénitien emblématique, associe dans ses œuvres le style maniériste aux couleurs éclatantes de l'art vénitien, permettant ainsi au spectateur de s'immerger davantage dans les événements qui se déroulent à l'écran.
La légende de l'esprit du défunt saint Marc et l'histoire dramatique du transfert miraculeux de sa dépouille à Venise fournissent un excellent matériau pour le style maniériste tendu du Tintoret.
La perspective exagérée de l'espace et les coups de pinceau blancs laissés par l'artiste autour des pas rapides des personnages, tels des vagues de mouvement, ajoutent de la vie à ce récit haletant.

--- Extrait de « Les Gallerie dell'Accademia di Venezia : La spécialité des peintres vénitiens et leurs toiles géantes »