« L’art est mort ! L’art est mort ! »
Nous l'avons tué !
Nous sommes tous ses meurtriers !

Réflexions philosophiques sur la définition, le rôle et l'orientation de l'art

L'auteur Wonjae Park, fondateur de la galerie One & J en 2005 et qui a révélé de talentueux artistes coréens sur la scène internationale, déclare dans ce livre que « l'art est mort ».
Pourquoi l'homme qui a dirigé la seule galerie asiatique à avoir remporté le prix Baloise à Art Basel, la plus prestigieuse foire d'art au monde, en 2018, affirme-t-il que l'art est mort ? L'auteur constate que l'art contemporain est désormais influencé par le capitalisme et une pensée axée sur les objectifs, et déconnecté de nos vies.
Les musées d'art sont devenus des cimetières qui séparent l'art de sa contemporanéité, et à l'ère numérique, les NFT ont réduit l'art à un objet de propriété.
L'auteur souligne toutefois que l'art est à l'origine un acte d'exploration de l'essence de la vie à travers le corps humain et les sens, et que l'art doit retourner à la vie.

Ce livre retrace l'évolution historique de l'art et analyse comment le capitalisme et la technologie l'ont vidé de sa substance.
L'art a longtemps été étroitement lié à la vie des masses, comme en témoignent les peintures rupestres de Lascaux, les représentations publiques de Shakespeare et les œuvres de la Renaissance, mais l'art moderne est devenu l'apanage d'une élite.
Cependant, l'essence de l'art réside toujours dans les sens du créateur et l'expérience du public.
Ce livre va au-delà d'une discussion philosophique sur l'art, présentant des exemples d'artistes contemporains tels que Marina Abramović, Antoni Gormley, Olafur Eliasson, Ai Weiwei, Alighiero Boetti, Tracey Emin et Rukritt Tirawanit, et suggérant des moyens spécifiques pour que l'art reprenne vie.
Vous aurez le sentiment que l'art peut aller au-delà de la création personnelle et devenir une plateforme de connexion sociale et de guérison.

L'art qui entre dans un musée d'art ne bouge plus.
Là, l'art se détache de la vie de ses spectateurs et se transforme en une relique intouchable.
Ceci est contraire à l'essence même de l'art.
L'art est né à l'origine au cœur de la vie, s'y imprégnant, stimulant les émotions et déclenchant les pensées.
Cependant, l'œuvre d'art qui entre dans un musée interrompt ce processus et devient un « document ».
--- p.22

La commercialisation de l'art s'est pleinement systématisée durant la révolution industrielle des XVIIIe et XIXe siècles.
Avec la maturation du capitalisme, le marché de l'art s'est structuré.
L'essor de la classe moyenne a accru la demande d'art, et avec l'apparition des galeries et des maisons de vente aux enchères, l'art est devenu un objet de propriété privée.
La fondation de la maison de vente aux enchères Christie's en 1766 est emblématique de cette tendance.
L'ironie de la situation, c'est qu'un génie comme Vincent van Gogh, à la fin du XIXe siècle, n'ait vendu aucune œuvre de son vivant, alors que ses créations se sont vendues à des milliards après sa mort, montre que l'art commençait à être influencé par la logique du marché.
--- p.41~43

L'œuvre de l'artiste, exposée au Museum of Modern Art de New York en 2010, représente l'apogée de la récupération sensorielle.
Pendant trois mois, Abramović est resté assis à table plus de sept heures par jour, établissant un contact visuel avec chaque membre du public.
Ils n'étaient liés que par le silence et le regard, sans mots ni gestes.
Ce simple geste a suscité une profonde réaction émotionnelle.
Certains spectateurs ont versé des larmes, d'autres ont souri, et d'autres encore ont repensé à des souvenirs enfouis depuis longtemps.
Un spectateur a déclaré : « J’ai revu dans ses yeux les visages de ma famille que j’avais oubliés », tandis qu’un autre a dit : « Dans le silence, j’ai entendu mon propre cœur battre pour la première fois. »
--- p.88~89

Le monde antique réprimait le corps comme source de péché et de désir, tandis que le Moyen Âge soumettait complètement le corps à la volonté de Dieu.
La modernité a fait de l'être humain le sujet, mais paradoxalement, elle a renforcé la domination de l'esprit plutôt que la libération du corps.
La vision rationnelle de l'humanité suppose que tout le monde possède la même rationalité et efface le besoin de « différence ».
Cela a conduit les humains à développer l'illusion d'être un « être universel », ce qui a finalement engendré l'égocentrisme, où le monde est jugé en fonction de soi-même.
Au final, cela a créé le mythe d'êtres autonomes plutôt que celui d'êtres vivant en communauté.
--- p.106

L'art a aussi été pour nous un moyen de vivre ensemble, malgré notre individualité marquée.
Par l'art, nous éprouvons de l'empathie et renforçons le caractère communautaire de la vie.
Alors que l'individualisme se répand dans la société moderne, nous nous isolons de plus en plus et devenons incapables de nous comprendre les uns les autres. L'art est l'outil le plus puissant dont nous disposons pour créer un espace d'empathie et nous reconstruire en tant que communauté.
--- p.116

Le chef-d'œuvre de Frida Kahlo, « Les Deux Fridas », est une œuvre qui exprime symboliquement sa double identité.
Ce tableau, qui représente Frida en tenue traditionnelle mexicaine et Frida en tenue européenne se tenant la main, exprime son héritage multiculturel et les conflits de son identité.
Cependant, cet ouvrage ne se contente pas de révéler un conflit ; il suggère que ces identités peuvent coexister, soulignant ainsi la possibilité de la diversité.
Par son œuvre, Frida a ouvert un nouveau chapitre en embrassant la diversité des identités et des voix, au-delà des limites de l'art standardisé.
--- p.133

Le plus grand avantage des médias sociaux est qu'ils abaissent le seuil de création et démocratisent l'art.
Auparavant, il fallait surmonter des barrières institutionnelles telles que les galeries, les musées et les conservateurs pour être reconnu comme artiste.
Mais désormais, vous pouvez présenter votre travail au monde entier avec une simple photo ou une courte vidéo.
Cela ouvre des perspectives, notamment pour les créateurs marginalisés par le monde de l'art traditionnel.
--- p.151

Si la photographie a donné naissance à Picasso et Van Gogh, quel genre d'artistes l'IA va-t-elle créer ? Je crois que l'IA n'est pas simplement un outil qui remplace l'art, mais plutôt un catalyseur pour repenser l'essence même de l'art.
Si la photographie a amené les artistes à se demander « Qu'est-ce que la vérité ? », l'IA interroge : « Qu'est-ce que l'humanité au-delà des machines ? »
Par exemple, même si une image générée par l'IA présente une composition parfaite, peut-elle véritablement saisir la souffrance, l'espoir ou la contradiction humaine ? --- p.170

Une œuvre d'art est la trace de la confrontation que l'artiste s'est imposée avec le monde ; elle témoigne de ses émotions, de ses souvenirs corporels et de son existence.
Nous ne devons pas seulement le « voir » avec nos yeux, mais y « entrer ».
C'est une expérience.
Si l'appréciation consiste à maintenir une certaine distance, l'expérience consiste à abolir cette distance et à se tourner vers l'intérieur.
J'y rencontre l'écrivain, je me regarde en arrière et je repense à notre existence.
--- p.230

La collaboration de Tom Sachs avec Nike a créé un cas sans précédent où « l'art peut se transformer en baskets ».
Son travail ne se limite pas au cadre de la « collaboration avec des marques ».
Il a plutôt instauré une nouvelle politique esthétique en opposant son esthétique DIY et sa critique de la culture de consommation au système populaire appelé Nike.
Son atelier fonctionne comme une usine, les chaussures devenant des objets d'expérimentation et un support de critique.
Cette collaboration va au-delà de la question « L’art peut-il devenir une marchandise ? » pour interroger « Comment une marchandise peut-elle devenir de l’art ? »
Dès l'instant où les consommateurs achètent des chaussures, ils font l'expérience de « marcher sur une œuvre d'art », ce qui crée une opportunité de transformer la consommation quotidienne en une pratique artistique.

--- p.251