Michael Craig-Martin, maître de l'art moderne, a finalement publié son ouvrage représentatif, « Être un artiste », en coréen.
Cette publication sera une occasion importante de transmettre de manière vivante le sens et les préoccupations de « vivre comme un artiste » à travers le regard d'un artiste contemporain.

Le livre explore avec honnêteté et humour ▲l'identité et l'attitude de l'artiste ▲le processus créatif et ses difficultés ▲l'éducation et le mentorat ▲les stratégies de survie au sein du marché et du système de l'art.
À travers cela, les lecteurs peuvent comprendre que la vie d'un artiste ne se résume pas à la création d'œuvres, mais constitue un dialogue avec l'ensemble de son environnement, son réseau de relations et son époque.

La publication de cette édition coréenne permettra non seulement d'introduire pleinement le discours sur l'art contemporain en Corée, mais constituera également un guide précieux pour les créateurs, les étudiants en art, les planificateurs culturels et tous ceux qui envisagent une vie artistique.

Même lorsque j'ai été acceptée à Yale, je ne me rendais pas compte que l'école que je fréquentais était l'une des plus importantes écoles d'art des États-Unis.
De plus, lorsque j'y suis entré, c'était l'âge d'or de l'École d'art de l'Université de Yale.

C’est là que j’ai réalisé que toutes mes conceptions et valeurs artistiques étaient erronées.
Il y avait un contraste saisissant entre l'art convenu que j'avais découvert au lycée et dans mes cours du soir de dessin, et l'art raffiné que les étudiants en art de l'université de Yale envisageaient. Leur approche artistique, leurs valeurs et leurs méthodes créatives étaient radicalement différentes.

J'ai réalisé que créer de l'art exige bien plus que de simples « bonnes intentions ».
L'art se compose d'un sens aigu, d'une quête de valeurs immatérielles, d'une exploration de soi-même et d'un talent remarquable.
--- p.43, extrait de « Yale University Art Students »

Décrire quelque chose en détail, c'est comme exprimer un dessin par des mots.
Lorsque nous découvrons une œuvre d'art pour la première fois, surtout si elle nous est inconnue et que nous ne savons pas comment l'aborder, nous commençons à nous la décrire.
La description est la manière la plus simple de « voir ».
En décrivant mon travail, j'essaie de répondre à des questions simples mais importantes.

Posez des questions comme : qu'est-ce qu'il y a là, à quoi ça ressemble, quelles sont ses dimensions, de quoi est-il fait, à quoi ne sert-il pas, quelles autres œuvres d'art lui sont similaires, etc.
Toutes les œuvres d'art sont ainsi.
Autrement dit, c'est la réponse à la question : « Qu'est-ce que c'est ? »
--- p.63, extrait de « Josef Albers »

Les artistes que j'admire le plus sont ceux qui ont développé une esthétique, une sensibilité, une approche, une attitude et une vision du monde uniques et cohérentes.
Il s'agit de quelque chose de plus fondamental qu'un simple style visuel identifiable, et cela se manifeste non seulement dans l'œuvre de l'artiste, mais aussi dans ses écrits, son travail de commissaire d'exposition, de collectionneur et dans d'autres activités qui dépassent le cadre de l'art.
Les artistes, pensant et travaillant à leur manière, cherchent à embrasser autant que possible l'expérience humaine et tentent de reconstruire le monde entier de leur propre point de vue.
--- p.
65, extrait de « L'artiste immortel »

Lorsque j'étais étudiant, Philip Guston a visité Yale.
Il animait des séances de critique en grand groupe auxquelles participaient la plupart des enseignants et des élèves.
Il était calme et généreux envers notre travail.
Les professeurs, pour la plupart des artistes expressionnistes abstraits de la deuxième génération, encourageaient leurs élèves à travailler dans le même style.
À l'époque, certains considéraient que le pop art naissant sapait non seulement les principes fondamentaux de l'expressionnisme, mais aussi les principes fondamentaux de l'art lui-même.
Un étudiant enthousiaste a posé la question suivante à Guston :

« Comment sauver l’art sublime du pop art ? »

Gustong a répondu comme suit :

« Méfiez-vous de ceux qui considèrent le « véritable » art comme menacé et qui projettent de le sauver. »
Et ne vous inquiétez pas, l'art se sauve tout seul.
--- p.76, extrait de « Philippe Guston »

Détachement ; ironie ; utilisation d'objets et d'images du quotidien ; recours aux images secondaires, aux unités répétées et aux procédés mécaniques ; préoccupations linguistiques et conceptuelles ; intérêt pour la psychologie de la perception et le rôle du spectateur ; fascination pour le réductionnisme et l'œuvre de Duchamp ; acceptation des significations inhérentes à une variété de matériaux et de procédés de production ; ouverture à l'utilisation de tous les matériaux ; estompement de la frontière entre culture savante et culture populaire ; distinction floue entre abstraction et représentation ; rejet des classes sociales ; rejet des valeurs absolues ; engagement envers un radicalisme né d'une remise en question constante des prémisses ou hypothèses fondamentales ; primauté de la simplicité, de la clarté, de la directivité et de l'immédiateté ; insistance sur le physique plutôt que sur le métaphysique ou le métaphorique — ces caractéristiques sont présentes dans les mouvements artistiques majeurs des années 1960 : le Pop Art, le Minimalisme et l'Art conceptuel.
Pour reprendre l'expression de McLuhan, les années 1950 ont marqué la fin de « l'art chaud » et le début de « l'art froid ».
--- p.92, extrait de « Minimalisme »

L'un des aspects les moins connus du conceptualisme est qu'il a remis l'attention au premier plan de l'art contemporain grâce à l'enquête philosophique, un changement par rapport à l'art pur, qui s'était traditionnellement concentré sur la forme, les matériaux et le processus pendant des décennies.
Le conceptualisme a élargi le champ de l'art moderne en abordant des sujets entièrement nouveaux, allant de l'observation détaillée de la vie quotidienne aux spéculations philosophiques et linguistiques audacieuses, des questions socio-politiques aux préoccupations émergentes du féminisme et de la politique sexuelle.
Dans ce nouveau contexte, les œuvres peuvent prendre toute forme que l'artiste juge appropriée à leur sujet, et peuvent être réalisées avec n'importe quel matériau.
--- p.138, extrait de « Art conceptuel »

L'art est-il une métaphore ? C'est de la poésie, pas de la prose.
L'art présente la vérité par le biais de procédés.
La plus grande crise aujourd'hui est la confiance aveugle accordée aux principes.
Le principauté ne parvient pas à comprendre et à apprécier la poésie et sa signification.
Parce que les fondamentalistes ne comprennent pas l'art, ils le craignent instinctivement et le rejettent systématiquement.
--- p.148, extrait de « Art et métaphore »

L'un des aspects les plus passionnants de l'art est sa diversité.
On commet toujours l'erreur de vouloir définir « ce qu'est l'art » et de restreindre cette définition à un champ d'application limité.
La diversité de l'art fait son charme.
L'art est la somme de tout ce qui porte son nom, une catégorie claire et facilement identifiable, mais un concept abstrait très difficile à appréhender.
Une œuvre d'art est une tentative et un produit de l'artiste visant à construire une forme d'expression de son monde et de ses expériences personnelles et à les transmettre aux autres.
Chaque œuvre d'art révèle ses propres valeurs importantes.
Chaque œuvre affirme clairement que ces choses sont importantes avant tout.
Des œuvres différentes paraissent différentes parce qu'elles suggèrent des valeurs différentes.
L'art continue d'évoluer tant que les gens perçoivent des valeurs différentes.
--- p.201, extrait de « Qu’est-ce que l’art ? »

Dans le domaine artistique, le talent est souvent confondu avec le potentiel.
Mais d'après mon expérience, les personnes talentueuses mais dépourvues de passion ont des limites.
En revanche, les personnes qui ne possèdent pas de talent particulier par rapport à leur passion ont le potentiel de découvrir, de développer et d'inventer quelque chose qui leur soit propre.
C’est ce que l’on appelle souvent « créativité ».
Les personnes passionnées ont plus de chances de réussir.
--- p.240, extrait de « La passion plutôt que le talent »

Au fil des ans, mon travail a été décrit par les critiques comme suit :

Il a été décrit comme :


Froid

C'est mécanique

manque d'émotions

Pas personnel

look britannique

gaspillage d'espace

gaspillage d'argent

Un gâchis de belles galeries

Le plagiat flagrant de Caulfield et Adami

Pas particulièrement intéressant à regarder ou à méditer.

ennuyeux

désagréable

Une cacophonie étourdissante de couleurs vives et intentionnelles.

vulgaire

décoratif

Un mélange déroutant de didactique et de commercial

Dépenser trop d'argent pour quelque chose qui n'arrive pas.

collyre

Faire semblant d'être attirante

intellectuel

Trop intelligent

faux intellectuel

sans signification

sans caractéristiques

râpé

à moitié vide

gratuit

mort

Encore vieux

--- p.309-310, extrait de « Quelques critiques médiatiques de mon travail »