Mes artistes privés et ma vie, l'art
La « trilogie artistique » de Yoon Hye-jeong est enfin terminée.

Des biennales aux galeries d'art de renommée mondiale, en passant par les ateliers d'artistes, les demeures de collectionneurs et même la paume de votre main.
Choses que j'ai vécues, enregistrées et dont je me suis souvenue dans le domaine de l'art

L'auteure Hye-Jeong Yoon (directrice de la galerie Kukje), figure de proue des arts et de la culture, a publié un recueil de ses expériences artistiques, « Certaines œuvres d'art ne disparaissent jamais », qui les condense en une structure spatio-temporelle, à partir des expériences artistiques accumulées depuis les années 1990. Ce recueil est publié par Eulyoo Publishing Co.
Ce livre est le dernier volet de la « Trilogie de l'art » de Yoon Hye-jeong, faisant suite à « Mes artistes privés » (2020), un recueil d'entretiens avec des maîtres de l'art moderne, et à « Vie, Art » (2022), un recueil d'essais qui explore l'art à travers cinq mots-clés : émotion, relation, travail, femmes et vie quotidienne, et se concentrant sur le « lieu » et la « temporalité » de l'art.
Autrement dit, elle collecte et met au jour des moments artistiques, des expériences, des connaissances et des pensées qui varient selon le contexte dans lequel l'œuvre est placée, depuis le vaste et lointain espace artistique de la « ville mondiale » jusqu'à la très proche et minuscule « main ».
Ce livre présente quinze histoires qui ont été conservées pendant longtemps, parmi lesquelles l'auteur a vu, entendu et ressenti au cours des 20 dernières années dans le domaine de l'art.
Des paysages variés de la Biennale de Venise aux différents gardiens veillant sur les prestigieux musées d'art du monde entier, les photographies de l'auteur, accompagnées de plus de 130 planches en couleur, enrichissent l'expérience du spectateur.

Art, expérience, témoignage, mémoire.
Lors de la publication de deux livres, j'ai noté plusieurs mots-clés qui s'étaient accumulés ou avaient été gravés à plusieurs reprises dans mon carnet.
Ces mots polis et ordinaires se tortillaient sur place, bougeaient, dansaient et se balançaient.
Le pays secouait les gens, les réveillait, parfois les endormait, puis les réveillait à nouveau.
Je n'ai rien découvert de nouveau sous le soleil.
J'ai retrouvé les innombrables moments de joie, de surprise, de désespoir et d'émotion que j'avais vécus.
En fouillant dans l'album photo de mon téléphone, mes vieilles notes et mes vieux manuscrits, j'ai réalisé que rien ne disparaît vraiment tant que quelqu'un s'en souvient avec soin.
Qu’il s’agisse d’une exposition temporaire, d’un lieu d’exposition d’œuvres d’art, d’une histoire d’art qui ne fait que courir après des chimères, ou de quelque chose que le monde a oublié, c’est nous qui la maintenons en vie : nous qui l’expérimentons, la contemplons, nous en souvenons et la consignons.

---Extrait du « Prologue »

L'artiste a consacré toute sa vie à la création vidéo, convaincu que tout dans le monde est en mouvement.
Cependant, à travers ce travail, le concept de mouvement est étendu à la sphère intérieure de l'être humain.
« Ce n’est pas la montagne qui bouge, mais votre cœur. » Puis Viola tourne son regard vers nous et nous demande :
Existe-t-il véritablement une vérité immuable dans ce monde, dans le monde qui m'entoure ? Si oui, quelle est-elle ?
Comment définir et accepter le concept d'immuabilité ?


L'exposition étant terminée, l'œuvre de Viola, désormais tombée dans l'oubli, me revient encore de temps à autre à l'esprit.
Est-ce la montagne dont je me souviens dansant doucement le long des vagues ondulantes, ou est-ce la montagne qui a essayé de garder son sang-froid mais a échoué à maintes reprises ?
Moving Stillness : Mount Rainier 1979 est une œuvre qui me permet de ressentir intuitivement les vagues et les turbulences de mon esprit, un monde vaste, profond et pourtant mal compris.

---« 1.
Extrait de « Sur le mouvement »

J'ai commencé à penser que ce sentiment de nécessité que je ressentais à chaque fois que je visitais la Biennale de Venise pouvait provenir des innombrables obstacles que je sentais devoir surmonter.
La difficulté de l'art, le prestige du grand capital, l'authenticité de l'art moderne, les doutes à son sujet et les doutes sur moi-même, luttant aveuglément dans les interstices qui les séparent…
Tout cela constituait un seuil.
Les attentes démesurées selon lesquelles le monde dont nous rêvons et que nous désirons se dévoilera une fois cette étape franchie ont transformé le seuil d'un terrain d'entente libre et abondant en un haut mur.
Bien sûr, il serait naïf de penser que, parce que j'ai attendu et franchi le seuil du désespoir toute la journée, je deviendrai indifférent au conflit entre la réalité et les idéaux, totalement exempt de FOMO (la peur de manquer quelque chose), ou que j'oublierai complètement la fatigue liée aux musées.
Je veux simplement me souvenir du frisson et de la libération de l'instant où j'ai réalisé que je n'existerais peut-être pas au bout du monde, sur cette île que je n'avais jamais envisagée comme destination ultime.

---« 2.
Extrait de « Franchir le seuil »

Lee Ufan n’utilise pas les expressions « création » ou « création » dans son œuvre.
Pour lui, l'art ne consiste pas à créer quelque chose de nouveau qui n'a jamais existé auparavant, mais à redécouvrir ou à reconstruire quelque chose qui existait déjà.
C’est pour la même raison que Lee Ufan tente constamment d’effacer sa propre existence dans son œuvre.
Il se méfie de l'attitude des artistes qui objectivent dans leurs œuvres une forte conscience de soi, des idéologies claires ou des concepts spécifiques.
J'avoue que je n'aime ni les œuvres qui submergent le spectateur par leur présence, ni celles qui imposent une logique excessive.
Les gens modernes sont enthousiastes et désirent ardemment l'art en tant qu'objet, mais même si ses œuvres se vendent chaque jour à des prix de plus en plus élevés, Lee Ufan estime que l'art lui-même est un domaine profond qui ne peut jamais être capturé comme un objet.
Si les sculptures et les peintures de Lee Ufan semblent ascétiques, c'est en raison de la simplicité de leurs formes et de leur stricte retenue, mais aussi, paradoxalement, en raison de la conviction obstinée de l'artiste de minimiser l'ego.

---« 3.
Extrait de « Redécouvrir les relations »

En écoutant les histoires des collectionneurs, on réalise parfois que cela ne se limite pas aux œuvres d'art.
Le désir de collectionner en dit bien plus que nos goûts ou notre situation financière.
Leur vie, leur perspective, leur direction et leur philosophie se reflètent dans l'œuvre qu'ils ont vue, ressentie et qu'ils ont finalement décidé de conserver.
Les récits sur la façon dont l'art a contribué à une vie meilleure se transforment souvent en exemples frappants de la contribution de l'art à notre monde, et c'est de là que vient l'inspiration.
Je pense donc qu'un véritable collectionneur est plus proche d'un idéaliste que d'un réaliste à l'esprit vif.
Des personnes qui développent une affection intense pour ceux qui les fascinent, qui en prennent pleinement conscience et qui se délectent d'exprimer leurs sentiments comme des enfants.
Leur bonheur ne provient pas simplement de la possession de quelque chose, mais de la possibilité de le partager d'une manière ou d'une autre.
Dans la plupart des cas, il est difficile de concilier propriété et partage, mais pour l'art accessible à tous, c'est possible.

-« 4.
Extrait de « Posséder, Partager, Aimer »

Les ondes invisibles créent la couleur, et les ondes sonores inaudibles créent le son.
Nous avons tendance à croire aveuglément ce que nous voyons et entendons, mais c'est peut-être l'invisible et l'inaudible qui constituent le monde.
Dans cet état de vulnérabilité, avec pour seule compagnie la lumière et la musique, je ne pouvais que me concentrer sur moi-même et sur le moment présent.
Il faut du courage pour enlever son armure et son casque un instant et se laisser aller à ses sensations physiques.
Il faut aussi faire des efforts pour déterminer l'utilité de l'art — s'il nous fait oublier, dissimuler ou reconnaître la souffrance.
Ce sentiment intérieur est lié aux émotions et à l'esprit, et à une « découverte » de notre façon d'exister.
McQueen a utilisé mon corps, ancré dans cet espace vide, comme un récepteur et un locuteur philosophique, intellectuel et émotionnel, et nous avons communiqué sans mots.

---« 5.
Extrait de « Dans l’abîme de lumière et de son »