Guide de mise en scène basé sur la psychologie : concevoir les émotions par l’instinct, et non par le sentiment

Ce livre présente des principes de mise en scène fondés sur « l'instinct humain » plutôt que sur de simples techniques, à l'intention de ceux qui ont envisagé la mise en scène en se basant sur de vagues « impressions ».
S’appuyant sur 20 ans d’expérience dans le domaine de la radiodiffusion, l’auteur analyse systématiquement, du point de vue de la perception, de la cognition, de la psychologie évolutionniste et des neurosciences, les scènes sur lesquelles les téléspectateurs concentrent leur attention, les structures qui éveillent leurs émotions et la manière dont ils s’immergent dans un programme.
Ce livre, qui explique l'intégralité du processus de réalisation, de la narration à la conception émotionnelle, en passant par la composition des scènes et le montage, à travers le prisme de la psychologie, est structuré de manière à ce que chacun puisse facilement le comprendre grâce à de nombreux exemples tirés de films, de séries dramatiques, de divertissements et d'animation.
Il servira de guide pratique pour transformer le « ressenti » de la réalisation en « compréhension », non seulement pour les débutants en production vidéo, mais aussi pour les réalisateurs professionnels, les YouTubeurs et les créateurs.

Avant d'aborder la question de la conception des scènes, il y a une chose qu'il faut absolument garder à l'esprit.
« Pourquoi réalisons-nous ? » Bien sûr, c'est pour atteindre l'objectif prévu pour la vidéo.
Dans mon précédent ouvrage, « Les fondamentaux de la réalisation audiovisuelle », j’ai défini la réalisation comme suit.
« La mise en scène consiste à rendre l'histoire voulue immersive jusqu'à la toute fin. » C'est comparable aux compétitions sportives.
Le réalisateur (=producteur) fait en sorte que les joueurs suivent les tactiques (=l'histoire qu'ils essaient de raconter) jusqu'au bout (=les immerge jusqu'à la fin) afin de gagner (=atteindre l'objectif).
Rappelons-nous la stratégie que M. Ahn a mise au point pour vaincre le roi de la montagne dans Slam Dunk.
Song Tae-seop perce la défense pressante, Jeong Dae-man et Seo Tae-woong mènent l'attaque, et Chae Chi-su et Kang Baek-ho dominent la raquette et les rebonds.
Si chacun fait sa part, même un retard de 20 points peut être comblé, mais si une seule personne s'effondre, la partie est terminée.
La mise en scène est du même acabit.
Chaque scène de la vidéo est un « joueur ».
De même que les cinq joueurs de Bukhansan se réunissent pour perfectionner leurs tactiques, les scènes s'enchaînent pour former une seule et même histoire.
Et tout comme à Bukhansan, si une seule scène ne remplit pas son rôle, l'immersion est rompue et l'intention du réalisateur n'est pas transmise.
Par conséquent, le réalisateur, à l'instar de M. Ahn, doit attribuer un rôle clair à chaque scène.
Et pour réussir ce rôle, il faut immerger le spectateur dans la scène.
--- Extrait de « Le rôle de la scène »

Comprendre les processus cognitifs humains fournit une ligne directrice claire pour tous les éléments de la mise en scène, depuis la manière de gérer les émotions, la structuration des histoires et des scènes, jusqu'à l'agencement des coupes, les mouvements de caméra et même le traitement audio.
Pourtant, beaucoup de gens l'oublient.
La raison est simple.
Les processus cognitifs se déroulent si rapidement et si automatiquement qu'ils sont perçus comme des instincts qui ne nécessitent aucune remise en question.
C'est là que le problème commence.
Comme tout le monde possède des instincts, sur le terrain, on les regroupe simplement sous le terme de « ressenti ».
Il n'y a alors qu'un échange d'évaluations du type « On a le sens du toucher, on n'a pas le sens du toucher », mais cela ne devient pas un véritable sujet de recherche.
Même dans la réalité, il est rare de trouver un réalisateur qui conçoit une scène en tenant compte du processus cognitif.
Cela s’explique soit par le fait qu’ils ne ressentent pas le besoin d’un enseignement des processus cognitifs, soit par la conviction profondément ancrée que « Comment peut-on enseigner un sentiment ? Il ne se développe qu’après avoir vu, pris des photos et collé des images. »
Même ceux qui aspirent à devenir réalisateurs le tiennent pour acquis et tentent de développer un « ressenti » sans substance, sans que personne ne s'y oppose.
Mais je peux affirmer avec certitude que le « ressenti » dont nous parlons en matière de réalisation peut être développé en comprenant et en appliquant les processus cognitifs humains.
Le conseil ancestral d’« observer les gens » signifie en fin de compte observer comment les émotions interviennent dans les processus cognitifs et guident le comportement.
Il n’y a donc pas lieu de s’inquiéter et de dire : « Je ne ressens rien, c’est pour ça que c’est difficile. »
--- Extrait de « Quel type d'émotions devrions-nous concevoir ? »

Mais ce « coup de Dieu » ne peut être utilisé à tout moment.
Puisqu'il s'agit d'une arme qui suscite des émotions, elle devrait être utilisée dans la première moitié du processus cognitif au cours duquel les émotions surviennent - « réception des sensations - perception - attention ».
Pourquoi ? Parce qu'à partir des dernières étapes, l'intervention du réalisateur devient nettement plus difficile.
Lorsque le spectateur entre dans la phase de « mémoire », il ou elle commence à interpréter consciemment la scène.
Cela signifie que vous commencez à réfléchir de manière critique en reliant la scène à des scènes précédentes et en la comparant à vos propres expériences.
Même si l'on tente de susciter des émotions en attirant l'attention, cette technique s'avère de moins en moins efficace pour les spectateurs.
Les étapes suivantes, « réflexion/raisonnement » et « jugement/prise de décision », sont encore plus désespérées.
Tenter de susciter des émotions à ce stade, c'est comme « fermer la porte de l'étable une fois que le cheval s'est échappé ».
L'interprétation de la scène étant quasiment achevée, si vous essayez de faire appel à leurs émotions, le spectateur ne fera que ricaner.
À l'heure actuelle, la seule façon de survivre est la persuasion rationnelle, et non la persuasion émotionnelle.
Cela signifie que les scènes, les personnages et l'histoire doivent tous être logiquement convaincants pour le spectateur – mais on peut se demander si cela est possible.
La dernière étape, l'étape de « réaction/exécution de l'action », est littéralement la « fin ».
Les téléspectateurs sont déjà parvenus à leur conclusion.
« Cette scène est ridicule ! », « Pourquoi le personnage principal est-il comme ça ! », « Arrêtons de regarder… » Désormais, peu importe la manière dont vous réalisez le film, il est difficile de revenir en arrière.
Vous pouvez considérer cela comme impossible.
--- Extrait de « Les émotions commencent par le regard »

Comme pour toutes les techniques de production vidéo, celles-ci ne peuvent être qualifiées d’« incontournables » ou d’« essentielles ».
Il vous suffit de choisir la technique adaptée à la situation.
Ne vous souciez pas de ce que pensent les autres, de ces remarques comme « Les bases ne sont pas là, la grammaire vidéo est catastrophique, etc. », basées sur des techniques qui ne sont que de simples méthodes.
En revanche, nous devons faire attention au bien-être des téléspectateurs.
Leur stabilité est importante.
Je recommande donc de n'utiliser des ajustements de marge extrêmes que lorsque vous devez exprimer votre intention.
Une œuvre qui ne tient pas compte du spectateur n'est qu'une œuvre d'art en soi, et aucun spectateur n'est disposé à subir la pression d'apprécier cette œuvre.
--- Extrait de « L'espace dans le cadre »


L’instinct de « recueillir des informations pour survivre » est la norme qui détermine la gamme des calibres de plombs.
Autrement dit, il sert de base pour déterminer « où et dans quelle mesure le personnage sera présenté ».
Par exemple, sauf intention spécifique, un gros plan inclut généralement la zone allant du visage à la clavicule.
Cela s'explique par le fait que le spectateur active inconsciemment le principe de « fermeture ».
En suivant la ligne « visage-cou-épaule-clavicule » en gros plan, le cerveau complète le reste du corps pour déduire la forme générale de la personne.
C'est le résultat de l'instinct évolutif qui consiste à déduire la forme entière d'un animal même lorsqu'on n'en voit qu'une partie dans la forêt.
Mais que se passerait-il si l'écran était coupé au niveau du cou ? De même que le spectateur éprouverait un malaise car il ne pourrait pas imaginer la taille du corps du prédateur, il se sentirait gêné et mal à l'aise car il ne pourrait pas imaginer le reste de la silhouette du personnage.
Il en va de même pour les articulations.
Les coudes, les poignets, les genoux et les chevilles sont des repères essentiels pour prédire les mouvements ; si l'écran est coupé à ces endroits, le cerveau se tend car il ne peut plus deviner le mouvement suivant.
En définitive, les humains sont des êtres qui tentent de prédire « ce qui va se passer ensuite » grâce à l'information visuelle, et l'immersion est maintenue lorsque cette prédiction est possible.
--- Du point de vue de la caméra

Durée : 10 minutes, 1 heure, 2 heures…
Toutes les images sont des médias soumis au flux du temps.
Par conséquent, tous les principes que nous avons examinés jusqu'à présent doivent finalement être coordonnés dans le temps et connectés en un flux unique.
Le montage est ce qui rend ce processus possible.
Autrement dit, le montage ne consiste pas simplement à relier les plans, mais bien à l'étape finale qui consiste à tisser les émotions voulues en un récit cohérent.
Mais il y a autre chose qui agace réellement les réalisateurs pendant le montage proprement dit.
C’est le phénomène de « la coupure qui ressort ».
Maintenant, je ne pense pas que ce soit grave d'avoir une coupure qui ressort, mais à l'époque, j'essayais aussi très fort de me débarrasser de cette coupure.
J'avais peur qu'une simple erreur ne me fasse passer pour un éditeur incompétent.
Bien sûr, le fait qu'une personne soit mise à l'écart ne signifie pas qu'elle est incompétente.
Mais il est également vrai qu'une vidéo fluide contribue à maintenir l'attention des spectateurs.
En effet, pour rester immergés, les spectateurs doivent avoir le sentiment que l'histoire se poursuit dans le même espace et le même temps.
Cependant, si l'écran est coupé de manière abrupte, le spectateur remarquera d'abord que le montage est maladroit plutôt que l'histoire, et à ce moment-là, l'immersion est rompue.
Par conséquent, dans ce chapitre, nous aborderons le montage vidéo sans coupures, ou « montage de continuité ».

--- Extrait de « Comment ne pas se faire remarquer »