Le quatre-vingtième livre de la série « De toute façon ».
Voici un nouvel essai de Lee Yuri, figure emblématique de la vulgarisation artistique, qui communique avec les lecteurs à travers des œuvres telles que « Women Who Torn the Canvas » et « The Tilted Museum ». Elle y exprime avec sincérité ses sentiments et ses expériences vécues lors de ses nombreuses visites dans les musées.
Alors que ses œuvres précédentes se concentraient principalement sur la mise en lumière des problèmes liés aux structures de pouvoir et aux inégalités qui entourent les artistes et leurs œuvres, « Anyway, Art Museum » contient des histoires plus personnelles et quotidiennes.
L'auteur évoque les moments inoubliables de sa vie que lui a offerts le musée d'art, et raconte d'une voix calme mais intime comment il y a trouvé réconfort et épanouissement.

Depuis mes souvenirs d'enfance où je créais ma propre galerie d'art en découpant des tableaux célèbres dans les journaux et les magazines, jusqu'à mon séjour d'études à Londres où je fréquentais les galeries si souvent que les seuils étaient usés, et jusqu'au moment où je me suis tenue devant les peintures de Cheon Kyung-ja et où j'ai décidé de commencer une nouvelle vie, ce livre est rempli d'histoires sur les galeries d'art que j'ai rencontrées à chaque étape de ma vie.
De plus, en tant que passionné de musées d'art, il ne manque aucune information intéressante sur les petits détails que nous aurions pu ignorer dans les musées, comme les cadres, les objets exposés et les histoires qui se cachent derrière les œuvres intitulées « Sans titre ».

Comme l'a dit l'auteur : « J'ai écrit ce livre comme si je me promenais dans une galerie d'art avec un lecteur inconnu », après l'avoir lu, vous aurez l'impression d'avoir déambulé en sa compagnie dans une galerie d'art paisible.

Si vous regardez des tableaux aussi souvent, à un moment donné, votre vision s'ouvrira.
La plupart des musées d'art collectionnent et exposent des œuvres d'époques similaires.
Bien que les artistes soient différents, les thèmes et les matériaux sont similaires, de sorte qu'à un moment donné, un motif commun attire votre attention et vous percevez naturellement le message que le tableau tente de transmettre.
Par exemple, je ne savais même pas que le mot « nature morte » signifiait « peinture de nature morte ».
Mais lorsqu'on visite l'exposition consacrée aux artistes hollandais et flamands des XVIe et XVIIe siècles, on découvre un défilé incessant d'œuvres représentant des crânes, des fleurs et des chandeliers.
Les bougies du tableau s'éteignaient, les fleurs se fanaient et les fruits pourrissaient.
Bien que personne ne me l'ait expliqué, après avoir longtemps vu des œuvres similaires, je pouvais naturellement ressentir le vide qui se dégageait de ces tableaux.
Ce n'est que plus tard que j'ai appris qu'il s'agissait de natures mortes appelées « Vanitas », ce qui signifie vide ou insignifiance en latin.
La vérité, c'est que peu importe notre beauté, notre richesse ou notre célébrité, nous sommes tous des êtres voués à mourir un jour.
Le genre pictural qui enseignait la leçon du Memento Mori, ou « souviens-toi que tu vas mourir », était la nature morte.
--- pp.19-20

Voilà ce qu'est l'art authentique et dérangeant.
Cet être même qui court vers moi, un lâche, saisit les cheveux du préjugé qui a pris racine profondément dans mon cœur et les arrache sans pitié, jusqu'aux racines.
C’est pourquoi les musées d’art deviennent parfois des lieux de réflexion.
J'y suis entré pour voir une œuvre d'art, mais j'en suis ressorti face à moi-même.
--- pp.38-39

À bien y réfléchir, des espaces comme les galeries d'art et les musées sont assez particuliers.
En entrant dans ce lieu, le public vit une expérience inédite : celle de devenir lui-même une œuvre d'art grâce au « pouvoir » de l'espace.
Pas seulement les gens.
Il en va de même pour les objets qui pénètrent dans cet espace.
Par exemple, la chaise placée dans le coin de la galerie d'art n'est en réalité qu'une chaise de repos pour le gardien de l'exposition.
Mais n'y a-t-il pas eu un moment où vous vous êtes tenu à distance et l'avez observé parce que cela vous semblait, d'une certaine manière, une œuvre d'art ?
--- pp.51-52

Regarder une image, c'est comme avoir une conversation avec soi-même ou avec quelqu'un d'autre.
Les femmes qui visitaient l'exposition seules contemplaient les œuvres qui se trouvaient devant elles, se posant des questions et réfléchissant.
Cette question a soulevé des interrogations sur l'ordre établi, et elle a favorisé une vision du monde indépendante et subjective.
La vision du monde qui a germé dans l'esprit des femmes à cette époque était complètement différente de « l'image traditionnelle » imposée par le patriarcat.
Le musée a donné des ailes à leur imagination, et l'imagination a aidé les femmes à se libérer du moule patriarcal et à franchir « le seuil » (selon les mots de la poétesse Adrienne Rich).
Qu'y a-t-il au-delà du seuil ?
Personne ne le savait.
Même les femmes elles-mêmes.
--- p.72

Pourquoi est-ce que je me sens épuisée et que j'ai les pieds en feu, comme si j'avais marché à travers le pays pendant trois heures ?
J'ai la tête qui tourne et je me demande : « Est-ce que ça, c'est jaune ? Est-ce que ça, c'est rouge ? »
Il s'avère que ce symptôme a un nom.
On l'appelle « jambe de musée ».
Ce n'était pas seulement mon problème isolé, c'était un phénomène que beaucoup de gens ont vécu.
Mais même après avoir visité non seulement de grands musées comme le Louvre, mais aussi des musées plus petits, nous souffrons souvent de « jambes de musée ».
Mais pourquoi donc ?
--- p.84

Lorsque vous parcourez une galerie d'art, vous croiserez des cadres aussi souvent que des tableaux.
Bien qu'il s'agisse d'un rôle de soutien qui contribue à faire ressortir le tableau, il arrive parfois que le cadre lui-même attire le regard.
Un jour, j'ai soudain regardé le cadre qui était fixé au tableau comme s'il ne faisait qu'un, et cette pensée m'est venue à l'esprit.
« Le cadre photo est pour moi une ancre, une voile et un piège. »
--- p.107

Selon Alain de Botton, la véritable essence des visites de musées réside dans la possibilité de voir le monde à travers le regard des artistes et d'examiner de près ce qu'ils aimaient.
C’est pourquoi l’important est de mettre la main sur des objets que l’artiste aurait aimés, des objets (des biens !) qui font écho à son univers artistique.
Si vous y réfléchissez bien, c'est vrai.
Les leçons que nous tirons des musées — la signification de la beauté, l'élargissement de l'esprit — disparaissent généralement comme par magie dès que nous les quittons.
Cependant, les souvenirs conservent longtemps dans nos cœurs les impressions ressenties au musée et servent de pont qui nous relie en douceur à notre vie quotidienne.
On peut donc dire que les boutiques de souvenirs sont à l'avant-garde de la popularisation et de la compréhension de l'art dans la société moderne.
--- pp.118-119

Oui, c'est exact.
C’est la limite inhérente aux musées d’art.
Même « l’esprit de résistance qui vient de surgir » risque de perdre de sa vigueur originelle dès qu’il franchit le seuil d’un musée d’art.
Parce que les musées d'art sont des structures institutionnelles qui protègent et gèrent les œuvres d'art, l'art qui y est reconnu rencontre aisément les visiteurs.
Mais il existe aussi un risque important que les messages provocateurs soient neutralisés.
Parfois, l'alliance entre artistes et galeries d'art semble être un pacte faustien.
Car, au sein de l'autorité du musée d'art, il existe un risque que la voix subversive de l'artiste soit affaiblie ou interprétée de manière neutre.
Même l'Olympia, autrefois si tranchante, fut complètement désarmée en entrant au musée d'Orsay, et la satire mordante de Banksy fut absorbée par l'autorité conférée par le système dès l'instant où elle pénétra dans la « zone propre » du musée d'art.
Rien d'étonnant à ce que la blague soit devenue : « La façon dont un musée d'art aime un artiste est comparable à la façon dont un taxidermiste aime un cerf. »
--- pp.135-136

Peut-être que chacun vit avec sa propre galerie d'art dans son cœur.
Un espace intérieur où s'exposent tous les fragments de la vie, des rêves d'enfance et des souvenirs des premiers échecs aux traces d'amour et de perte.
Parfois, on ne jette même pas un œil dans une pièce restée fermée longtemps et recouverte de poussière.
Mais si l'occasion se présente, la pièce pourra être rouverte.
--- pp.145-146

Chaque fois que je vais dans une galerie d'art ou un musée, je confirme involontairement ma propre ignorance.
Dès que je vois le titre de l'œuvre exposée, je suis envahi par un sentiment d'autodestruction.
Prenons par exemple le Trésor national n° 170, un pot en porcelaine blanche orné d'un motif de prunes et de bambous bleus et blancs, conservé au Musée national de Corée.
Je l'ai clairement lu en coréen, mais je n'ai aucune idée de ce que cela signifie.
Je ne sais même plus où m'arrêter de lire.
Cela s'explique par le fait que les caractères chinois ont été convertis mécaniquement en caractères coréens.
Ma confusion n'a été dissipée que lorsque j'ai vu le titre anglais écrit dessus.
Pot en porcelaine blanche avec couvercle, décoré de prunes, d'oiseaux et de bambous en bleu cobalt sous couverte.
« Ah, un pot en porcelaine blanche avec couvercle, orné d'une peinture bleu cobalt représentant une fleur de prunier, un oiseau et du bambou ! » Le titre anglais est plus simple et plus clair, alors je me demande ce qui se passe.
Ceci n'est pas les États-Unis, ceci est la Corée du Sud.
--- p.149

Le musée expose les œuvres d'artistes qui ont déjà tourné la dernière page de leur vie et refermé le couvercle.
Mais ce que nous découvrons, ce ne sont pas seulement quelques œuvres peintes vers la fin de leur vie.
L'exposition présente également de nombreuses traces laissées par l'auteur alors qu'il dérivait dans le vaste océan de la vie, incapable de trouver la réponse.
Je les imaginais debout devant, leurs yeux innocents tenant un pinceau, sans savoir ce que l'avenir leur réservait.

--- p.167