Remerciements

Introduction : « Art » et sociologie
Questions clés
Structure et finalité
Comment consulter

Partie 1
Théorie : Passé, Présent, Futur

1.
Réflexions sociologiques sur l’« art » ● David Inglis
introduction
Contester « l’art »
Contester les « artistes »
« Art » et « Société »
« Monde de l’art »
conclusion

2.
Quand l'art devient-il art ? Une évaluation de la théorie du champ artistique de Pierre Bourdieu ● Jeremy Lane
introduction
Conditions sociales de l'acceptation de l'art
Conditions sociales de la production artistique
Origines historiques de la production autonome
conclusion

3.
Le corps féminin dans la pratique artistique des femmes : vers une approche sociologique féministe ● Alexandra Howson
introduction
Production artistique féminine
La politique du corps féminin dans l'art des femmes
Psychanalyse, postmodernisme, culture visuelle
Poststructuralisme, philosophie et (encore une fois) psychanalyse
Féminisme et art aujourd'hui
conclusion

4.
Un « nouveau » paradigme pour la sociologie de l’esthétique ● Robert Witkin
introduction
abstrait
système de symboles
système social
système perceptif
système tactile
système visuel
systèmes corporels
conclusion
Remerciements

5.
Esthétique invisible et travail social de la culture marchande ● Paul Willis
introduction
Le sens de la vie quotidienne
Créer une culture produit et une signification informelle
produits culturels
Rendre l'invisible visible
Représentation de l'invisible
Mondes de l'art privé et public
conclusion
Remerciements

6.
Études culturelles et sociologie culturelle ● Janet Wolff
introduction
Entre « vie sociale » et « texte »
Sociologie et « culture »
Conclusion : Vers la réconciliation

7.
La sociologie de l'art : entre cynisme et réflexivité ● David Inglis
introduction
hypothèses implicites
l'ubiquité du pouvoir
L'impérialisme en sociologie
Bourdieu contre lui-même
conclusion

Partie 2
De la théorie à la pratique : études de cas en sociologie de l'art

8.
Cadres pour percevoir la vieillesse : une perspective sociologique sur le vieillissement dans la peinture victorienne ● Mike Hepworth
introduction
Vieillesse et histoire de l'art victorien
Frederick Walker et [Port de refuge]
Hubert von Herkomer et [Le Dernier Rassemblement]
Hubert von Herkomer et [Une scène de Twilight : l'assemblée de Westminster]
réactions complexes
conclusion

9.
L'essor et la chute de l'art (House) Films ● Andrew Tudor
introduction
Établi (1918-1939)
Consolidation (1950-1970)
Fragmentation (1970-2000)
conclusion

10.
Opéra, modernité et place de la culture ● Alan Swingewood
introduction
Modernité, discours opératique et pouvoir
Théoriser la modernité
Esthétique et culture
Modernité et opéra vénitien
Opéra de cour et opéra bourgeois
Opéra classique et opéra moderne
conclusion

11.
« Musiques du monde » et mondialisation du son ● David Inglis et Roland Robertson
introduction
L'essence de la « musique du monde »
Catégories de musique du monde
Organisation sociale de la musique du monde
Musique du monde et mondialisation
L'ambivalence de la musique du monde
conclusion

12.
« Le grand art » et le marché : le partenariat difficile du monde transnational du ballet ● Helena Wolf
introduction
L'émergence d'un monde du ballet transnational - Politique, mentors et mécènes
Marchés, ballet et méfiance
Les meilleurs danseurs : Noureev et son maire
Échange : Ballet et affaires
Conclusion : Le ballet sur le marché mondial

13.
Reconstruire le centre : une approche sociologique de la reconstruction de Berlin ● Janet Stewart
introduction
Formalisme contre fonctionnalisme
Discours architectural et discours sociologique
Vers la dialectique
Architecture et crise postmoderne
Un modèle pour l'architecture du XXIe siècle ?
conclusion

Références
À propos de l'auteur
Note du traducteur
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À quel moment une œuvre d'art devient-elle de l'art ? Quel est le lien entre l'art et la société ?
Une manière d'aborder conjointement l'esthétique et les questions sociales.

Qui peut être qualifié d'artiste ? Les sociologues s'intéressent à démystifier les concepts de « grand artiste » et d'« artiste romantique ».
Une façon de contester cette idée est de souligner qu'aucun artiste ne produit son œuvre entièrement seul.
Qu’ils peignent ou écrivent de la poésie, leur travail repose directement ou indirectement sur toute une chaîne d’autres personnes.
Au Moyen Âge et à la Renaissance en Europe, la production culturelle était réalisée à la demande de puissants mécènes tels que le pape ou de riches nobles.
Les acteurs culturels travaillaient sous des contraintes évidentes, devant créer des œuvres d'art qui satisferaient les mécènes.
Au XIXe siècle, le mécénat avait décliné en tant que facteur de production culturelle, mais contrairement aux époques précédentes où les artistes commandaient des œuvres à de riches mécènes, les artistes devaient désormais vendre leurs œuvres à des intermédiaires tels que des marchands d'art, les exposer dans des galeries et se faire un nom grâce aux critiques.
De cette manière, les artistes ont occupé de nouvelles positions, en accord avec la division culturelle particulière du travail et les relations sociales auxquelles ils appartiennent au fil du temps.
Ces changements de conditions sociales ont eu pour effet d'encourager ou de décourager certaines formes de pratique artistique.


Ainsi, la sociologie de l'art, dans son processus de consolidation académique, s'est concentrée sur la manière dont les éléments expressifs et symboliques de la culture se forment à travers divers systèmes sociaux, et a dépassé la simple théorie de la réflexion pour analyser l'influence de facteurs externes tels que la technologie, le droit et la réglementation, les formes organisationnelles, les structures industrielles et les marchés sur la production, la distribution et la consommation des produits culturels.
Mais pour les esthéticiens, cela réduisait les grandes œuvres d'art à de simples résultats de processus sociaux, et risquait en outre de rendre l'existence et le rôle de l'art, intimement liés aux relations complexes de la société, excessivement passifs.
Par conséquent, depuis le milieu des années 2000, un débat s'est développé dans les milieux universitaires sur la nécessité de rétablir de manière plus équilibrée la relation entre sociologie et esthétique dans la sociologie de l'art.
Autrement dit, nous devons réintroduire l'art dans une approche socio-scientifique de l'art et promouvoir un dialogue constructif entre esthétique et sociologie, en transcendant la dichotomie entre l'esthétique et le social.

Une analyse approfondie de la sociologie critique

Ce livre constitue un point de départ pour entreprendre des démarches visant à résoudre ces problèmes.
Tout au long de cet ouvrage, l'appel à communiquer et à raisonner avec des choses opposées est multiforme et varié.
Il s'agit d'une critique du fait que la recherche en sociologie de l'art a été excessivement biaisée en faveur d'explications non artistiques et sociales.
Dans cet ouvrage, Inglis soutient que la sociologie critique de l'art d'aujourd'hui, qui hérite de la tradition de Kant à travers Marx et Nietzsche, hérite de l'idée de Rousseau selon laquelle « tout est fondamentalement lié à la politique » en ce qu'elle assimile pouvoir et culture et considère le monde de l'art comme un champ de lutte pour le pouvoir.
Partant de ces prémisses, il pose la question suivante :
Si la sociologie critique remet en question le bon sens et s'attache à démêler les conflits d'intérêts fondamentaux, pourquoi ne remet-elle pas en question les présupposés mêmes qu'elle présuppose ? En bref, l'argument est le suivant : si la sociologie de l'art propose des critiques acerbes d'autres disciplines comme l'histoire de l'art et l'esthétique, elle omet de porter un regard critique similaire sur elle-même.


Il existe une énorme différence entre une approche cynique et dédaigneuse des problèmes de l'art et du discours qui l'entoure et une approche qui privilégie un scepticisme sain et impartial.
Les sociologues devraient éviter de tomber dans le premier piège et adopter le second.
En particulier, l'argument d'Inglis selon lequel même la critique esthétique de la sociologie de l'art peut constituer un « coup d'État intellectuel » et une « révolte d'esclaves » visant à usurper le pouvoir discursif du monde de l'art est pertinent et significatif.
L'argument de ce livre selon lequel « cette discipline, qui se considère comme critique, n'a pas encore été suffisamment critique envers elle-même » mérite une profonde réflexion de la part de ceux qui étudient l'art, de même que leur critique de l'« impérialisme en sociologie » d'aujourd'hui.

L'influence durable de Bourdieu : une étude de cas en pratique artistique

Cet ouvrage met en lumière les problèmes de l'approche de Bourdieu et de la sociologie de l'art en général, tout en faisant un usage diversifié de la méthodologie de Bourdieu dans des études de cas empiriques.
Andrew Tudor utilise activement la théorie du champ des produits culturels de Bourdieu pour analyser l'émergence et la transformation du champ de l'art cinématographique.
Dans une culture du multiplexe où l'art est devenu un commerce, les films d'art et d'essai sont devenus un produit comme un autre sur les étagères.
Swinseywood applique le concept de champ culturel de Bourdieu pour analyser l'opéra dans son contexte historique, social et culturel, du point de vue de la sociologie de la musique.
L’opéra est souvent dénigré comme une forme d’art élitiste, défendue par une petite élite, mais il est resté une présence essentielle dans la culture moderne en réinventant constamment sa forme grâce à des œuvres nouvelles et audacieuses et à des stratégies subversives dans la mise en scène moderne.
Wulff analyse le marché transnational du ballet, en examinant la transformation de la scène mondiale du ballet, passée d'un lieu réservé aux élites culturelles à un lieu de production de masse, ainsi que son marketing.


Des méthodes de recherche qualitatives sont employées, allant des micro-analyses portant sur les pratiques de travail réelles des artistes aux macro-analyses examinant la place de l'art au sein des structures sociales, y compris les méthodes ethnographiques, l'analyse des sources historiques, les lectures attentives de textes spécifiques et les analyses empiriques des réactions critiques et publiques.
Ce livre est fascinant car il cherche à s'affranchir du cadre actuel de la sociologie de l'art, sans pour autant ignorer que les études sociologiques sur l'art ont développé un éventail d'approches et d'outils analytiques pertinents. De plus, il va plus loin en affirmant que la sociologie de l'art contemporaine ne doit pas se reposer sur ses acquis, mais critiquer sans cesse ses limites passées et s'efforcer de les dépasser.


Mondialisation et culture commune : les artistes du quotidien

L'un des thèmes centraux abordés dans ce livre est la « mondialisation » de l'art.
Ce sujet est largement traité par Alan Swindlewood, Helena Wulf et Janet Stewart, mais la perspective la plus complète est celle de Roland Robertson et Inglis.
Robertson a notamment forgé le concept de « glocal », contraction des mots global et local, et attire l'attention sur la « coexistence simultanée des tendances à l'universalisation et à la spécialisation ». À travers ce concept, il s'oppose à une mondialisation unilatérale qui ne tient pas compte des spécificités locales et souligne l'interaction entre le monde et la région, l'homogénéisation et l'hétérogénéité.
Le texte se résume à la question suivante : « La mondialisation engendre-t-elle une standardisation culturelle ? » ou « Favorise-t-elle la diversité culturelle ? » Robertson et Inglis proposent une réflexion éclairante sur les enjeux liés à la définition et aux catégories de la musique du monde, à son organisation sociale, ainsi qu'à sa célébration et à sa critique.
Cette discussion est pertinente non seulement pour le cas des musiques du monde, mais aussi pour le phénomène mondial de la K-pop que nous connaissons aujourd'hui.

Un autre point de vue qui aborde cette question sous un autre angle est l'article de Paul Willis qui explore les possibilités de promouvoir la démocratie artistique.
Willis soutient que la démocratie artistique peut naître non pas de la démocratisation de l'art existant, mais des expériences et pratiques créatives existantes qui font partie de notre culture commune.
Le concept de culture commune qu'il utilise est un développement de la théorie de Raymond Williams, dans laquelle Williams définissait la culture comme le « mode de vie total » des masses à travers l'expression « la culture est l'ordinaire ».
En d'autres termes, une culture commune vise à créer les conditions permettant aux citoyens de participer librement et de contribuer à la création de sens et de valeur, tandis que la démocratie culturelle vise à élargir la participation du public en tant que producteur d'art et de culture et à renforcer la capacité créative et le plaisir de chacun.
Willis souligne que le terme « art » devrait être élargi pour englober les actes ordinaires du quotidien, et selon lui, nous sommes tous des « artistes de la vie quotidienne ».
Grâce à la collaboration entre les études culturelles et la sociologie, cet ouvrage présente une conception élargie de l'art, nous offrant l'opportunité de nous considérer sérieusement comme des artistes créant le monde quotidien et l'avenir de l'art et de la culture.