Prologue : Pourquoi avons-nous cru que « cela » était la seule histoire de l'art ?

Chapitre 1.
Comment se crée le mythe du maître

Van Gogh n'a jamais vendu un seul tableau de toute sa vie ?
Les pommes de Cézanne ne pourrissent pas ?
Picasso et Matisse étaient-ils en mauvais termes ?
• Tahiti, où Gauguin a débarqué, était-elle un paradis primitif ?
· Avez-vous élevé un fourmilier comme animal de compagnie pour courir ?

Chapitre 2.
Comment un artiste devient une marque

Rubens ne peignait pas seul ?
Michel-Ange n'a-t-il signé qu'une seule œuvre ?
· Même si elle porte la signature de Rembrandt, ce n'est pas une œuvre de Rembrandt ?
· « L’Angélus » de Millet n’était-il pas initialement une « peinture nationale » ?
· Toutes les Portes de l'Enfer à travers le monde sont-elles d'authentiques œuvres de Rodin ?

Chapitre 3.
Qui est resté dans les mémoires et qui a été oublié

· De la Tour était-il un peintre du silence et de la solitude ?
La naissance de Vénus a-t-elle été un jour complètement oubliée ?
· Le certificat de décès de Morizo ​​indique « sans emploi » ?
Frida était-elle une icône de style même de son vivant ?
Kandinsky était-il à l'origine de l'art abstrait ?

Chapitre 4.
Que dessiner et que ne pas dessiner

· Dürer a-t-il dessiné un rhinocéros qu'il n'avait jamais vu ?
Manet a-t-il placé la barre très haut avec son dernier tableau ?
· Courbet a fait venir 30 personnes à la fois dans son atelier ?
L'atelier de Vermeer était-il orienté au sud ?
« La décapitation de Judith » est-elle une peinture empreinte de ressentiment ?

Chapitre 5.
Qui se cache derrière l'artiste ?

Da Vinci est mort dans les bras du roi de France ?
Le pape préférait-il Raphaël à Michel-Ange ?
Caravage a commis un meurtre et a pourtant reçu le soutien du pape ?
Velázquez a-t-il repeint « Les Ménines » trois ans plus tard ?
David n'a-t-il pas reçu l'intégralité du prix de ses tableaux de la part de Napoléon ?

Chapitre 6.
Pourquoi le titre de l'œuvre pose-t-il problème ?

· Ingres n'a-t-il pas peint « Bain turc » en Turquie ?
La « pipe » de Magritte n'est pas une pipe ?
Les boîtes de soupe Campbell's de Warhol ont-elles toutes le même goût ?
Le titre du « Portrait de Madeleine » a-t-il changé 200 ans plus tard ?
Le personnage de « Scream » ne crie pas vraiment ?

Chapitre 7.
Comment les musées d'art créent des chefs-d'œuvre

Le Metropolitan Museum of Art a-t-il déjà changé le nom d'un artiste ?
Le musée de l'Orangerie a-t-il entamé les travaux de construction de la série « Nymphéas » ?
Le musée du Louvre a-t-il caché toutes ses collections pendant la guerre ?
Les murs de la galerie d'art étaient-ils rouges à l'origine ?
L'accès à l'entrepôt de la galerie d'art est-il strictement interdit aux visiteurs ?

Chaque œuvre de l'histoire de l'art a été sélectionnée, mal comprise, puis
Enfin de retour

Le fait de remettre en question la vérité établie et de « vérifier les faits » n'a pas pour but de juger ce qui est bien et ce qui est mal.
Je ne cherche pas à nier l'histoire de l'art telle qu'elle existe.
L’objectif est d’élargir notre perspective sur l’art en revisitant légèrement les histoires que nous tenons pour acquises, en explorant le contexte contemporain qui explique nos croyances et en découvrant de nouvelles possibilités d’interprétation.
Le chapitre 1 révèle les mécanismes complexes et dynamiques qui régissent la façon dont l'histoire consacre un artiste comme maître, dévoilant des faits auparavant occultés par le poids du titre de « maître ».
On y découvre notamment le parcours de Gauguin, qui idéalisait Tahiti comme un paradis artistique mais qui tenta de se suicider en raison de sa vie tahitienne, loin d'être idéale, et celui de Salvador Dali, surnommé « Avida Dollars » (l'avide de dollars) en raison de son mercantilisme unique et de son comportement « tape-à-l'œil », se promenant à Paris avec un fourmilier.
Le chapitre 2 examine la collaboration, l'authenticité et la logique commerciale qui sous-tendent les artistes « de marque » tels que Rubens, Michel-Ange et Rodin.
L'ouvrage relate comment « L'Angélus », initialement considéré comme « insignifiant et ordinaire », est devenu le « tableau national » de la France, ainsi que la raison pour laquelle toutes les œuvres ne peuvent être attribuées à Rembrandt même si elles portent sa signature.
Le chapitre 3 est consacré au processus de réhabilitation des personnes oubliées par l'histoire.
On se souvient de Simon de La Tour, presque oublié après sa mort au XVIIe siècle, puis redécouvert au XXe siècle avec une image « inattendue » superposée à son portrait, et d'Hilma af Klint, qui a créé des peintures entièrement abstraites plusieurs années avant Kandinsky, considéré comme le père de l'art abstrait.
Le chapitre 4 explore la signification révélée par le choix et la présentation du sujet de l'œuvre.
Nous explorons le langage unique et la philosophie visuelle que les artistes cherchaient à exprimer, à travers des figures comme Dürer, qui a recréé avec une grande vivacité un rhinocéros sans jamais en avoir vu un, et Courbet, qui a transformé son atelier en une scène grandiose pour les gens de son temps.


Le chapitre 5 est consacré aux mécènes, ceux qui ont « aidé » l'art à des fins diverses.
On peut observer un exemple de l'imbrication du pouvoir et de l'art chez le pape Jules II, qui employa simultanément les deux maîtres Michel-Ange et Raphaël.
On peut également observer le conflit entre l'art et l'argent, la fierté et les intérêts, chez David, qui n'a jamais mené à bien un projet d'envergure pour l'autorité impériale car Napoléon ne lui a pas versé la somme qu'il souhaitait pour un tableau.
Le chapitre 6 examine pourquoi le titre de l'ouvrage pose problème.
Cela montre le genre de malentendus ou d'interprétations que peuvent susciter des titres comme « Bain turc » et « Le Cri », les rebondissements survenus avant que le nom du portrait ne soit changé de « Femme noire » à « Madeleine », et comment cela a changé le destin de l'œuvre.
Le chapitre 7 met en lumière le rôle des musées d'art, qui va au-delà de l'exposition et de la préservation des chefs-d'œuvre pour les « perfectionner » en chefs-d'œuvre.
Les efforts du musée de l'Orangerie, qui a entièrement rénové sa galerie pour accueillir les Nymphéas monumentaux de Monet, et du Louvre, qui a codé et, à travers des anecdotes dramatiques, « évacué » des œuvres majeures comme la Joconde vers une campagne reculée pendant la Seconde Guerre mondiale, démontrent le rôle de ceux qui nous ont donné l'autorité de dire aujourd'hui que certaines œuvres sont « historiques ».


« Si Caravage a pu bénéficier du soutien du pape et du haut clergé, ce n’est pas simplement grâce à son génie. »
(…) Ce point illustre peut-être le fait que l’art n’est pas toujours resté dans un domaine pur et qu’il a parfois été utilisé à des fins stratégiques et politiques. » (Page 183)

Une histoire de l'art qui vise le présent à travers l'histoire
Deuxièmement, troisièmement… Augmenter la « version »
Il est de nouveau utilisé en ce moment même.

Le regard de la « seconde histoire de l’art », qui se tourne vers le passé, vise le présent à travers l’histoire.
Les ventes aux enchères mondiales produisent régulièrement des enchères gagnantes étonnantes, des expositions à succès incitent les consommateurs à acheter des « clichés de certification » et des « produits » plutôt que l'œuvre d'art elle-même, et des images générées par l'IA en constante évolution mettent à l'épreuve l'autorité et les limites de l'art traditionnel.
Au milieu de ce bouleversement, on nous demande à nouveau :
D’où provient la valeur de l’art ? Qu’est-ce qui fait d’une œuvre un « chef-d’œuvre » ? Le message véhiculé par « La Seconde Histoire de l’art » apporte une réponse ancestrale à ces questions, tout en offrant une piste de réflexion toujours pertinente.

L'atelier de Rubens, l'un des premiers artistes à s'imposer, lui et son œuvre, comme une sorte de « marque », marque le début du modèle créatif collectif.
Cela a un impact sur les systèmes créatifs des studios actuels, les marques d'artistes et même l'art NFT de l'ère numérique (une forme d'art qui utilise la technologie blockchain pour attribuer aux œuvres d'art numériques des certificats uniques prouvant leur originalité et leur propriété).
L'exposition « Nymphéas » du musée de l'Orangerie, conçue comme une œuvre d'art à part entière, est un exemple pionnier de l'« art immersif » contemporain, un prototype de la tendance des expositions à grande échelle qui « transforme » tout, de l'espace à l'expérience du public, en une œuvre d'art.
Le tableau de Rembrandt du XVIIe siècle, objet d'une controverse constante quant à son authenticité, a même été reproduit à l'aide d'un algorithme d'intelligence artificielle du XXIe siècle.
Le projet de 2016, « Le prochain Rembrandt », était une provocation qui interrogeait la nature même de « l’essence de Rembrandt », puisqu’il s’agissait d’enseigner à l’IA le style, la composition, la lumière et l’ombre, et même la représentation des personnages de plus de 300 tableaux de Rembrandt disséminés à travers le monde afin de créer de « nouvelles œuvres que Rembrandt aurait peintes ».
Le pape Jules II, qui a employé Michel-Ange et Raphaël ensemble et leur a permis de « coexister », est un modèle de sophistication en matière de mécénat politique et peut constituer une approche efficace pour les pays et les entreprises souhaitant soutenir les artistes aujourd'hui.
Le mot « chômeur » inscrit sur l’acte de décès de Morisot nous rappelle qu’il existe encore des femmes et des écrivains non conventionnels marginalisés par les institutions et les marchés simplement parce qu’ils appartiennent à des « minorités ».


Les lecteurs de « La Seconde Histoire de l’Art » acquerront un langage pour décrypter les paysages et la confusion d’aujourd’hui.
L'histoire de l'art n'est pas un animal empaillé du passé ; toutes les œuvres sont sélectionnées, oubliées, puis rappelées au gré des envies de l'époque, de la logique du marché, des pressions du système et des exigences des mécènes.
Comprendre ce fait nous amènera à réaliser que cela vaut également pour tous les phénomènes artistiques qui se produisent ici et maintenant, et que la valeur et l'autorité de l'art sont influencées par ce contexte.
L'histoire de l'art est en train d'être réécrite en ce moment même, avec des deuxièmes, troisièmes, quatrièmes… versions.

« En particulier, les matériaux que Morisot aimait utiliser, tels que les miroirs, les fenêtres, la dentelle, les robes et la lumière du soleil, continuent d’inspirer profondément les chercheurs qui explorent aujourd’hui le regard et la visualité liés au genre. »
(…) La renommée et la position d’un artiste ne sont pas figées.
« Nous devons continuer à nous interroger sur qui a dessiné quoi et qui y a accordé de la valeur. » (pp. 105-106)