La culture coréenne ayant récemment conquis le monde entier, la notion de « musée » connaît également un regain d'intérêt en Corée.
Aujourd'hui, l'expression « endroit branché » n'est plus ringarde.
Mais une fois à l'intérieur du musée, on se perd parmi les nombreux objets exposés, sans savoir où, quoi et comment les observer.
La série « Prêter le musée » a été conçue dans l'espoir qu'elle servirait de guide convivial à ceux qui se perdent dans les musées.

Le premier livre de la série est « Musées à louer : Grande-Bretagne », qui présente le British Museum et le Victoria and Albert Museum, deux des trois plus grands musées du monde.
Le guide Bong-gi Son, fort de 26 ans d'expérience, a soigneusement sélectionné une centaine d'objets d'une grande importance historique, chacun porteur d'une histoire intéressante, parmi les 8 millions et 2,8 millions d'objets conservés respectivement par les deux musées.
Ainsi, le récit historique, le contexte culturel et la beauté artistique contenus dans les vestiges majeurs à ne pas manquer, tels que la bibliothèque d'Assurbanipal, la première bibliothèque de tablettes d'argile au monde ; la pierre de Rosette, qui a levé le voile sur la civilisation égyptienne ; les marbres d'Elgin, le Parthénon qui a quitté la Grèce ; les pièces d'échecs de Lewis, à la fois amusantes et intrigantes ; le monument triomphal de Trajan, qui est une réplique d'une réplique ; et le tigre de Tipu, qui renferme la colère du sultan Tipu, sont dévoilés à travers des descriptions détaillées et une narration accessible.
À la lecture de ce livre, les lecteurs auront l'impression de rencontrer un guide à l'entrée d'un musée et de le suivre dans sa visite.

Si vous vous rendez dans la salle d'exposition 10, vous pourrez voir une fresque en relief représentant une scène de chasse au lion.
Sur la fresque murale du palais de Ninive, réalisée en 645 avant J.-C., le roi Assurbanipal est représenté chassant un lion qui court vers lui.
Les lions grognent et se jettent sur le roi, mais sont touchés par les lances et les flèches de ce dernier, et tombent çà et là, le sang jaillissant et la chair déchirée.

Un examen plus attentif de cette fresque, qui excelle par son observation détaillée et sa représentation réaliste des animaux, notamment leurs yeux furieux, leurs crinières splendides et leurs muscles des pattes saillants, révèle que les contours des objets mis en valeur sont profondément sculptés, préservant leur vivacité comme s'ils étaient sur le point de prendre vie.
--- p.45

Le Livre des Morts, guide pour les défunts, renferme la croyance et l'espoir des anciens Égyptiens selon lesquels, si l'on mène une vie vertueuse en accord avec sa conscience, même si la réalité est difficile, on peut accéder à une vie après la mort paisible.

Alors, quel genre de vie après la mort paisible offrait aux Égyptiens ? Les anciens Égyptiens appelaient cet au-delà « Sekhet Iar », ce qui signifie « champ de roseaux ».
Cela symbolise un paradis riche en eau et en céréales, gouverné par Osiris, et montre que l'au-delà dont ils rêvent n'est pas le paradis, mais la période la plus heureuse de ce monde.
--- p.67

Les peintures murales de Nebamun, qui représentent le plaisir idéal, sont caractéristiques de la peinture égyptienne antique.
Dans la peinture égyptienne, lorsqu'une figure humaine était représentée, le visage était dessiné de profil, les yeux et la poitrine de face, et les pieds de profil.
Ils estimaient que le visage se révélait le plus clairement lorsqu'on le regardait de profil, les yeux de face et les pieds de côté.
La raison pour laquelle les anciens Égyptiens peignaient de manière à mettre en valeur au mieux les traits du visage était de pouvoir facilement retrouver son propre corps après la mort et la résurrection.
Ils croyaient que même si le corps se décomposait, l'essence et les caractéristiques de l'âme demeuraient.
--- p.70

Lorsque les Grecs découvrirent la culture égyptienne, ils furent involontairement découragés.
Ils estimaient que leur propre culture était misérable comparée à la splendide culture égyptienne.
Les Grecs dénigraient donc la culture égyptienne, la qualifiant de civilisation africaine, et donnèrent le nom du Sphinx, un monstre de la mythologie grecque, à la divinité gardienne placée devant la pyramide.
Le nom originel de la divinité gardienne des pyramides, au corps de lion symbolisant le courage et au visage de roi symbolisant la sagesse, est « Horus de l'Horizon ».
Horus est le nom d'un dieu qui symbolise le pharaon en tant que roi de la terre dans la mythologie égyptienne.
La relique portant ce nom magnifique fut baptisée Sphinx, du nom d'un monstre grec, uniquement en raison du complexe d'infériorité des Grecs.
--- p.82

La véritable valeur de la statue de Ramsès réside dans le fait qu'elle a changé la perspective des Européens sur l'histoire humaine.
Avant la découverte des statues de Ramsès, les Européens pensaient que le grand art et la civilisation occidentaux étaient originaires de Grèce.
Mais les statues de Ramsès ont prouvé que les croyances et hypothèses longtemps entretenues par les Européens étaient erronées.
Ils apprirent que la civilisation grecque, qu'ils considéraient comme grande, était issue des civilisations égyptienne et mésopotamienne.
--- p.98~100

La peinture sur le vase représente Penthésilée juste avant qu'elle ne soit tuée par une lance lancée par le héros grec Achille lors d'un duel avec lui.
Le visage d'Achille est caché par son casque, tandis que le casque de Penthésilée est enlevé et jeté au loin.
La lance de la reine manque la poitrine d'Achille, et la lance d'Achille lui transperce le cou, faisant jaillir le sang.
À cet instant précis, leurs regards se croisèrent, et Achille tomba instantanément amoureux de la beauté de la reine des Amazones.
Dans cette œuvre, qui exprime un amour cruel et pourtant fatal, on peut ressentir l'essence de la civilisation grecque centrée sur l'humain.
La tristesse qui se dégage de cette œuvre recèle des émotions humaines qu'on ne retrouve pas dans les civilisations centrées sur Dieu comme l'Égypte et la Mésopotamie.
Dans les civilisations égyptienne et mésopotamienne, les ennemis n'étaient que des objets à tuer, et il était inimaginable de représenter des scènes où l'on aimait ses ennemis.
--- p.123~124

Après une longue guerre civile, les citoyens romains, qui avaient goûté à la paix et à l'abondance, le vénérèrent comme un dieu et lui décernèrent le titre d'« Auguste », qui signifie « le noble ».
Mais il n'était pas un dieu.
Ayant tué d'innombrables personnes à la guerre et ayant été témoin de la mort de nombreux amis et soldats, il dut tout endurer pour sa propre survie et celle de l'Empire romain.
De plus, se souvenant de la mort de son oncle César, il ne pouvait faire confiance à personne.
Ainsi, lorsqu'il assistait à la réunion du Sénat, il portait une armure sous sa toge et était protégé par dix gardes du corps.
On peut se faire une idée de l'attitude d'Octave face à la vie à travers les paroles qu'il a laissées juste avant sa mort, après avoir divorcé de Livie, l'épouse d'un général subalterne rencontré lors d'un banquet, et l'avoir prise pour femme et avoir passé le reste de sa vie avec elle.

Mon jeu d'acteur valait-il la peine d'être regardé ?
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--- p.165

Le reliquaire d'épines passa aux mains des Habsbourg de Vienne en 1544, qui s'intéressaient davantage à l'or et aux bijoux qui l'entouraient qu'aux épines elles-mêmes.
Dès lors, la sécularisation du reliquaire eut lieu.
En 1860, la famille royale confia le reliquaire à un antiquaire pour sa restauration.
Cependant, au lieu de restaurer le reliquaire, il en fit un faux, garda l'original pour lui et rendit le faux aux Habsbourg.
L'original fut ensuite acheté en 1898 par le directeur de la succursale viennoise de la banque Rothschild et donné au British Museum.
--- p.201~203

Le mot anglais « CAST » désigne un objet fabriqué en faisant fondre du fer, en le versant dans un moule, puis en le durcissant ; il signifie une copie, et non un original.
En Angleterre, qui s'était enrichie grâce à la révolution industrielle du XVIIe siècle, le Grand Tour devint une mode, surtout parmi les enfants de la noblesse.
Il s'agissait d'une sorte de voyage d'études à l'étranger, avec des visites en France, en Italie, et même jusqu'en Grèce, sous prétexte d'élargir ses horizons.
Mais en Grande-Bretagne, qui se trouvait à la périphérie culturelle, seules quelques personnes pouvaient se permettre un tel voyage.
En réponse, le gouvernement britannique a commencé à créer des répliques de sites et d'artefacts historiques majeurs européens et à les exposer aux jeunes qui ne pouvaient pas étudier dans d'autres pays pour des raisons physiques ou économiques.
La salle d'exposition du V&A qui abrite ces répliques s'appelle Caste Court.
Parmi les œuvres les plus populaires figurent le monument triomphal de l'empereur romain Trajan et le David de Michel-Ange, une réplique exacte d'un moulage en plâtre offert à la reine Victoria par l'Italie.
--- p.216~217

Le sultan Tipu, vaincu lors de la troisième guerre anglo-mysore en 1792, était furieux que ses deux fils aient été faits otages par les Britanniques ; il composa alors cette œuvre. On raconte qu’il l’appréciait tellement qu’il la conserva dans le salon de musique de son palais et la fit écouter à ses hôtes.
Dans cette œuvre, le tigre symbolise Tipu Sultan.
Le roi se comparait souvent à un tigre courageux et s'identifiait à cet animal au point de décorer sa résidence, son carrosse, ses vêtements et ses armes de motifs de tigre.
Moins d'un an après que le tigre de Tipu ait été pris en main par les Britanniques, il fut dévoilé au public britannique, et des foules de Britanniques affluèrent au V&A.
Il s'agissait du premier objet d'art indien exporté d'Inde vers la Grande-Bretagne.
On raconte que les Britanniques ont éprouvé une grande fierté pour l'Empire britannique en voyant le sultan Tipu, qui avait résisté aux Britanniques, devenir un butin de guerre et être exhibé sous la forme d'un tigre sauvage à Londres, au cœur de l'Empire britannique.
--- p.224~225

Jane Morris, la protagoniste de « Rêve du jour », a souvent posé pour Dante Gabriel Rossetti, qui a peint l'œuvre.
Elle était l'épouse de William Morris, un ami de Rossetti, et au moment où ce tableau a été peint, Rossetti et Jane entretenaient une liaison.
Ses cheveux ombragés par les feuilles, les arbres verts qui l'entourent et ses vêtements verts lui donnent l'air d'une fée qui vient de surgir de la forêt.
Son regard, comme perdu dans une rêverie, est fixé sur quelque chose d'invisible, perdu en lui.
Elle est assise sur une branche de figuier et tient une branche de chèvrefeuille.
À l'époque victorienne, les brins odorants du chèvrefeuille symbolisaient l'amour secret.

--- p.255~257