5 moments que vous rencontrerez dans ce livre
L'art qui traite de la « chair du monde », l'histoire de l'art comme trace humaine, p. 21
1 Automne médiéval, peint au crépuscule éclatant, page 39
2 La Renaissance florentine, un moment de grande fusion, p. 63
3 La Renaissance du Siège papal, p. 85
4 La Réforme qui a créé deux Europes, p. 103
5. La Contre-Réforme et l'art baroque, p. 125
6 La vie publique des citoyens néerlandais au Siècle d'or, p. 147
7 La vie privée des citoyens néerlandais au Siècle d'or, p. 169
8 Rois Puissants de la Monarchie Absolue, p. 187
9 L'indépendance des États-Unis d'Amérique, le pays de la liberté, p. 207
10 Le déclenchement de la Révolution française, p. 231
11 Les guerres napoléoniennes, qui ont éveillé le libéralisme et le nationalisme, p. 251
12 La vague continue de la révolution, p. 271
13 ouvriers et paysans devenus les protagonistes, p. 295
14. La vie en rose peinte par l'impressionnisme, p. 317
15 L'âge d'or des mauvaises filles, p. 347
16 Femmes, Orient, esclavage et impérialisme, p. 369
17 Désirs bouillonnants de parricide, p. 389
18 artistes enthousiastes à propos de la guerre, p. 407
La Révolution russe, qui commença dans l'enthousiasme et se termina dans la désillusion, p. 429
20 L'essor du nationalisme, p. 451
Les Années folles, terminées par la Grande Dépression, p. 479
22 Champs de bataille idéologiques, la guerre civile espagnole, p. 499
23 La guerre est finie ! Page 521
Références p. 545

Ce n'est pas seulement de l'histoire de l'art, c'est l'histoire de l'humanité et du monde à lire à travers des images !
De la Renaissance florentine et de la Révolution française aux deux guerres mondiales et à la Grande Dépression
Un aperçu de l'histoire de l'art comme trace humaine.

L'histoire n'est pas une expérience menée en laboratoire.
Dans l'histoire, il y a des personnes « réelles » qui ont dû vivre à une certaine époque et qui devront vivre dans le futur.
L'exploration de ce qu'était la vie à cette époque, de l'impact des changements institutionnels sur leur existence, de leurs aspirations et du type de vie qu'ils souhaitaient mener, ainsi que l'exploration de la valeur humaine et du sens de tous les événements, constituent le domaine de l'art.
L'art traite de la réalité humaine et de la « chair du monde » qui transcende le langage.
L'histoire est très complexe, il est donc difficile de faire des affirmations hâtives.
Mais une chose est sûre en matière d'art.
On peut brosser un tableau de l'intégration sociale, même si elle ne se concrétise pas.
En revanche, l'image de la division et du massacre est rarement représentée, même si elle s'est produite.
-Dans le texte

* Orné de la peinture de couverture de « Monologue » (2008) de Hong Kyung-taek, jeune figure de proue de la peinture coréenne contemporaine et lauréat du prix « Artiste de l'année » en 2008.
* 174 tableaux d'importance historique et artistique mondiale sont inclus dans le texte principal, dont 28 sont sélectionnés et publiés par ordre chronologique dans l'annexe « Moments que vous rencontrerez dans ce livre », avant le texte principal.

1.
Une image, un reportage honnête du Times

Les origines de la peinture sont si lointaines qu'il est presque impossible de les comprendre.
Cependant, lorsque nous parlons de l'histoire de la peinture, nous pensons à une histoire spécifique de l'art occidental.
Minumsa a publié un livre intitulé « L'art qui a volé le temps », qui examine la culture humaine et mondiale en rassemblant et en exposant des peintures, bien plus anciennes que l'histoire de l'écriture et qui expriment avec une grande vivacité la vérité de l'humanité, de manière équilibrée selon l'époque et la langue.
Grâce au désir humain de représenter, les grands événements de l'histoire mondiale ont été immortalisés dans des peintures les uns après les autres, si bien qu'il nous suffit d'observer attentivement quelques tableaux célèbres pour avoir un aperçu de l'histoire tumultueuse du monde.
Avant l'ère de l'esthétisme et de l'art pour l'art, « L'art qui a volé une époque », qui nous guide à travers l'appréciation et l'interprétation de la peinture comme le domaine le plus primitif et instinctif, nous initiera à une histoire mondiale complète, et non à un simple fragment d'histoire de l'art.

Jin-sook Lee, critique d'art passionnée et diplômée en littérature et art russes, publie des critiques d'art dans de grands quotidiens et donne des conférences sur les arts libéraux à diverses organisations, partageant ainsi la beauté et l'inspiration de l'art avec un large public. Avec son style direct et accessible, elle explique les grands moments de l'histoire mondiale à travers les tableaux d'un groupe d'artistes.
« L’École d’Athènes » (1510) de Raphaël Sanzio relate la splendeur de la Renaissance florentine ; la série « Les Désastres de la guerre » (1815) de Francisco Goya évoque les guerres napoléoniennes et leur tragédie ; « La Liberté guidant le peuple » (1832) d’Eugène Delacroix illustre la passion et la vitalité de la Révolution française ; « Le Navire négrier » (1840) de William Turner, récemment mis en lumière par le film « Mr. Turner » (2014), dénonce les atrocités de la traite négrière ; « Le Quatrième État » (1901) de Giuseppe Felizza da Volpedo relate le mouvement ouvrier mondial né du chartisme ; et « American Gothic » (1930) de Grant Wood décrit l’effondrement du rêve américain et la Grande Dépression de manière intuitive et captivante.


« Une histoire du Mexique » de Diego Rivera (1935)
L'immense fresque « Histoire du Mexique » qu'il a peinte dans le palais présidentiel retrace tous les événements importants de l'histoire mexicaine.
Au centre, Zapata, figure clé de la Révolution mexicaine, apparaît tenant un drapeau rouge portant le slogan de la Révolution mexicaine, TIERRA Y LIBERTAD (Terre et Liberté).
En dessous d'eux, les héros de l'indépendance mexicaine Miguel Hidalgo et José María Morelos brandissent des drapeaux blancs.
L'armée paysanne en vêtements blancs contemple ces héros.
Au centre de l'écran, un aigle, symbole du Mexique, se tient sur un cactus et tient un serpent dans son bec.
Il symbolise le salut du Mexique, les traditions des Indiens et l'émergence d'une nouvelle nation.
En outre, on voit également le dictateur Diaz, renversé par la révolution, et les capitalistes étrangers et les propriétaires de fermes corporatives qui l'entouraient.
Rivera estimait que le processus révolutionnaire devait être présenté de manière exhaustive.
Sur cette image, ils ont donc dessiné Pancho Villa, le chef de la résistance qui soutenait Zapata, et même l'instructeur de l'assassinat de Zapata.
-L'art qui a volé une époque, pp. 459-462

Il s'agit d'une interprétation de « Une histoire du Mexique » (1935) de Diego Rivera.
Une description détaillée et objective des éléments d'un tableau, plutôt que des adjectifs sentimentaux ou des formules abstraites, permet une meilleure compréhension de l'œuvre.
Cet ouvrage, inspiré de Diego Rivera qui cherchait à « montrer de manière exhaustive le processus de la révolution », offre un aperçu complet du contexte de la création de l’œuvre et de ses résultats concrets.
Bien sûr, Rivera n'est pas le seul artiste à considérer la peinture comme un médium qui érige une histoire temporelle verticale en trois dimensions sur une coupe transversale horizontale.
Parce que le tableau couvre de manière exhaustive tout le cours de la révolution, ou plutôt, l'intégralité de l'histoire, son appréciation ne se limite pas à un seul point de l'espace, mais devient une expérience remarquable qui s'inscrit dans la longue lignée de l'histoire humaine.
Dans le paragraphe qui suit le passage cité ci-dessus, Lee Jin-sook révèle que l’artiste « croyait que les métis, nés de parents de race mixte, étaient des êtres futurs qui surmonteraient les conflits et les oppositions raciales », expliquant ainsi non seulement le contexte de la création du tableau, mais aussi la vision philosophique du monde et les perspectives d’avenir de l’artiste.
« On peut brosser un tableau de l’intégration sociale, même si elle ne se concrétise pas. »
La phrase de l'auteur, « D'autre part, le tableau de la division et du massacre est rarement représenté, même s'il a eu lieu », est un paradoxe qui montre que l'apprentissage de l'histoire (l'histoire de la peinture) ne se limite pas à la simple acquisition de faits, mais sert également de fondement à une vision du monde saine, c'est-à-dire à une culture positive et à un sentiment de solidarité communautaire.


2.
Un festin de chefs-d'œuvre novateurs qui ont donné naissance à un nouveau genre pictural.

Comme indiqué précédemment, ce livre ne vise pas à expliquer les mouvements artistiques mineurs ni à décrire les biographies des artistes.
Cependant, qu'il s'agisse d'œuvres de jeunesse ou de chefs-d'œuvre de maîtres de la peinture, l'aura des tableaux célèbres qui ont dominé une époque ne peut être dissimulée.
Les œuvres d'Eungdal, qui couvrent non seulement l'Europe, qui a incontestablement marqué l'histoire de la peinture au pinceau, mais aussi l'Asie, l'Afrique et l'Amérique du Sud, témoignent de l'affection de l'auteur.

La « Conversion de saint Paul » (1601) de Michel-Ange Caravage, qui utilise un clair-obscur extrême pour donner à une peinture plate et monotone une atmosphère dramatique rappelant une scène de théâtre, et l'« Adoration de saint Ignace » (1694) d'Andrea Pozzo, qui maximise le caractère sacré de la religion grâce au trompe-l'œil, une peinture qui semble être une illusion, sont des exemples d'œuvres qui éblouissent le regard du lecteur rien qu'en apparaissant sur les pages d'un livre.
De nos jours, cette extase se transforme en désarroi.
L'auteur explique avec pertinence la nature subversive de la modernité à travers les révolutions thématiques, compositionnelles et visuelles réalisées par « Le Déjeuner sur l'herbe » (1863) d'Édouard Manet, qui rejette les pratiques de dessin traditionnelles maintenues comme une loi écrite depuis la Renaissance et célèbre la vie quotidienne des gens modernes « ici et maintenant » ; « Paris par un jour de pluie » (1877) de Gustave Caillebotte, qui saisit les mouvements fortuits des gens sans signification sémantique ; et « Champ de coquelicots près d'Argenteuil » (1873) de Claude Monet, artiste impressionniste représentatif qui privilégiait les images spontanées.
En outre, « L’art qui a volé une époque » explique des styles picturaux esthétiquement uniques tels que l’Art nouveau de Gustav Klimt et d’Alphonse Mucha, les œuvres symbolistes russes de Kuzma Petrov-Botkin, les affiches d’El Lissitzky et les peintures folkloriques coréennes qui étaient populaires à la fin du XIXe siècle, et, à travers l’analyse du fauviste Henri Matisse, du cubiste Pablo Picasso et du suprématiste Kazimir Malevitch, il dépeint naturellement l’aspect de « parricide » dans l’histoire de la peinture à travers la narration.


Pablo Picasso, "Les Demoiselles d'Avignon" (1907)
Ce tableau, qui représente des prostituées à Avignon, quartier chaud espagnol, fait écho au thème de l'« Olympia » de Manet, qui affirme qu'en réalité il n'y a pas de Vénus, seulement des prostituées.
Les Demoiselles d'Avignon sont ici représentées dans toutes les poses que l'on retrouve dans l'œuvre d'Ingres, où il a élevé la « Vénus couchée » à ses sommets les plus érotiques.
Parallèlement, ces poses sont aussi celles que Cézanne a maintes fois représentées dans sa série des « Baigneuses ». (…) Comme Picasso l’a dit lui-même : « Si Van Gogh avait les estampes japonaises, nous avons l’Afrique », il a lui aussi intégré des traditions non européennes à sa peinture.
La première dame à gauche, dont les yeux de devant sont peints sur le côté, s'inspire des bas-reliefs égyptiens.
De plus, les visages des deux femmes à droite étaient ces fameux masques africains.
-L'art qui a volé une époque, p. 397

Il est intéressant de noter que ce livre explique que les « Demoiselles d'Avignon » de Picasso, présentées de façon dramatique comme l'exemple le plus approprié de parricide, citant la phrase de Kahnweiler, « apparaissaient à tous comme un fou ou un monstre », héritaient en réalité des « traditions » des thèmes de Manet, de l'iconographie d'Ingres et de Cézanne, des masques africains et des reliefs égyptiens.
En effet, elle recèle l'idée profonde qu'un véritable coup porté, une résistance significative de la génération suivante, présuppose le respect et la référence aux générations précédentes (quelle que soit la région).
Ainsi, les organismes que l'on appelle conversations semblent dégager leur propre vitalité, mais la tension et l'interaction entre eux forment un seul et vaste courant.
C’est pourquoi nous ne pouvons pas pleinement apprécier les peintures en les expliquant simplement comme des changements culturels engendrés par les progrès technologiques ou comme la naissance d’une tendance répondant aux besoins d’une époque spécifique.
Les tableaux de l'exposition « L'art qui a volé une époque » reconstituent toute l'histoire de la peinture en s'imitant, s'accompagnant, se subvertissant et s'anéantissant les uns les autres.


3.
Portrait d'un peintre sensible, capturant le « moderne »

Les mots de Lincoln, « Chaque homme de quarante ans est responsable de son propre visage », permettent également d'expliquer que le visage d'une personne reflète sa vie, sa vision du monde et, plus largement, l'esprit de son époque.
Étant donné que les artistes ne sont pas seulement des artisans dotés d'un savoir-faire ingénieux, mais aussi des membres de la société qui ont vécu à une époque et des témoins de cette époque, il est certain que les portraits peints par les artistes constituent un témoignage important de leur rapport à la « chair du monde », comme le disait Régis Debray.
Dans 『L'art qui a volé l'époque』, il existe également de nombreux « visages qui ont volé l'époque ».
À la fin du XIXe siècle, alors que l'eugénisme et le racisme étaient monnaie courante, le portrait de Sarah Baartman, la « Vénus hottentote », une Sud-Africaine réduite au statut d'objet d'exposition ; « La Veuve », peint par Elizabeth Keith lors de son voyage en Corée en 1919, représentant une femme veuve et brutalement torturée pour avoir participé au Mouvement du 1er mars ; et le « Portrait de la journaliste Sylvia von Harden » (1926) d'Otto Dix, qui dépeint une femme luttant pour s'imposer comme figure de proue de la nouvelle ère tout en embrassant la pauvreté spirituelle dans l'Amérique des années folles, tous ces tableaux permettent au spectateur de ressentir, à travers ces visages, les erreurs de l'époque et la responsabilité de la solidarité.

Comme dans tous les domaines de la culture humaine, en peinture aussi, « l’“individu”, sujet de la culture moderne, a émergé d’une manière si douloureuse ». Les artistes se sont parfois eux-mêmes érigés en sujet et en matériau de leurs tableaux.
Il existe des portraits qui ont une signification particulière parce qu'il s'agit de Rembrandt peints par Rembrandt lui-même, et non de Rembrandt peints par d'autres.
« Peu importe la manière dont on l’exprime ou le relate, le seul objet d’observation de Rembrandt est le « moi ». (…) Parce que nous sommes nés dans le cadre du moi moderne solitaire, nous souffrons nous aussi du même mal de solitude et d’angoisse dont souffrait Rembrandt. » Au milieu des troubles internationaux et de la situation politique intérieure qui s’entremêlaient de façon chaotique et insaisissable, et du processus de transition vers une nouvelle ère, le peintre s’est soit plongé dans lui-même, soit a exploré son for intérieur.
Il s'agissait d'une perception de l'extérieur (la modernité) sans regarder l'extérieur.
Ce livre consacre un nombre important de pages aux histoires tristes et poignantes d'autoportraits empreints de la conscience de soi de l'artiste.

L'« Autoportrait en soldat » (1915) d'Ernst Ludwig Kirchner montre l'artiste avec son bras droit, qui devrait tenir un pinceau, brutalement tranché.
« L’image même d’un artiste paralysé en uniforme militaire est une dénonciation d’une “société hostile à l’art”. » « La Famille » (1918) d’Egon Schiele capture le bref et fugace espoir et la paix avant qu’il ne soit victime de la grippe espagnole.
En outre, le livre présente également l'autoportrait de Frida Kahlo (1929), qui met en lumière la nationalité mexicaine et les questions de métissage, et le « Portrait de moi tenant un passeport juif » de Felix Nussbaum (1943), que l'on peut considérer comme une douleur nationale pour tous les Juifs qui ont vécu à l'époque de la terreur.


À gauche : Edvard Munch, « Autoportrait pendant la grippe espagnole » (1919)
À droite : Edvard Munch, « Autoportrait après la grippe espagnole » (1919)
Le Norvégien Edvard Munch a lui aussi contracté la grippe espagnole.
Munch, qui avait vécu avec la mort à ses côtés depuis son enfance suite aux décès de sa mère et de sa jeune sœur, a vaincu la grippe espagnole.
Atteint d'une grave maladie, Munch a peint « Autoportrait atteint de la grippe espagnole ».
Il est malade et assis sur une chaise à côté de son lit, vêtu d'une blouse et les mains soigneusement jointes.
Je suis sorti de l'état de mort.
Son visage, tourné vers le public, la bouche ouverte et l'air extrêmement émacié, rappelle « Le Cri », qu'il a peint dans sa jeunesse.
Il traversa une fois de plus la vallée de la mort.
Dans « Autoportrait après la grippe espagnole », il se dépeint comme plus déterminé.
Il se tourna vers la fenêtre par laquelle entrait la lumière et recommença à regarder la vie en face.
Munch, qui avait une cinquantaine d'années, semble avoir vieilli prématurément après avoir souffert d'une maladie.
Mais il a survécu.
Munch nous regarde, affichant la fierté et la détermination nouvelle d'avoir vaincu la maladie, mais aussi les traces de celle-ci qui n'ont pas complètement disparu.
— « L’art qui a volé une époque », p. 427-428

La dernière phrase de la citation ci-dessus : « Il a survécu. »
« Munch nous regarde, empreint de la fierté et de la détermination nouvelle d’avoir vaincu la maladie, mais aussi des traces de celle-ci qui n’ont pas complètement disparu. » Ceci exprime le sens de la mission de l’artiste, qui transcende les sacrifices et la douleur de l’époque et la volonté surhumaine du pinceau.
L'art est proche de notre quotidien, mais en même temps, nous sommes naturellement admiratifs de la vie des artistes qui, sans se laisser décourager par la vision sombre du monde, peignent avec leurs pinceaux la volonté de vivre et le désir d'améliorer la réalité.


4.
L'homme moderne perdu retrouve son chemin à travers l'art

Nicolas Mahé, « Une femme épluchant des carottes avec un enfant à ses côtés » (1655)
Cette scène serait insignifiante sans le regard grave de la petite fille. (...) Il est clair que la petite fille du tableau y trouvait un sens.
Si l'on observe le cours de l'histoire, on constate que des choses qui étaient insignifiantes par le passé peuvent parfois en devenir significatives, et inversement, des choses qui avaient de la valeur peuvent parfois devenir sans valeur.
Les schémas comportementaux humains peuvent toujours sembler similaires.
Mais l'histoire ne change que lorsqu'une action prend sens et est répétée par beaucoup.
Quand on va en mer à marée haute, on ne voit que la marée montante.
À l'inverse, à marée basse, la marée descend et tout semble disparaître.
Cependant, le flux et le reflux de la marée ne sont qu'un phénomène constant et récurrent de la mer.
Mais si on l'observe sur une longue période, le flux et reflux qui se répète chaque jour finit par modifier le terrain.

Pour nos contemporains, qui vivent au jour le jour, cela peut ressembler à une répétition d'actions similaires, mais à long terme, le changement finit par se produire.
On peut donc dire que l'histoire est le processus par lequel l'humanité recherche un « sens », vit selon ce « sens » et transmet l'essence de ce « sens » aux générations futures.
L'art qui a volé une époque, pp. 21-23

Cette œuvre d'un peintre de genre néerlandais inconnu ne représente ni grands événements ni personnages illustres.
On ne peut s'empêcher de se demander comment une scène aussi ordinaire et banale a pu devenir de l'art.
Mais peut-on nier, au contraire, que l'art qui traite de l'ordinaire touche le cœur des gens ordinaires et fait tourner la roue de nos vies quotidiennes difficiles et de notre histoire ?
Comme l'a dit Tzvetan Todorov, « Toute peinture est une célébration de ce qui est peint ». L'affirmation sans bornes du quotidien des gens ordinaires a depuis longtemps donné naissance à d'innombrables œuvres d'art.
Lorsque l'art traite de ce qui nous appartient plutôt que de ce qui appartient aux autres, lorsque l'art utilise la vie plutôt que l'art comme sujet, nous en tirons des réflexions qui vont au-delà du simple divertissement et qui peuvent même infléchir le cours de nos vies.


Käthe Kollwitz, "Mère au fils mort" (1993)
Après la réunification allemande en 1993, le mémorial de la Neue Wache dédié aux victimes de guerre a rouvert ses portes et une petite sculpture de Käthe Kollwitz a été agrandie et installée.
Le titre complet de cette sculpture, également appelée Pieta, qui signifie chagrin, est « Mère tenant son fils mort », et c'est une œuvre de 1938 qui transmet un puissant message d'attente.
Le gouvernement allemand d'après-guerre a souvent réfléchi à son passé, qui a donné naissance au nazisme.
Les massacres en Allemagne ont été possibles grâce au règne de la terreur nazi et au consentement tacite de la population à ce régime.
(…) Le 8 mai 1985, pour marquer le 40e anniversaire de la fin de la guerre, le président ouest-allemand Weitzer Weitzer prononce un discours important.
(…) « Celui qui ferme les yeux sur le passé ne peut voir le présent. »
« Ceux qui refusent de se souvenir des actes inhumains risquent d’être à nouveau exposés à un tel danger. » Cette affirmation témoigne de la profonde conscience historique des Allemands. – L’Art qui a volé l’époque, p. 541-543

Lee Jin-sook explique pourquoi nous étudions l'art et l'histoire.
« Afin de ne pas répéter les erreurs du passé, de confirmer le rêve ancestral de l’humanité et de perpétuer ce rêve. »
« L’art qui a volé une époque » sera sans doute un guide bienveillant pour ceux qui entreprennent ce voyage complexe, un cliché pourtant difficile à mettre en pratique.