De la Renaissance à nos jours,
Une série d'expositions d'art de base où vous pourrez rencontrer les maîtres de l'histoire de l'art !
De retour avec un format plus grand et des illustrations

La collection Basic Art Series a débuté en 1985 avec un recueil d'œuvres de Picasso et est depuis devenue une collection de livres d'art à succès.
Depuis, plus de 200 livres concis et minces, écrits par chaque auteur, ont été produits et publiés dans plus de 20 langues.
La série bénéficie d'une excellente production, de graphismes magnifiques et d'un contenu intelligent.
La thématique de chaque livre est à la fois vivante et accessible, ce qui le rend facile d'accès.
Il a été republié 15 ans après la parution de la première édition coréenne en 2005.
Cette série [Basic Art 2.0] offre aux lecteurs des images plus vivantes des œuvres d'art, avec des formats et des illustrations plus grands qu'auparavant.

La vérité nue
Une forme qui révèle fondamentalement tout

Egon Schiele (1890-1918) était une figure majeure de l'expressionnisme autrichien et l'un des portraitistes les plus marquants du XXe siècle, connu pour son style graphique, sa distorsion de la forme humaine et sa rébellion contre les normes traditionnelles de beauté.
Schiele, qui fut l'élève de Gustav Klimt, s'inspira du style flamboyant de l'Art nouveau et présenta une esthétique beaucoup plus brute et plus provocatrice, avec des lignes acérées, des couleurs sombres et des sujets non naturels.
Ses différents portraits et autoportraits ont dépeint l'establishment viennois d'une manière inédite, choquant à la fois psychologiquement et sexuellement.
Dans cette œuvre, l'artiste ou les modèles sont représentés étirant langoureusement leurs jambes et fixant le spectateur d'un regard noir, dans une pose instable, hautement érotique et révélatrice, leurs parties génitales exposées.
Ses modèles paraissent parfois squelettiques et maladifs, mais pour d'autres, ils semblent intenses et sensuels.
Nombre de ses contemporains considéraient l'œuvre de Schiele comme laide et moralement répréhensible, et il fut brièvement emprisonné en 1912 pour obscénité.
Aujourd'hui, ses œuvres sont reconnues pour leur approche novatrice de la figure humaine et leur style de dessin direct, passionné, presque colérique.
Ce livre retrace la carrière courte mais fulgurante de l'artiste, en présentant des œuvres clés qui soulignent sa profonde contribution à des artistes contemporaines telles que Tracey Emin et Jenny Saville.

Avec un nombre impressionnant d'autoportraits – plus de 100 –, nous pouvons affirmer avec certitude qu'Egon Schiele était l'un des artistes qui s'observaient le plus attentivement.
Ce fait suffit à laisser penser qu'il avait une personnalité narcissique.
En réalité, Schiele s'observait attentivement et aimait consigner ses expressions et ses poses par l'observation.
Cependant, il ne faut pas juger trop vite son attitude, car celle-ci s'inscrit en réalité dans une longue tradition de l'histoire de l'art.
Un bref aperçu de la tradition de l'autoportrait dans l'histoire de l'art peut nous aider à éviter de tirer des conclusions hâtives.
--- p.7, extrait de « L’artiste et son ego »

Pendant ses études à l'Académie des beaux-arts de Vienne, Schiele vénérait Klimt, qu'il a adoré jusqu'à sa mort.
Il est facile de deviner que ce comportement découlait d'une réaction contre Gripenkerl et le style académique dépassé de l'Académie.
Au lieu d'une représentation naturaliste du corps humain et de la perspective, Schiele a adopté la méthode de Klimt qui privilégiait avant tout la toile, et son talent inné pour le dessin ainsi que sa stratégie consistant à remplacer les aspects décoratifs par un sens de l'espace l'ont efficacement aidé dans cette entreprise.
L'affection de Schiele pour Klimt est clairement révélée dans son tableau de 1907, « Esprits de l'eau I » (p. 28).
--- p.25, extrait de « J’ai suivi la trajectoire de Klimt »

Ce qui est le plus surprenant dans l'œuvre de Schiele, c'est son mépris pour la perspective conventionnelle.
S’il avait suivi les règles de la perspective, les poses des modèles auraient paru beaucoup plus raisonnables (p. 10).
Schiele, qui rejetait catégoriquement l'académisme et restait fidèle au toucher de ses doigts, concevait des angles et des perspectives qui pouvaient donner aux modèles de ses tableaux une apparence tordue ou déformée.
Si ses aquarelles ou ses gouaches paraissent étranges, ce n'est pas forcément dû au sujet lui-même ni à l'exposition extrême du modèle.
D'un point de vue formel, cela découle du placement par Schiele de ses modèles au centre du plan de l'image, face à eux, ou de manière englobante.
--- p.34, extrait de « Le corps comme moyen d’expression »

Schiele se considérait comme une sorte de prêtre et de prophète, doté d'une capacité d'introspection proche du mysticisme, qui, selon lui, lui permettait d'avoir des visions prophétiques et de les exprimer dans ses peintures.
(…) Le point de vue de Schiele peut être intégré à la tradition du XIXe siècle qui consiste à considérer les artistes comme une sorte de prophète, de saint ou de martyr (p. 19).
Il s'inscrit également dans la lignée de Ferdinand Hodler, qui fut influencé par la Croix Rose, un groupe religieux similaire, et créa des œuvres mystiques et pessimistes telles que « Les Désabusés », « Le Chemin des Âmes Élues » et « L'Élu ».

--- p.57~59, extrait de « Symbolisme prophétique dans les œuvres de Schiele »