L'histoire classique en un seul volume
99 instruments de musique classiques, retraçant 400 ans d'histoire de la musique

« Si vous connaissez l’histoire de la musique occidentale, vous pourrez apprécier la musique classique ! »

Ce livre couvre un large éventail de musique classique, de la Renaissance à nos jours.
La raison pour laquelle ce livre s'intitule « Une histoire de la musique classique pour les débutants » est simple.
En effet, ce volume rassemble en un seul ouvrage toute la musique que l'on trouve dans le rayon musique classique des grands magasins de disques.
Le chant grégorien, la musique de la Renaissance, la musique baroque, classique, romantique (du début et de la fin) et la musique contemporaine du XXe siècle relèvent toutes de la catégorie de la musique classique.
Conformément à ces classifications, ce livre couvre chaque période de l'histoire de la musique en six chapitres.
Cela vous permettra d'explorer l'histoire de la musique classique en quelques heures seulement.
Le livre suit un ordre chronologique et l'histoire est divisée en 99 thèmes, comprenant des personnages, des événements, des concepts et des termes techniques.
Chaque élément est indépendant, mais l'ensemble est organisé en une série de nouvelles de sorte que leur lecture séquentielle permette de comprendre le déroulement de l'histoire de la musique.
Vous pouvez ne lire que les passages intéressants, commencer par le premier chapitre, ou remonter le fil de la lecture à partir du dernier chapitre.

Naturellement, les musiciens de la Renaissance ne pouvaient pas gagner de revenus grâce à des concerts, des CD ou des diffusions sur Internet.
Tirer des revenus de l'édition de partitions musicales restait un rêve lointain.
Ils étaient employés par l'église ou le palais.
Selon les critères actuels, il serait considéré comme un employé de l'entreprise.
Les musiciens employés par les églises composaient de la musique pour les cérémonies religieuses, tandis que les musiciens employés par les cours composaient de la musique pour les cérémonies (cérémonies, événements d'État) ou pour le divertissement des rois et des nobles.
L'idée de composer de la musique pour assouvir ses aspirations artistiques était un rêve devenu réalité.
Pour employer un langage moderne, je dirais que c'est un « employé de bureau sans âme ».
Mais cela ne signifie pas que nous pouvons les blâmer.
Parce que c'était la norme dans la société de l'époque.
C'était une époque où la musique n'était pas considérée comme un art, mais existait à des fins pratiques.
À cette époque, la musique religieuse se composait uniquement de chants, mais à partir de la Renaissance, des instruments commencèrent à être utilisés comme accompagnement.
Par la suite, le développement technique continu des instruments de musique a offert l'opportunité d'ouvrir l'ère baroque.
---Extrait de « Musique de la Renaissance »

Pourquoi personne ne peut-il surpasser la sonorité d'un Stradivarius ?
Généralement, la face avant du corps du violon est vernie.
Il sert à protéger le bois et à embellir son apparence, mais le son est également fortement influencé par la composition du vernis.
Le secret de la sonorité unique des Stradivarius réside dans la combinaison des vernis.
Si nous connaissions cette combinaison, nous pourrions fabriquer un violon qui produirait un son similaire, mais malheureusement, la recette secrète n'a pas été transmise, c'est donc impossible.
Cela fait plus de 200 ans que le Stradivarius a été créé.
Certains affirment que la tonalité est due à des changements acoustiques du bois au fil du temps (des changements lents sur une longue période).
Certains disent en plaisantant que si on l'écoute en pensant que c'est un bon instrument, on aura l'impression qu'il a une bonne sonorité.
---Extrait de « Stradivarius »

Les symphonies composées à l'époque de Haydn et Mozart furent plus tard qualifiées de « musique absolue », ce qui signifie qu'il ne s'agissait pas d'une musique qui dépeignait un contenu spécifique.
À cette époque, le rôle principal dans les concerts était joué par des solistes, et les symphonies n'avaient qu'un rôle de soutien.
La musique symphonique a commencé à s'imposer comme un élément incontournable des programmes de concerts dans les années 1780.
Haydn a établi la forme de la symphonie en quatre mouvements, mais la musique n'était pas destinée à exprimer ou à décrire quoi que ce soit.
Les symphonies de Haydn et de Mozart étaient « la musique même » que les rois et les nobles appréciaient confortablement comme divertissement.
C’est avec l’émergence de Beethoven, un génie sans précédent dans l’histoire de la musique, que les symphonies sont passées du simple divertissement à l’art, les musiciens mettant tout leur cœur et toute leur âme dans la composition après une réflexion approfondie, avec des messages profonds intégrés à la musique, et un public ravi et ému.
---Extrait de « La Première Symphonie de l'Histoire »

Mozart a passé un tiers de sa vie à voyager, à composer et à se produire en cours de route.
J'aime aussi me divertir, alors je vais à des fêtes, je joue, je sors avec des gens… … .
En réalité, ce n'était pas le genre de personne à s'enfermer dans son bureau et à vivre recluse.
Je me demande s'il est mort d'épuisement professionnel, car il menait une vie si trépidante qu'il avait l'impression d'avoir besoin de dix corps.
Quoi qu'il en soit, diverses théories circulent encore concernant les causes de sa mort.
Le fait que le corps ait été enterré dans une fosse commune et qu'aucun autre détail n'ait pu être confirmé contribue au mystère qui entoure l'affaire.
La théorie la plus répandue concernant sa mort est qu'il a été empoisonné par son associé Salieri (1750-1825).
En effet, trente ans après la mort de Mozart, une rumeur a circulé selon laquelle Salieri, juste avant de mourir, aurait avoué : « J'ai tué Mozart. »
Bien que cette rumeur ait circulé à Vienne, la théorie de l'empoisonnement de Salieri perd aujourd'hui de sa crédibilité.
Une autre question demeure.
Pourquoi une telle rumeur s'est-elle répandue ?
Salieri souffrait de troubles mentaux dans ses dernières années, et la pensée « Je hais Mozart » était restée ancrée dans son subconscient.
Certains pensent que c'est lui qui a prononcé les mots « Je veux tuer Mozart ».
---Extrait de « Le mystère de la mort de Mozart »

Paganini a été étiqueté toute sa vie comme ayant « vendu son âme au diable », et ce n'était pas qu'une métaphore.
À l'époque, les gens le pensaient vraiment.
Les rumeurs se sont répandues non seulement en raison de sa technique inégalée, mais aussi à cause de son apparence bizarre.
On dit qu'il était né avec une constitution fragile, un corps très maigre, la peau foncée et des mains et des doigts anormalement longs, comme ceux d'une araignée.
C’est pourquoi certains affirment que Paganini souffrait du syndrome de Marfan.
Cette affection se caractérise par un allongement excessif des doigts et un ramollissement des articulations.
On dit que les capacités surhumaines et démoniaques sont nées de cette maladie.
De ce fait, son apparence suffisait à rappeler celle du diable.
Il n'existe aucune preuve définitive qu'il ait réellement souffert du syndrome de Marfan.
À l'époque, les gens ignoraient tout de cette maladie et croyaient donc de tout leur cœur qu'il avait fait un pacte avec le diable.
C’est pourquoi, dit-on, de nombreuses personnes ont fait le signe de croix en assistant au concert de Paganini.
À l'image d'un film d'horreur effrayant mais néanmoins regardable, ses concerts affichaient toujours complet.
Les gens étaient stupéfaits par sa technique et l'acclamaient avec enthousiasme, mais ils chuchotaient aussi entre eux :
« C’est assurément un diable ! »
---Extrait de « Paganini »

Berlioz a composé une musique pour exprimer la douleur de l'amour non partagé.
Ce serait toutefois une erreur de la considérer comme une chanson unidimensionnelle comme « Harriet, I Love You ».
Le contenu de la Symphonie Fantastique est le suivant.
Une jeune artiste à la sensibilité exacerbée et à l'imagination débordante tente de se suicider en ingérant de l'opium à cause d'un chagrin d'amour, mais n'en prend pas assez et sombre dans un profond sommeil.
Il fait des rêves étranges, dans lesquels sensations, émotions et souvenirs se transforment en idées et images musicales dans son esprit malade.
L'image de l'amant devient elle aussi une mélodie fixe qui flotte à l'infini.
Bien sûr, le « jeune artiste » dont il est question ici n'est autre que Berlioz lui-même.
On ignore s'il a réellement tenté de se suicider en prenant de l'opium, mais il pourrait s'agir d'un état de confusion mentale similaire.
Cette chanson, composée avec la passion de la jeunesse, est le chef-d'œuvre qui a ouvert le rideau sur la musique romantique, la Symphonie Fantastique.
Cette œuvre se compose de cinq mouvements, chacun ayant un titre.
Il s'agit de « Rêves et Passions », « Bal », « Scènes champêtres », « Marche vers la guillotine » et « Le Rêve du festin de la nuit des sorcières ».
---Extrait de « Berlioz »

Les chefs d'orchestre professionnels ont émergé après le XIXe siècle.
Jusque-là, le compositeur dirigeait lui-même.
Puisqu'il s'agissait d'une chanson qu'il avait composée lui-même, il n'était pas nécessaire de l'interpréter ; il pouvait simplement la jouer comme il le souhaitait.
L'apparition des chefs d'orchestre professionnels s'explique par le fait qu'au XIXe siècle, ils ont commencé à interpréter les œuvres de compositeurs décédés.
Jusqu'à l'époque de Mozart, les compositeurs dirigeaient leur propre musique, et personne ne jouait ni n'écoutait la musique de compositeurs déjà décédés.
Mais cette atmosphère a changé après Beethoven.
Même après la mort de Beethoven, ses œuvres célèbres continuèrent d'être jouées, mais comme il n'était plus en vie, quelqu'un d'autre devait les diriger.
Cela rend le rôle du chef d'orchestre important.
D'ailleurs, Wagner était un chef d'orchestre de la musique de Beethoven, ce qui est reconnu de tous.
Grâce à cela, le numéro 9, considéré jusque-là comme un échec, renaît en chef-d'œuvre.
---Extrait de « La naissance d'un chef d'orchestre »

La dernière symphonie de Mozart, la n° 41, s'intitule la Symphonie Jupiter.
Mais cette chanson ne parle pas du dieu Jupiter.
C'est un surnom qui lui a été donné, signifiant qu'il s'agit du plus grand chef-d'œuvre de la symphonie, à l'image de Jupiter, le dieu suprême de la Grèce.
La Symphonie de Prague n'est pas non plus une œuvre qui dépeint les paysages de Prague.
Elle porte ce nom uniquement parce que Mozart l'a composée lors de son séjour à Prague.
Le dernier concerto pour piano de Beethoven, le n° 5, « L'Empereur », signifie que l'œuvre est aussi excellente qu'un empereur, mais cela ne lui a pas été attribué par Beethoven lui-même.
Ainsi, les surnoms donnés aux symphonies ou aux sonates sont souvent attribués par des tiers dans le but stratégique de séduire le public.
Certes, un surnom est plus facile à retenir qu'un simple numéro, et on a envie de l'entendre une fois.
Cependant, cela conduit souvent à des malentendus, la prudence est donc de mise.
La Symphonie n° 8 de Dvořák est appelée « Angleterre » ou « Londres » non pas parce qu'elle représente des scènes de Londres, mais parce qu'elle a été publiée par un éditeur londonien.
La musique elle-même est une œuvre fortement imprégnée de culture nationale tchèque et n'a rien à voir avec Londres ou l'Angleterre.
---Extrait de « Titre de la chanson »

Quelle est la différence cruciale entre une comédie musicale et un opéra ?
C'est de la danse.
Il y a des scènes de danse dans les opéras, mais seulement lorsque cela est nécessaire à l'intrigue.
Comme une scène de bal, par exemple.
Mais les comédies musicales expriment tout par la danse.
Il n'est pas nécessaire de danser dans la pièce, mais les personnages dansent et parlent, et c'est ainsi que l'intrigue se déroule.
La méthode de prononciation est également différente.
La vocalisation dans les comédies musicales est fondamentalement la même que dans les chansons pop.
Il n'y a donc pas lieu de s'étonner outre mesure à adapter une comédie musicale en film.
Cependant, lorsque l'opéra est adapté au cinéma, les vocalises, généralement excessives, se trouvent déconnectées des images réalistes, créant un sentiment d'incongruité.
Voilà pourquoi les films d'opéra ont rarement du succès au box-office.
Le problème est que la vocalisation de l'opéra ne se prête pas au format cinématographique.

---Extrait de « Comédie musicale »