Flânez dans les rues de Florence, au rythme des pas des hommes de la Renaissance.
À Milan, au plus près de l'essence même de l'art de Michel-Ange et de Léonard de Vinci,
Nous voyons ici les germes de la peinture moderne semés par Giorgione à Venise.


L'auteur, qui vit à Londres et a régulièrement visité des galeries d'art européennes, estime que « le lieu où une œuvre d'art est accrochée fait aussi partie de l'œuvre », et ravive l'esprit de l'époque au-delà du tableau, de l'angoisse de l'artiste, et même de l'atmosphère du lieu où l'œuvre a été placée.
Ce livre n'est pas simplement un commentaire sur l'histoire de l'art ni un pèlerinage dans les musées d'art.
Il s'agit d'un « rapport de terrain » qui examine méticuleusement tous les aspects de l'art de la Renaissance, y compris l'essence de l'art, l'angoisse humaine, la compétition et le désir, l'économie du mécénat artistique, et même les critères de valeur qui distinguent l'authenticité de la contrefaçon.


Ce livre traite principalement de l'art de la Renaissance italienne, mais il capture également l'atmosphère de l'époque et les histoires de ses habitants.
L'auteur examine d'abord l'atmosphère socioculturelle de Florence, berceau de la Renaissance italienne, et montre comment la culture de la « comparaison et de la compétition », qui fut le moteur du développement de l'art, et la tradition du mécénat artistique centrée sur Cosme de Médicis, ont constitué le fondement culturel de la ville.
Nous mettrons ensuite en lumière les objectifs poursuivis par l'art de la Renaissance et les artistes qui ont changé le paradigme artistique au sein de ce mouvement, tels que Masaccio, qui a introduit la perspective en peinture, Léonard de Vinci, qui a créé une réalité plus vraie que nature, et Giorgione, qui a capturé l'essence même et la psychologie d'un individu dans ses portraits.
Enfin, nous nous intéressons à des œuvres et à des artistes qui ont été redécouverts et réévalués selon nos perspectives actuelles.
Les protagonistes sont la Pietà Rondanini de Michel-Ange, restée inachevée et longtemps mal évaluée, et Artemisia, une peintre en avance sur son temps.
L'ouvrage se conclut par des exemples d'œuvres restaurées après avoir été des faux, ce qui soulève des questions sur les critères permettant de déterminer l'authenticité des œuvres d'art et leur valeur.

Ce livre permet aux lecteurs d'apprécier les œuvres d'art dans leur lieu d'origine, et l'auteur, qui a exploré sa propre histoire de l'art unique, partage avec passion de nouvelles découvertes passionnantes en histoire de l'art et des récits d'œuvres d'art qu'il a vécues avec ses cinq sens.
Les lecteurs intéressés par l'art acquerront de nouvelles perspectives pour apprécier et comprendre l'œuvre.


« Bien que ce livre traite d’œuvres et d’événements datant de 500 à 600 ans, mon objectif n’est pas simplement de transmettre des connaissances et des informations en histoire de l’art. »
« Je serais ravi si, à la lecture de ce livre, les lecteurs pouvaient réfléchir au contexte de l’époque et à la pensée de l’artiste en lien avec leur propre vie, et ainsi se sentir proches d’eux, comme s’ils étaient vivants à nos côtés, traversant les siècles avec aisance. » (Note de l’auteur)

L’émerveillement que j’ai ressenti en voyant pour la première fois le retable de Jan van Eyck dans la cathédrale Saint-Bavon de Gand, le moment où j’ai failli douter de son authenticité en voyant le retable de Rubens accroché nonchalamment dans la cathédrale Notre-Dame d’Anvers, l’émotion de découvrir l’original des « Bourgeois de Calais » à Calais, et les efforts acharnés que j’ai déployés à maintes reprises pour retrouver le véritable paysage de Delft peint par Vermeer – toutes ces expériences m’ont profondément marqué.
Les deux années que j'ai passées à Bruxelles furent chaotiques et solitaires, mais elles furent aussi précieuses, car elles marquèrent le début de ma propre exploration de l'histoire de l'art.
--- p.6

Ma propre exploration de l'histoire de l'art ne se limitait pas à la simple contemplation de l'œuvre ; elle impliquait de vivre l'espace entier où elle était placée en sollicitant mes cinq sens.
À ce moment précis, l'artiste n'était plus une figure du passé lointain, mais un être humain vivant, respirant, à la fois joyeux et souffrant, là où je me trouvais.
C’est là que réside la force du « in situ ».
--- p.9

Bien que ce livre traite d'œuvres et d'événements datant de 500 à 600 ans, mon objectif n'est pas simplement de transmettre des connaissances et des informations en histoire de l'art.
Je serais ravi si, en découvrant ces œuvres, les lecteurs de ce livre pouvaient réfléchir au contexte de l'époque et à la pensée de l'artiste à la lumière de nos propres vies, et ainsi se sentir proches d'eux comme s'ils étaient vivants et en pleine forme, transcendant aisément les siècles.
--- p.11

Il en allait de même pour l'environnement extérieur de Florence, ainsi que pour son environnement intérieur.
Florence bénéficiait d'un environnement relativement libre où de nombreuses familles puissantes et des personnalités influentes pouvaient se faire concurrence.
Dans cette atmosphère, il était peut-être naturel qu'une concurrence féroce se développe, et il était également naturel que des efforts ingénieux et une créativité sans faille soient déployés pour remporter la compétition.
--- p.17

Dans la compétition inévitablement féroce qui régnait autour du paragone, les artistes de la Renaissance devaient perfectionner leurs compétences pour exceller, et pour se démarquer, ils avaient besoin d'un changement de pensée provocateur et révolutionnaire.
À travers les œuvres et les artistes de la Renaissance que nous examinerons dans ce livre, nous pourrons observer comment l'orientation visuelle et les objectifs de l'art de cette époque se sont développés et ont évolué.
--- p.47~48

Au vu de la conduite de Cosimo et de ses généreux investissements dans la société, la religion, le monde universitaire et les arts, on a l'impression qu'il avait très tôt compris le concept de gestion ESG, un mot-clé essentiel dans la gestion d'entreprise actuelle.
Si l'on transpose le concept moderne de gestion d'entreprise responsable, fondée sur les principes environnementaux, sociaux et de gouvernance (ESG), à l'époque de la Renaissance où vécut Cosme Ier, cela ne correspond-il pas parfaitement à ses efforts pour gagner la confiance et le respect du public grâce à divers mécénats ? De plus, compte tenu de ses fréquentes prières et méditations au monastère Saint-Marc, on constate qu'il incarnait les concepts ESG non seulement dans ses affaires, mais aussi dans sa vie privée, témoignant ainsi d'un civisme exemplaire.
Parce que Cosimo était ainsi, après sa mort, le gouvernement florentin lui conféra le titre de « Pater Patriae », c'est-à-dire « Père de la Nation ».
--- p.76

Même durant les périodes prospères du Moyen Âge et de la Renaissance, les Florentins vivaient dans la crainte constante des épidémies fréquentes, de la menace permanente de guerre, du taux de mortalité maternelle et infantile élevé et de la violence quotidienne dans les rues. Ils avaient besoin d'une protection et d'une bienveillance particulières.
Alors, ils ont accroché des statues de la Vierge Marie dans les églises, dans tous les coins de leurs maisons, et même dans les rues, et ils ont prié pour être protégés et sauvés dans les bras de la Vierge Marie, qui était comme une mère pour eux.
Dans une société où l'économie et la culture prospéraient jour après jour, mais où la violence et la barbarie coexistaient encore, les statues de la Vierge Marie dans les rues servaient de symboles protecteurs, disséminées dans toute la ville.
--- p.80~81

Il n'existe pas de meilleur endroit pour apprécier la véritable valeur de Masaccio que la chapelle Brancacci.
C’est là que l’on peut pleinement percevoir le point de départ du changement révolutionnaire qu’il a opéré en peinture, et aussi imaginer la révolution encore plus grande qu’il aurait pu réaliser s’il avait vécu plus longtemps.
--- p.136

Après être entré dans le Repettorio, la Cène, vue de loin, apparaît comme un monde de réalité virtuelle parfait.
Bien que « La Cène » de Ghirlandaio soit beaucoup plus naturelle et réaliste que ses œuvres précédentes, il reste évident qu'il s'agit d'une peinture car les contours des personnages et des objets sont nets.
D'autre part, Léonard de Vinci, qui s'intéressait profondément à l'optique, reconnaissait que l'œil humain ne perçoit pas clairement les contours des objets et utilisait la technique du sfumato pour considérablement améliorer le réalisme.
C’est peut-être pour cela que, lorsque je regarde ce tableau, j’ai l’impression de ne pas regarder une peinture, mais plutôt que l’intérieur du restaurant s’est étendu à l’espace où sont assis Jésus et les apôtres.
Au-delà des fenêtres derrière Jésus, les champs toscans se déploient, et une lumière vive entre par les fenêtres, créant une illusion d'optique qui illumine le restaurant.
--- p.161

La pratique en vigueur à l'époque, selon laquelle les clients qui commandaient une œuvre d'art en concevaient le contenu et en précisaient même les détails, limitait considérablement la capacité des artistes à exprimer leur vision à travers des œuvres originales.
Dans ce contexte, les grands artistes devaient développer un style personnel très affirmé au cours du processus créatif.
Même s'il s'agissait de la même scène, elle devait être reconnaissable au premier coup d'œil et, de plus, il devait s'agir d'un style original que personne d'autre ne pourrait imiter.
Face à l'œuvre de Botticelli, on réalise qu'il a su imposer son propre style avec plus de succès que quiconque.
C'était un langage nouveau, frais et conversationnel que lui seul pouvait utiliser.
--- p.188

Le dessin que j'ai découvert ici était simplement un dessin monochrome réalisé au fusain noir, mais l'impact de l'œuvre était immense.
J'ai ressenti une tout autre émotion que lorsque j'ai vu la version coloriée de ce dessin animé au Vatican.
En quittant la salle des cartons de Raphaël et en arrivant au terme de la visite de la galerie, nous découvrons enfin le Portrait d'un musicien de Léonard de Vinci.
Mais même à ce moment-là, je ne peux m'empêcher d'avouer que je n'ai pas pu apprécier pleinement les peintures de Léonard de Vinci, car je n'ai pas pu échapper à l'émotion que j'ai ressentie en regardant les cartons de Raphaël.
--- p.209

Giorgione mourut au début de la trentaine, après seulement quinze ans de vie, et est donc moins connu que Titien, mais on peut le considérer comme un révolutionnaire de l'art vénitien plutôt que comme un simple peintre de génie.
La révolution qu'il a engendrée n'était pas une révolution bruyante et émotionnelle, mais une révolution poétique, pastorale, et en même temps profondément personnelle et intime.
Si l'on dit que Giorgione est celui qui a posé les fondements des images universelles qui nous viennent à l'esprit lorsque nous pensons à la « peinture occidentale » aujourd'hui, ne pouvons-nous pas deviner à quel point il a été une figure importante dans l'histoire de la peinture occidentale ?
--- p.237

Bien que la période d'activité de Giorgione ait été courte, sa popularité semble avoir été considérable même à un jeune âge.
Apprenant la nouvelle de sa mort subite, Isabelle d'Este, marquise de Mantoue et collectionneuse d'art passionnée, s'empressa d'acquérir ses œuvres.
Mais la réponse que j'ai reçue de ma connaissance à Venise fut : « Quel que soit le prix que vous payiez, vous ne pouvez pas acheter son œuvre. »
Son cœur a dû se serrer de regret en entendant ces mots.
De plus, considérant que Giorgione était le seul peintre vénitien que Giorgio Vasari, obsédé par le florentinocentrisme, ait mentionné dans la première édition de ses Vies des artistes en 1550, on peut en déduire que sa réputation dans le monde de l'art de l'époque était si grande que même Vasari ne pouvait l'ignorer.
--- p.264~265

Tout en réfléchissant à cette œuvre, j'ai observé attentivement l'épaule droite du Christ pour apaiser ma curiosité concernant son bras cassé.
Mais… le bras sur l’épaule droite du Christ n’est pas intact.
Allez ! À qui appartient ce bras cassé ? Je pensais que voir l'œuvre en personne satisferait ma curiosité, mais au lieu de cela, je me suis retrouvée complètement perdue.
De plus, nous avons découvert des formes vraiment étonnantes.
Alors que j'examinais attentivement la statue à plusieurs reprises, prenant des photos et zoomant dessus pour trouver la réponse concernant le bras cassé mais sain, une forme étrange a soudainement attiré mon attention.
J'ai aperçu ce qui semblait être une troisième personne portée sur le dos de la Vierge Marie, derrière le Christ ! Quelle frayeur j'ai ressentie pendant un instant…
Ai-je vu un gobelin ? Non, ce n'était pas un gobelin.
Quand j'ai repris mes esprits et que j'ai regardé à nouveau, j'ai pu voir un autre visage sculpté sur le côté de la tête de la Vierge Marie, regardant droit devant.
--- p.279

La grandeur d'Artemisia ne réside pas seulement dans le fait qu'elle a investi un genre pictural exclusivement masculin.
En tant que conteuse au talent naturel, elle excellait dans l'art de raconter des histoires à travers ses peintures, possédant une expressivité picturale bouleversante et une remarquable capacité à manier la couleur avec richesse.
Mais le plus grand atout d'Artemisia en tant que peintre était son incroyable capacité à saisir les perspectives et les subtiles nuances émotionnelles que seules les femmes peuvent voir et ressentir, et que les hommes ne peuvent pas.
Les femmes représentées dans ses tableaux ne restent pas de simples objets d'observation ; elles révèlent leur volonté, établissent un contact visuel, résistent en silence et communiquent avec le spectateur par le cœur.

--- p.310