Le son du Klangkunst qui ne pouvait être traduit en art sonore

« Klangkunst :
Vie et Nature, Son – Les sons composés dans un laboratoire esthétique sont considérés comme des objets d’art visuels et sont étroitement liés aux espaces agencés avec soin.
Percevoir et voir différemment, la découverte et la surprise qui se cachent entre les deux.
Le Klangkunst est une forme d'art interactive qui soulève de nouvelles questions et suscite de nouvelles expériences.

L'art contemporain a émergé comme un nouveau genre en brisant les conventions, l'ordre et les normes de l'art existant.
Elle pratiquait l'esprit d'avant-garde à travers différentes perspectives, expérimentations et matériaux, et tentait même une collaboration avec différents sens.
Un exemple représentatif est l'art sonore, ou « œuvre d'art faite de sons ».
Malheureusement, l'art sonore, qui est une forme d'art visuel utilisant à la fois des éléments auditifs et visuels, et qui est principalement pratiqué par des artistes visuels plutôt que par des musiciens, n'est pas largement connu en Corée, à l'exception de définitions partielles (telles que la collaboration entre l'art visuel et l'art auditif) et d'artistes représentatifs tels que Nam June Paik, Raunschenberg et John Cage.


L'étymologie et la signification de l'art sonore, un genre artistique moderne né de la collaboration entre les beaux-arts et la musique, se trouvent dans le mot allemand Klangkunst. (Le mot coréen « art » tire également son origine du mot allemand Kunst, et non du mot anglais « art ».) Le terme « Klangkunst », qui signifie littéralement « art sonore », se traduit littéralement en coréen par « art sonore », mais le mot « klang » contient des significations plus élémentaires liées au son, telles que « tonalité » et « clarté », en plus de sa simple signification de « son ».
L’art sonore est un terme utilisé internationalement et un concept qui peut naturellement s’implanter en Corée.
Cependant, le Klangkunst en Allemagne, berceau de l'« art sonore » et d'une scène créative d'art sonore toujours active, était, du point de vue d'Oh Hyun-joo, un sujet plus complexe, méritant d'être approfondi dans l'essence de la terminologie et du genre.
Car le Klangkunst est clairement de nature différente de l'art sonore.


Ce livre est un recueil d'entretiens avec cinq anciens membres de Klangkunst, considérés comme ayant façonné l'esprit et la forme originels de l'artiste sonore, en Allemagne, berceau de Klangkunst, et à Berlin, foyer spirituel de l'artiste sonore.
Chacun des cinq criminels est lié à un thème de l'art contemporain, comme le son, l'espace, les médias et le corps.


Ce livre est une publication d'art sonore, ou Klangkunst, pratiquement inexistant dans l'édition coréenne, et j'espère qu'il ouvrira des horizons plus larges.

Un jour, j'ai demandé à Stefan Fricke :

« Qu’est-ce que le Klangkunst et qu’est-ce que l’art sonore ? »
Et il répondit ainsi.

« En réalité, le terme « art » est plus important que tout autre. »

En 2011, je suis allée en Allemagne avec le désir de faire quelque chose qui allie musique et art.
L'art sonore, que l'on découvre à travers de nombreuses expositions et festivals en Allemagne, est l'une de ses racines.
Mais plus je m’enfonçais dans ce domaine, plus je travaillais comme artiste dans ce milieu, plus je découvrais le travail d’autres artistes-compositeurs, plus la réponse à cette question devenait insoluble.

En Corée, le genre qui combine son et art est généralement appelé « art sonore », et ses types existent dans un spectre très diversifié.
Par exemple, des compositions expérimentales basées sur divers sons/tonalités peuvent également être considérées comme de l'art sonore, et la présentation d'œuvres vidéo en parallèle peut également relever du même concept.
Autrement dit, elle revêt diverses formes, comme des formes d'art expérimentales centrées sur l'ouïe, ou un art qui peut être perçu à la fois par la vue et l'ouïe.
On observe donc un phénomène où l'orientation des artistes ou des organisateurs d'événements varie considérablement en fonction de leurs racines artistiques, ce qui peut donner l'impression que le terme est utilisé à outrance.

Quoi qu’il en soit, le concept d’« art sonore » utilisé en Corée est un terme employé internationalement et un concept qui peut naturellement s’implanter en Corée.
Cependant, en tant que pays d'Allemagne, l'un des berceaux de l'art sonore et abritant une scène dynamique, les critères du Klangkunst me semblaient un peu plus exigeants, c'est pourquoi j'ai voulu réexaminer l'essence de ce terme et de ce genre.
Cela s'explique évidemment par sa nature différente de celle de « l'art sonore ».
Une des questions qui se pose est : qu'est-ce que le Klangkunst, au juste ?

---Extrait de la « Préface » d'Oh Hyun-joo

Stefan Fricke : C'est un genre qui possède de nombreuses racines historiques.
John Cage est une figure unique dans la musique nouvelle (Neue Musik/musique moderne), le Klangkunst, la Radiophonik Ars Acoustica et d'innombrables courants dans les arts visuels.
Alors, selon vous, quelles sont les autres racines de la formation du Klangkunst ? Cette question a souvent été étudiée par les chercheurs et, sans surprise, on peut la faire remonter au futurisme et à certains aspects du dadaïsme des années 1920.
Bien sûr, on le retrouve également dans le mouvement Fluxus des années 1960.
Vous pouvez être d'accord avec ce point de vue, mais vous n'y êtes pas obligé.

Kristina Kubiš : Je vois cela comme ayant des racines complètement différentes, indépendamment de tous les aspects historiques et culturels.
Il m’est apparu que mes amis artistes Hans Peter Kuhn (*1952), Rudolf Julius (1939-2011) et moi-même étions tous originaires du nord de l’Allemagne.
Ce n'est pas un endroit bruyant.
Le paysage y est plat.
Il fait toujours du vent et il pleut, mais ça ne change pas grand-chose.
Il y avait quand même des sons vraiment sympas.
Cette région a influencé notre travail.
Ce qui est certain, c'est que c'était une période d'après-guerre où beaucoup de choses avaient été détruites et où toutes les régions étaient en proie à des bouleversements.
Et bien sûr, cela devient une biographie particulière qui raconte où et comment nous avons grandi.
Dans les années 1970, il était encore possible d'être hostile à quelque chose.
On peut être contre la musique classique, on peut être contre l'éducation musicale.
En tant que femme, j'aurais pu m'opposer aux hommes.
Il y avait tellement de choses différentes auxquelles résister.
Et cette résistance pourrait être créative et aboutir à de bons résultats.
Ce n'est plus une tâche facile, surtout pour les jeunes artistes d'aujourd'hui.
---Extrait de "Entretien avec Kristina Kubisch"

Oh Hyun-joo : Quel est l'élément le plus important dans la création artistique ? Bernhard Leitner : La curiosité.
La condition préalable la plus importante à toute œuvre d'art est une curiosité innée.
Par exemple, la curiosité naît de questions comme : « Qu’est-ce qui est possible ? » ou « Que s’est-il passé ? Comment pouvons-nous le comprendre ? »
N'est-il pas pratiquement impossible de parler d'art sans curiosité ? Cela vaut pour tous les domaines artistiques.
Si les mouvements du corps dans l'espace ne vous intéressent pas, vous ne serez peut-être pas intéressé par la danse ou vous aurez peut-être considéré le ballet comme superflu.
Mais si vous êtes curieux de savoir ce qui se passe là-bas, si vous êtes curieux des transformations spatiales des danseurs, par exemple, vous serez ravi de le regarder et d'y découvrir quelque chose.
La curiosité et la découverte sont intimement liées.
---Extrait d'« Entretien avec Bernhard Leitner »

Oh Hyun-joo : Quand vous travaillez, votre art et votre musique s'influencent-ils mutuellement ?

Arnold Draibrat : Êtes-vous compositeur ou artiste visuel ? Le monde fait encore ce genre de distinctions.
Beaucoup de gens ne comprennent pas que les deux sont possibles.
Les gens qui me connaissent comme musicien ignorent souvent que je suis aussi un artiste.
Certaines personnes qui connaissent ce fait pensent que mes activités artistiques sont une perte de temps et que je devrais me concentrer uniquement sur la musique.
Dans le monde de l'art, on qualifie souvent ma musique de « mignonne ».
Avant, je m'amusais un peu avec ces deux positions.


Quelqu'un m'a appelé et m'a dit : « J'aimerais vous inviter à Amsterdam l'année prochaine. »
J'ai demandé : « Parlez-vous d'une performance musicale/sonore ou d'une performance artistique ? »
Quand j’ai eu la réponse, « C’est de la musique », j’ai dit : « Veuillez patienter un instant ! » et j’ai fait comme si je raccrochais.
Je reprends alors le téléphone et je dis : « Salut ! Vous avez dit que vous vouliez parler d'un projet musical ? »


Quand je fais ça, tout le monde est complètement déconcerté, comme si j'avais affaire à des jumeaux.
En fait, c'est dommage que la création musicale et le travail artistique soient si dissociés.
Les choses évoluent lentement avec l'arrivée d'une jeune génération qui pense différemment, mais la plupart des institutions continuent de les traiter de cette manière.
Récemment, j'ai créé une œuvre intitulée « Warm-Up » (Warm-Up, 2021), qui étudie en profondeur la séance d'échauffement, ou processus d'accordage, de l'orchestre.
En tant que minimaliste, cette partie m'intéresse beaucoup.
Malheureusement, ce réglage a pris moins d'une minute à chaque fois, alors qu'il aurait dû être beaucoup plus long.
J'ai créé une installation qui permette de mettre en valeur ce processus d'accordage dans le contexte des arts visuels.
Nous sommes actuellement en discussion avec un orchestre concernant un projet d'interprétation.
C'est un de ces projets qui a débuté dans le domaine artistique et a évolué vers la musique.
On pourrait dire qu'il existe différentes variations selon le contexte musical et le contexte artistique.

---Extrait d'« Entretien avec Arnold Drablatt »