Vagues bleues, vagues bleues
15 peintres qui ont peint des vies tumultueuses en vert
Le monde bleu qu'ils aimaient
Le bleu, la couleur qui fait rêver
Captiver tout le monde

Selon Michel Pastoureau, un chercheur français qui étudie l'histoire des couleurs depuis 1968, le bleu est la couleur préférée des Européens depuis le XVIIIe siècle, et il est aujourd'hui considéré comme la couleur préférée dans de nombreux pays du monde.
Pourquoi tant de gens aiment-ils autant le bleu parmi les centaines et les milliers de couleurs qui existent dans le monde ?

Le bleu, couleur qui représentait les vêtements de la Vierge Marie au Moyen Âge, fut utilisé comme couleur représentant la royauté européenne à partir du XIIe siècle, et apparaît également dans des mots qui signifient une voie positive et nouvelle, tels que feu vert, plan et océan bleu.
Mais le bleu ne connote pas seulement des significations éblouissantes, lumineuses et positives.
En Occident, le mot « bleu » véhicule également des significations opposées telles que la dépression et la solitude, la froideur et l'indifférence, la tristesse et l'anxiété.
C’est peut-être là le charme du « bleu ».

La couleur bleue véhicule différentes significations culturelles et historiques selon sa saturation et sa luminosité, ainsi que selon son contexte historique.
C’est pourquoi, pour les peintres qui travaillent la couleur, le bleu était un moyen d’expression important qui transmettait des émotions et des sentiments.
Voici quinze peintres qui ont rempli leurs toiles de peintures bleues éclatantes, dépeignant les espoirs, l'amour, les épreuves, les chagrins et la solitude qu'ils ont rencontrés dans leur vie.
Des peintres qui coloraient parfois leur être intérieur du « bleu cobalt », une couleur qui rayonne de joie, et parfois du « bleu de Prusse », une couleur qui sombre dans le désespoir.
« Blue Museum » est un livre qui examine le parcours artistique d'artistes en suivant les vagues de la vie et des émotions qui se reflètent dans leurs œuvres, en se concentrant sur les peintures où la couleur bleue se distingue.
Comme l'écrit l'auteur : « À travers cet ouvrage, nous pouvons nous aussi ressentir la joie et l'exaltation, la tristesse et le désespoir, trouver du réconfort dans le fait que le monde n'est pas uniquement cruel envers nous, et j'espère qu'il nous offrira l'occasion de rêver à nouveau d'un avenir si bleu qu'il nous éblouit. » Après la lecture de ce livre, nous aussi pourrons découvrir notre propre « bleu » qui colorera notre être intérieur.

Il semblerait que la valeur et le bonheur de la vie proviennent des petites choses tranquilles du quotidien, et non des choses grandes et tape-à-l'œil.
Comme une bonne tasse de chocolat chaud par une froide journée d'hiver, le moment où votre neveu, qui vient de commencer à marcher, s'approche de vous et vous serre dans ses bras, ou encore ce moment après une journée de travail, un soir d'été, où vous prenez une douche avec un gel douche parfumé et profitez de la climatisation.
Claude Monet, peintre qui a mené l'impressionnisme français du XIXe siècle au début du XXe siècle.
Il semblait connaître la valeur de ces petits bonheurs, et il a su capturer les petites joies de la vie quotidienne sur la toile.
Pour lui, le bonheur, même modeste, venait de la nature.
La nature, qui est toujours avec nous, est quelque chose que nous oublions facilement, mais qui est aussi ce qu'il y a de plus important pour nous.
Monet était fasciné par les paysages naturels et la lumière, et il a vécu comme peintre de la nature jusqu'à la fin de sa vie.
--- p.13

La vie de Renoir était loin d'être heureuse ; ce fut une succession de souffrances, de chagrins et d'épreuves.
Mais sur l'ensemble de ses toiles, dont le nombre s'élevait à plus de 6 000 de son vivant, seules les chansons célébrant l'amour, le bonheur et la vie résonnent avec une telle extase et une telle fraîcheur qu'on n'aurait jamais imaginé une telle situation.
Renoir, convaincu que les tableaux devaient toujours être joyeux et jolis, disait : « Les tableaux doivent être magnifiquement peints et être un moyen de transmettre de la joie aux gens. »
Renoir a immortalisé le quotidien des gens dans une atmosphère joyeuse, gaie et lumineuse qu'aucun autre artiste n'avait jamais dépeinte auparavant.
Renoir nous a offert une mélodie d'espoir simple mais précieuse, comme une tasse de thé fumante par un froid après-midi d'hiver.
Même si chacun d'entre nous est confronté à des situations difficiles et ardues, si nous changions un tout petit peu notre façon de penser pour embrasser un espoir lumineux et positif comme Renoir, nos « images de la vie » ne seraient-elles pas elles aussi emplies de chaleur et de lumière comme les œuvres de Renoir ?
--- p.51~52

Née sur la côte valencienne, en Espagne, Sorolla est retournée à la mer.
Pour saisir la plage dans son intégralité sur la toile, j'ai installé ma toile sur le sable et j'ai commencé à peindre la mer Méditerranée et les Espagnols qui y travaillent et y passent leurs loisirs, bravant le soleil brûlant et les tempêtes de sable.
Il peignait principalement des enfants jouant avec enthousiasme dans la mer, qu'il considérait comme leur terrain de jeu, et des femmes sur la plage s'occupant d'eux et bavardant avec élégance dans la mer, qu'il considérait comme leur sanctuaire.
--- p.64

Depuis plusieurs années, une véritable frénésie philosophique déferle sur la Corée.
Depuis Nietzsche et plus récemment Schopenhauer, la biophilosophie sur la réflexion sur la vie a connu un grand succès.
Nietzsche nous prêche la philosophie de l'affirmation dionysiaque.
Cette philosophie affirme que si vous acceptez les difficultés inévitables de la réalité qui se présentent à vous et que vous les appréciez pour ce qu'elles sont, vous pouvez accéder à une vie optimale.
Voici un peintre qui, en raison de circonstances familiales difficiles, a dû se jeter dans la bataille de la vie à l'âge de quatorze ans, a enduré la peur et la terreur au milieu d'un champ de bataille impitoyable dans sa jeunesse, et a souffert d'énormes douleurs physiques dans ses dernières années.
Cependant, c'est un peintre qui correspond parfaitement à la philosophie nietzschéenne de la positivité dionysiaque, car il peint des tableaux emplis uniquement de joie, de plaisir et de délice, sans la moindre trace de douleur ou d'épreuve.
Raoul Dufy, dont les œuvres regorgent de couleurs chatoyantes et d'une sensibilité remarquable, dépeignent avec gaieté le bonheur de vivre, est un protagoniste merveilleux.
--- p.75

Matisse a exprimé le monde libre, l'utopie dont il rêvait, à travers la « couleur » et le « décor ».
En 1895, après avoir été admis à l'École des Beaux-Arts, Matisse se rend en Bretagne, en France, pour étudier auprès de Gustave Moreau, un pionnier de l'art symboliste à l'époque.
Matisse, qui découvrit l'impressionnisme à cet endroit, se passionna pour les couleurs vives.
Il épousa plus tard Amélie Noéliès Parère en 1898 et passa le printemps et l'été sur l'île française de Corse en Méditerranée.
L'expérience d'être exposé à la lumière éblouissante de la Méditerranée a eu une influence plus profonde sur l'œuvre de Matisse que tout autre élément.
De même, Matisse, convaincu par la méthodologie de la couleur proposée par Paul Signac, peintre représentatif de l'impressionnisme, dans son ouvrage « De Delacroix au néo-impressionnisme », a choisi la couleur comme moyen d'exprimer la beauté de la lumière.
--- p.156

La vie de Vincent à Arles, baignée de bleu et de jaune, était emplie d'une joie et d'un espoir palpitants dans une existence par ailleurs difficile et ardue, et c'est probablement une succession de moments qui a marqué sa plus grande évolution en tant que peintre.
Et Vincent nous a laissé une scène qu'il avait découverte par hasard un jour merveilleux à Arles, un lieu qui avait chaleureusement accueilli son cœur froid et solitaire.
Et si vous fermiez tranquillement les yeux et ressentiez combien le ciel bleu infini et les champs reflétés dans les yeux purs et innocents de Vincent devaient être mystérieux et captivants le jour où il a peint « Un petit chemin près d’Arles » ?
--- p.189

Munch a vécu toute sa vie dans un abîme de douleur, d'anxiété, de tristesse et de dépression.
Pour lui, la peinture était le seul réconfort qui le soutenait en tant qu'ami et membre de la famille.
Il se souvenait que lorsqu'il était submergé par un profond désespoir, la peinture lui apportait paix et calme, et que lorsque son esprit était rempli d'anxiété, la peinture l'aidait à s'endormir le cœur léger.
La famille de Munch, le seul nid douillet qui le soutenait en toutes circonstances, disparaissait peu à peu, et il était incapable de nouer des relations honnêtes et stables avec ses proches.
Munch, plongé dans le pessimisme suite à une série de coïncidences, entendit parler de Vincent van Gogh et parvint à sublimer sa douleur en un art magnifique, traçant ainsi avec succès sa propre voie.
--- p.210

Malevitch affirmait que la « couleur » est la plus grande valeur dans le processus de création d'une peinture et l'essence même de l'œuvre.
C’est peut-être pourquoi « Torse », avec sa teinte bleue saisissante, semble briller plus intensément que d’autres tableaux de Malevitch de la même époque, et dégage même une élégance noble.
Le blanc peint sur un côté du corps, les touches de rouge et la main noire dessinée de façon mignonne font encore plus ressortir le bleu du fond et du torse.

--- p.229